miércoles, 30 de noviembre de 2022

P̲ink Flo̲yd - T̲h̲e̲ W̲a̲l̲l̲ (

PINK FLOYD &  “THE WALL”:

 

Un 30 de noviembre de 1979  la filial progresiva de la EMI, “Harvest Records  publicó en UK (CBS Columbia lo hará en USA) el doble disco de “Pink Floyd” llamado  “The Wall” (la Pared) donde por última vez participaron los cuatro miembros originales de la banda, aunque Wright estaba como músico asalariado (sin contar a Barrett, que desde hacía ya muchos años había sido expectorado de la banda y estaba en el sueño de los justos) y el álbum llegó hasta el número uno en USA y otros países, mientras que en UK  llegó hasta el puesto tercero.

 

El disco The Wall de Pink Floyd partió de una idea de Waters  que tenía un material inicialmente trabajado en octubre de 1978 que ideó luego de un incidente que tuvo con un fan al que agredió en un concierto que la banda diera en Montreal y comenzó a fantasear con la idea de construir un muro entre el escenario y la audiencia lo que llevó posteriormente a la creación de este disco que se convertiría en el más alabado de Pink Floyd por la crítica especializada.

 

La concepción se inicia  a principios de 1979 cuando Waters  presentó a la banda dos ideas, la ya descrita y otra que fue rechazada y fue el posterior material de su primer disco como solista y el disco se empieza a grabar con plazos establecidos  entre los meses de abril a noviembre de 1979 en estudios de grabación de Francia y USA respectivamente y fue producido por el canadiense Bob Ezrin (el que trabajaba con Kiss y además era músico profesional que aportó muchas de sus ideas al proyecto), David Gilmour y Roger Waters y coproducido por James Guthrie.

 

 Fue publicado en mes de noviembre con la novedad de presentar un álbum conceptual  que contaba en su mayoría con temas cortos que se entrelazaban entre sí que presentaba el auge, caída y locura de Pink, que era el alter ego de Waters con algunos guiños a Syd Barrett y que su cordura se derrumba como un muro que lo aislaba del exterior con la esperanza de poder  logar su auto redención.

 

Cabe mencionar que la participación de Rick Wright en el proyecto fue casi nulo ya que en el ínterin de la grabación se le comunicó por intermedio de Steve O' Rourke (manager de la banda) que ya no formaba parte de Pink Floyd (muchos de los teclados fueron tocados por el productor y músicos de sesión), por eso en la gira de promoción del año siguiente participó sólo como músico de asalariado y lo paradójico es que no corrió con las deudas que ocasionó a los integrantes del grupo la gira.

 

Los dibujos interiores y el diseño de la carátula estuvo a cargo del connotado caricaturista Gerald Scarfe quien  está casado con la ex de Paul McCartney , la actriz Jane Asher y que realizara unos icónicos dibujos que fueron material indispensable en la película que se realizó sobre el álbum casi dos años después.

 

El tema más elaborado Confortably Numb fue una colaboración de Gilmour (la base instrumental sobre un tema inconcluso que tenía)  y Waters (la letra) es quizás la mejor canción del disco.

SYMPATHY FOR THE DEVIL U “ONE PLUS ONE”:

SYMPATHY FOR THE DEVIL U “ONE PLUS ONE”:

 

La película “Sympathy for the Devil” que en un inicio iba a llamarse “One Plus One” que fuera dirigida por el controvertido desparecido director  franco suizo “Jean - Luc Goddard” y que contara  con  la participación estelar de los Rolling Stones fue estrenada en Francia el 30 de noviembre de 1968.

 

 A la  fecha el film es distribuido en DVD y Blu Ray por ABKCO Music & Records, empresa  creada por Allen Klein  que supervisaba los lanzamientos de los Stones y básicamente  es un documental cien por ciento sesentero (Justo en el convulsionado año de 1968 donde la política y la música hicieron eclosión sobre todo en el mes de mayo) del cual los Stones no tuvieron ni un poco de injerencia en su elaboración y más bien fueron utilizados en las teorías revolucionarias de desmitificar a los ídolos musicales como simples trabajadores, propio de los delirios marxistas del primo del defenestrado presidente del Perú Pedro Pablo Kuczynsky, el director  Jean-Luc Goddard (diciembre 1930).

 

En primer lugar si uno no es crítico de cine, pero buen espectador, las escenas yuxtapuestas no tienen argumento coherente  y más bien son las fantasías del director de poder mostrar el sistema y anti sistema donde interactúan  unos rebeldes panteras negras en un depósito de carros usados secuestrado a níveas doncellas a las cuales luego ejecutan, una clandestina librería donde se alquilan en la estantería comics, revistas porno y de espectáculos, libros y mientras un muchacho recita partes de “Mi lucha de Hitler”, cada parroquiano hace el saludo nazi y golpean a dos rehenes que miran dudosos  a la cámara y todo esto se mezcla con las filmaciones a los Stones cuando están elaborando lo que luego sería un célebre tema.

 

Para realizar su delirio, Goddard  se trasladó a Londres para filmar la a los  Rolling Stones cuando estaban grabando la canción que en un inicio se iba a llamar  The Devil is my name” basado en el libro que Marianne Faithfull le da a su novio Mick Jagger del autor ruso Mikhail Bulgakov  “The Master and Margarita” y luego le agrega al argumento  un par de poemas de Las flores del mal de Baudelaire y al final quedó el título de "Sympathy for the Devil”.

 

Si te crees intelectual vanguardista o caviar progresista te puedes soplar toda la película buscándole un real sentido, el cuál mi ignorancia superlativa no encontró, pero si te gusta la “música” verás un excelente documental de como es el trabajo en un “estudio musical”, pues la filmación de junio del 68 muestra el deterioro de Brian Jones cuando es soltado de prisión y ya estaba hecho mierda, se ve que de una simple canción acústica cuyas notas le enseña Mick a Jones termina en un temón con ritmos latinos y de samba con unos grandes solos de Richards , bajo el acompañamiento   del músico de sesión Nicky Hopkins en el piano, mientras un avión que se pierde a la distancia se va llevando a una actriz que parece moribunda llamada Eva Democracia  que permanece inmóvil, medio colgando de la grúa, uno colgando de la pierna, mientras una voz en off cierra el experimento.

CHERIE CURRIE & LAS RUNAWAYS:

CHERIE CURRIE & LAS  RUNAWAYS:

 

La ex cantante de las Runaways y actriz Cherie Ann Currie nació en Encino California un 30 de noviembre de 1959, tiene una hermana gemela que ahora canta a dúo con ella y es hija de banquero y actriz de cine por eso que no sorprendió que aún no hubiera cumplido los 16 años cuando en el año 1975 se unió a un  proyecto musical que consistía en un grupo musical constituido por cinco muchachas casi adolescentes que iban a cantar y tocar ellas mismas sus instrumentos.

 

Las Runaways fue ese proyecto de banda femenina creado por el controvertido productor y músico Kim Fowley donde el núcleo central estaba conformado por la vocalista Cherie Currie y la guitarrista Joan Jett (el cerebro de la banda) la baterista Sandy West (la más joven), luego se completó la banda con una bajista y la particularidad es que todas ellas adolescentes  y con el paso del tiempo demostraron que no era una banda plástica sino un buen grupo musical donde tenían buenas instrumentistas como Lita Ford en la guitarra solista y que en los ochentas destacara en el heavy metal como cantante.

Billy Idol

EL GRAN BILLY IDOL:

 

Nacido en Stanmore, Middlesex, UK con el nombre de William “Michael Albert Broad  un 30 de noviembre de 1955 será más conocido en el mundo de la música como  Billy Idol, quien empezó en el grupo punk “Generación X” a mediados de los setentas en esa oleada de jóvenes antisistema que con el paso del tiempo la mayoría en su madurez se acomodaron burguesamente al stablishment del cual renegaban.

 

Pero como muchos no son profetas en su tierra  llegó  al estrellato en la década de los  ochentas sobre todo fuera de las fronteras de su natal  isla y nada menos que en USA donde conoció al buen guitarrista Steve Stevens con quien coescribe la mayoría de sus canciones que fueron éxito en las listas y hasta la fecha  con idas y venidas aún  se encuentra en actividad en la música, sigue brindando conciertos a lleno total y a veces se dedica a la actuación  y ya es  ciudadano oficial de USA.

Shuggie Otis - Sweet Thang

SHUGGIE OTIS Y SU “SWEET THANG”.

 

Johnny Alexander Veliotes, Jr., más conocido en el mundo de la música como “Shuggie Otis” nació en Los Angeles un 30 de noviembre de 1953  y fue hijo del empresario musical  y pianista de origen griego, Johnny Otis, conocido  como el "Godfather of Rhythm and Blues", por su impulso a la carrera de muchos músicos negros de la forma en que viese conveniente a sus intereses.

 

 Su pequeño “Shuggie” fue otro  de los  llamados “niños prodigios de la música”, y realmente lo fue pero fue infravalorado en su tiempo pero  demostró un gran talento para la guitarra y otros instrumentos (recomiendo el lp que grabó con Al Kooper “Kooper Session en 1970” y tan sólo tenía quince años), aquí un ejemplo de su técnica con las cuerdas en este tema  “Sweet Thang"  grabado en 1971 y coescrito con su padre  que luego de años formara parte de la banda sonora del film “Dallas Buyers Club”.

 

Y aún sigue en actividad con la calidad de siempre.

Roger Glover

ROGER GLOVER:

 

El bajista de Deep Purple Roger David Glover nació en Brecon Gales un 30 de noviembre de 1945 y desde temprana edad se dedicó a la música como guitarrista pero al  formar parte del grupo Episode Six empezó a tocar el bajo y empezó a  componer la mayoría de los temas y hacerse amigo del vocalista de la banda llamado Ian Gillan.

 

Cuando el guitarrista Ritchie Blackmore quiso cambiar el giro progresivo de Deep Purple (en los tiempos  en que la hegemonía  musical la tenía Lord) hacia la  nueva tendencia musical dominante a finales de los sesentas que  era el  “hard rock” y por ello tomó la decisión de  prescindir del vocalista Rod Evans porque estaba impresionado por el cantante del grupo pop psicodélico “Episode Six” llamado Ian Gillan (según cuenta años después al verlo parecido a Jim Morrison y su alto timbre de voz) y al ser reclutado pidió que también contraten a su amigo y compañero de grupo llamado Roger Glover.

 

Por ello los integrantes de Deep Purple tomaron la decisión de despedir al también bajista  Nick Simper (quien fuera compañero de  Jon Lord en The Flower Pot Men  y en el documental Deep Purple “In his Own Words” aún Simper recuerda de la falta de sinceridad de Lord por no haberle dado la cara luego de su despido porque quien creía su amigo) y contratar a Glover, amigo de Gillan  en su reemplazo.

 

Bueno la historia siguió Glover se complementó bien a la banda y demostró ser además un buen bajista y productor  que con idas y venidas a Deep el ex hippie y “conciliador” Glover sigue aún como bajista de la banda, además de haber sido parte de Rainbow entre 1979 a 1984 y producir diversos grupos y grabar como solista cinco proyectos musicales independientes.

martes, 29 de noviembre de 2022

Motörhead - I Am The Sword

MOTORHEAD & “I AM THE SWORD”:

 

La canción yo soy la espada  es del disco “Bastards” que fue publicado un 29 de noviembre de 1993 por la que era la nueva encarnación de  Motörhead con el ya inmortal Lemmy en el bajo, Phill Campbell y  Würzel a las guitarras y Mickey Dee a la batería.

 

Fue  el primero disco producido por Howard Benson (Un buen productor hace notar la diferencia caso George Martin y los Beatles) y la banda  volvió  a los sonidos de  sus orígenes y Lemmy canta como nunca  con ese  fuerte estruendo en los instrumentos  y letras con contenido contundente y crítico, aquí esta perla: "I Am the Sword".

Almendra - Color Humano (Official Audio)

ALMENDRA Y LA EPOPEYA LLAMADA “COLOR HUMANO".

 

De acuerdo a diversas fuentes, la fecha de publicación del disco debut del grupo argentino Almendra, uno de los primeros en su país en cantar rock en castellano,  fue un 29 de noviembre de 1969 a través del sello  RCA Víctor.

 

Y si hay un “solo de guitarra del rock sudamericano” que me impactara desde la primera vez que lo  escuchara y mi opinión no ha cambiado al paso de los años, sigue siendo mi preferido, es el de este tema que es el de mayor extensión del disco debut de la banda de rock argentino  “Almendra” conformada por Spinetta, Molinari, Del Guercio y García (1969).

 

Y  Color Humano fue casi el único que compuso para este disco el guitarrista principal Edelmiro Molinari (la mayoría de las canciones del disco fueron firmados por el cantante, guitarrista y líder de la banda, Luis  Alberto Spinetta y que es el segundo surco del lp con una duración de un poco más de nueve minutos que pasó a la historia  por ese solo de guitarra eléctrica ejecutado con sentimiento por  Molinari con más  5 minutos de duración, que lo hace un clásico del rock pesado.

 

La estructura del tema es el siguiente, comienza con un ligero riff  de Molinari  dando paso a una distorsión eléctrica y luego a una secuencia de cuatro acordes (si menor-mi mayor-fa sostenido mayor-do mayor), a cargo de Spinetta, de forma repetitiva a lo largo del tema que solo es interrumpido por un breve estribillo seguido  por el extenso solo de Molinari que culmina con otra parte cantada que  cuestiona la naturaleza humana en los siguientes breves versos:

 

 Beso mares de algodón

Sin mareas, suaves son

Sublimándonos, despertándonos

Somos seres humanos

Sin saber lo que es hoy

Un ser humano

Vida y sangre sin ardor

No hace falta, hay calor

No miremos hoy, descansemos hoy

Vemos todos colores

Sin saber lo que es hoy un color.

 

El título de este temón más adelante sería utilizado para denominar a la banda de rock “Color Humano”, creada por Molinari, luego de la separación de Almendra en 1970 y liderada por el mismo Edelmiro Molinari, pero ya es otra historia.

John Mayall Feat. Eric Clapton - All Your Love

EL PADRINO DEL BLUES DE UK: JOHN MAYALL:

 

El padrino del blues inglés  “John Mayall” nació en Macclesfield, Cheshire un 29 de noviembre de 1933 y fue hijo del guitarrista de jazz Murray Mayall, quien le inculcó su amor por la música y da de adolescente empezó a gustar de pioneros del blues de USA  como  Leadbelly, Albert Ammons, entre otros  y   además empieza a tocar  la armónica, órgano y guitarra y es considerado uno de los precursores  del blues inglés junto a otro grade como Alexis Korner.

 

Luego de estar tres años en Corea por su Servicio militar estudió diseño gráfico en Manchester   pero sin dejar de   lado la música y ya en  1955 crea con su compañero de universidad  Peter Ward su  primer grupo llamado  The Powerhouse Four” donde cantaba  y además tocaba las  guitarras y el teclado, luego forma parte del Sexteto “Blues Syndicate” donde uno de los integrantes era el baterista Hughie Flint.

 

En 1963 aconsejado por Alexis Korner decide mudarse a Londres para dedicarse profesionalmente a la música y crea su más famosa banda: “The Bluesbreakers”, que se inicia por ese mismo año  y fue prácticamente el maestro de un  semillero de futuras estrellas de la música  como Eric Clapton, Peter Green, Mick Taylor, John McVie, Andy Fraser. Hughie Flint,  entre otros.

 

En los setentas se muda a Laurel Canyon en California, USA dando su música un giro hacia nuevos sonidos como el jazz y tocando con músicos de la región  por los ochentas resucita a los Bluesbreakers y esporádicamente ha seguido grabando y haciendo presentaciones en vivo éste maestro que aún sigue dando batalla  y publicando aún nuevos discos demostrando su creatividad y vitalidad.

 

LET IT BLEED DE LOS ROLLING STONES:

LET IT BLEED DE LOS ROLLING STONES:

 

Un 5 de diciembre de 1969 el sello Decca Records de UK publica en el Reino Unido  el octavo disco en estudio de los “Rolling Stones” llamado “Let it Bleed”(o déjalo sangrar) y  en USA  el sello London lo había editado una semana antes un 29 de noviembre del mismo año) y por sus ventas llegó hasta el número uno de UK  y al puesto tercero de la Billboard 200 de USA.

 

El álbum fue grabado bajo la producción del gran Jimmy Miller e fechas espaciadas comprendidas entre el 16  y 17 de noviembre de 1968 hasta el  10 de febrero de 1969 y  cuya última grabación ocurre el 2 de noviembre de 1969 entre  los Olympic Studios de UK y los Elektra Studios y Sunset Sound de Los Angeles.

 

Fue el segundo disco que les produjo el estadounidense Miller y el primero en contar  como guitarrista solista al joven ex bluesero de Mayall Mick Taylor (aunque solo participase en dos temas) en reemplazo del fallecido Brian Jones, quien había sido expectorado a inicios de 1969, también es el último disco en estudio que publicaría el sello Decca y que ocasionaría una serie de problemas legales con los Stones.

 

Este  marcará el inicio del nuevo estilo guitarrero de los Stones, también vuelven a sus raíces blueseras que cuya característica aún muestran en los enésimos conciertos standards que siguen brindando  en la actualidad y deja un puñado de temas clásicos como el “Gimme Shelter y los magníficos coros de Merry Clayton, You Can't Always Get What You Want» y el magistral piano de Nicky Hopkins y escuchar a Brian Jones  tocando el instrumento autoarpa en el bluesazo You Got the Silver.

 

George Harrison - What is Life

EN RECUERDO DEL MAESTRO “GEORGE HARRISON”:

 

Un 24 de febrero de 1943 (y no el 25 de febrero como erróneamente señala su partida de nacimiento) a las 11:42 horas de la noche (además lo confirmó el mismo Harrison en una entrevista a la revista Billboard en 1993 donde señala que al conseguir una copia de su  registro médico de nacimiento aparece la real hora y fecha de su nacimiento y además lo señala el libro de Barry Miles y de otras recientes biógrafos) en el barrio de Arnold Grove, en el puerto de Liverpool, Inglaterra, nace el menor de los Beatles, el maestro “GEORGE HARRISON  que también fue el menor y cuarto hijo del matrimonio de clase trabajadora formado por Harold Harrison y Louise French, pero como fue registrado al día siguiente y su padre no se acordaba bien las horas y nunca se objetó ante los registros, quedó como fecha oficial de su nacimiento por la partida el día 25 de febrero de 1943.

 

A George Harrison el “cáncer” se lo llevó tempranamente a la edad de  58 años un nefasto 29 de noviembre del 2001 a la una y treinta horas de la madrugada en la residencia de USA en los Angeles California del ex beatle Paul y a su lado se encontraban su  esposa Olivia y su hijo Dhani que cumplieron horas después su último deseo  Que luego que lo cremen  sus cenizas sean esparcidas  en el río Yamuna en la India y así se hizo”.

 

El mérito de George es que de un ser humano que estuvo siempre en constante crecimiento, tanto como músico, como autor y como ser humano sobre todo en el plano espiritual y práctico, así  si uno repasa su interesante biografía y discografía  desde sus tímidos inicios con los "BEATLES" hasta el final de su carrera comprobará que se convirtió en un maestro de la guitarra slide y  que ningún tema que compuso pueda calificarse intrascendente, pues todas sus canciones son de una calidad extraordinaria que el tiempo ha hecho justicia al darle el lugar que les corresponde.

 

Harrison sin poses ni egoísmos de por medio demostró su calidad como músico con el paso de los años y a base de esfuerzo logró crear grandes canciones con los Fab four, sobresaliendo del monopolio creativo que ejercían Lennon y McCartney en la repartición de canciones por disco.

Comenzando los 70s realizó el triple Long play solista ALL THINGS MUST PASS" que sobresalió en calidad sobre los que editaron en esa época sus ex compañeros.

 

En la década de los 80s formó parte de  una Superbanda de íconos de la música los  "TRAVELLING WILBURYS", quedando registrados dos discos históricos que han sabido resistir el paso del tiempo. Además sobresalió en el mundo del automovilismo y cinematografía financiando algunas películas y sobre todo la aclamada comedia “Life of Brian” de los Monty Phyton" y  otros proyectos independientes que colaboró.

 

De acuerdo al documental “Living in the material World” de Martin Scorsese, Harrison  se estuvo preparando largo tiempo  espiritualmente para abandonar esta dimensión por sus enorme fe en la religión hinduista, donde practicó la meditación que le dio esa paz que irradiaba pero que no le eximía de esa humanidad donde manejaba a perfección el sarcasmo y siendo “tan pasional y carnal como cualquier ser humano” pero con dosis de la espiritualidad que  profesara y que lo condujo para abandonar esta dimensión y por ello donde esté  una oración para el " maestro".

The Rascals "See" Enhanced Audio

SEE DE LOS  “RASCALS”:

 

Los Rascals, liderados y fundados en 1965 por el tecladista, vocalista y compositor de Nueva York Felix Cavaliere  anteriormente se hacían llamar “The Young Rascals” y en sus inicios practicaban un soul blanco que gustaba bastante y entre sus admiradores se encontraba Paul McCartney quizás los temas más famoso del  cuarteto de Nueva Jersey fueron  Groovin´, Good Love  y en menor medida Mustang Sally de fuerte sonido rockero.

 

Pero, quizás uno de las mejores composiciones de la etapa que se podría considerar experimenta de la banda,  fue un sencillo publicado  y extraído del disco del mismo nombre “SEE  y aunque no fue recibido en su época como sus canciones anteriores, el tiempo le ha dado el valor que merece,  editado en diciembre de 1969 y sigue cautivando con su magia.

The (Young) Rascals - People Got to Be Free (1969 NRK-TV)

FELIX CAVALIERE:

 

El músico Felix Cavaliere  nació en Pelhan, Nueva York en el seno de una familia de origen italiana  un 29 de noviembre de 1942 y a petición de su madre empezó a estudiar el piano desde los seis años y a los 14 años cuando ella falleció, él ya era todo un  músico profesional formando parte del grupo The Stereos en los sesentas, luego estuvo brevemente en el grupo Joey Dee and the Starliters donde se hace amigo del cantante Eddie  Brigati y el guitarrista canadiense Gene Cornish y cuando conocen al baterista Dino Danelli (que tenía una técnica insuperable) deciden en 1965 formar un grupo de rhythm and blues  y soul  que lo llamarían  The Young Rascals”.

 

El nombre del grupo es en homenaje a  “The Little Rascals” esas seriales  de televisión de la década de los 30 y 40 y en sus primeras presentaciones se vestían a la usanza de esos pequeños traviesos y en marzo de 1966 graban su primer homónimo álbum que está lleno de covers donde Brigati y Cavaliere se turnaban la voz solista y dejaban a Cornish un par de canciones para que cante y una característica del grupo era el  sonido del Hammond B-3 organ que Cavaliere tocaba como los dioses y el tema que los hizo famosos fue el “Good Lovin'" que  cantaba Cavaliere  y llegó a ser número uno , luego vino el disco Collections (enero 1967) donde Brigati y Cavalieri componían casi todos los temas  y paralelamente lanzaron el single “You Better Run” también a su cargo en la voz y su tercer disco Groovin de julio de 1967 los hace famosos en ambas costas y el single del mismo nombre fue otro número uno.

 

Luego de ese disco acortan el nombre de la banda como “The Rascals como aparece en el cuarto disco del grupo “Once Upon a Dream” (enero de 1968)  que el paso del tiempo ha establecido como su mejor obra pero no le fue tan bien en su tiempo, quizás por dejar el lado el soul y concentrarse en los arreglos orquestales y los coros donde participó también el hermano de Eddie Brigati, en 1969 lanzan el disco doble y conceptual “Freedom Suite  donde se encuentra el éxito “ People Got to Be Free" y en  diciembre de ese año  lanzan el incomprendido disco See (que es excelente) y en 1971 publican Search and Nearnessel último disco del cuarteto original.

 

Luego Cavaliere asume el liderazgo del grupo y lanzan Peaceful World (mayo 1971) y  The Island of Real (1972) sin Brigati ni Cornish y ante las pocas ventas el grupo se disuelve, luego de actuaciones en directo lanza el disco   Treasure (1977),lanza en  1980 un single como solista llamado "Only a Lonely Heart Sees" sin mucha repercusión y hasta el 2010 ha publicado más de cinco álbumes donde mantiene su estilo y magia en los teclados y también estuvo con los All Stars de Ringo y en el 2012 reunificó a los miembros originales de The Rascals para una pequeña gira y aún sigue en actividad este grande de la música.

 

Contigo peru - el zambo cavero HD

RECORDANDO AL GRAN ARTURO “ZAMBO” CAVERO:

 

El fabuloso cantante de música criolla, Arturo el “Zambo Cavero” nació en los movidos Barrios Altos, cuna del criollismo limeño un 29 de noviembre de 1940 y desde joven destacó por su portentosa voz y tocar como los dioses el cajón, que ahora le llaman “cajón peruano” y además fue profesor de profesión difundiendo nuestra música y cuando hizo dupla con el maestro guitarrista Óscar Avilés sus canciones  sobre todo las compuestas por Augusto Polo Campos trascendieron la  barrera del tiempo y algunas son como un segundo himno nacional del Perú pero el” Zambo Cavero” falleció por una septicemia que se le complico debido a la diabetes y obesidad  que padecía en el hospital un  9 de octubre del 2009, hace algunos años.

 

Y si hubiese nacido en USA, UK  u otro país del continente  estaría en el podio más alto de aquellas voces bluesera de todos los tiempos que estremecen y escucharlo es una forma de tenerlo presente.

 

DEDICADO A “DENNY DOHERTY”

DEDICADO A “DENNY DOHERTY”:

 

El que fuera uno de los vocalistas del grupo “The Mamas & the Papas” nació con el nombre de Dennis Gerard Stephen Doherty o  más conocido como “Denny Doherty” en  Canadá un 29 de noviembre de 1940 e inició su carrera musical con un grupo vocal llamado “The Hepsters”, luego estuvo con el grupo Folk The Hallifax 3  con quienes graba dos discos a inicios de los sesenta.

 

 En 1963 conoce a la adiposa cantante Cass Elliott (futura Mama Cass) quedando ella prendada de él y con el futuro Loving Spoonful Zal Yanovsky forman un efímero grupo y luego de una itinerante periplo por USA en 1965 conoce al guitarrista, cantante y compositor  John Phillips y a su esposa Michelle que formaban el trío “The Journeymen” y al cancelarlo  estaban buscando gente para una nueva agrupación vocal y al reclutarlo él les sugiere agregar a Cass Elliott y la unión  de los cuatro son el núcleo del grupo the Mamas and the Papas.

 

Este grupo fueron los primeros símbolos del hippismo de los sesentas con su tema California Dreamin´y la voz tenor de Doherty es patente en el tema “Monday Monday  ambos éxitos alrededor del mundo  y el  momento de gloria del grupo fue el Festival de Monterey que organizara  John Phillips junto al productor Lou Adler en junio de 1967 donde su banda cierra el festival de la referencia, pero luego que Doherty arrasara con las dos mujeres de la banda y el grupo se disuelve a inicios de los 70s, para tener una intermitente carrera como solista  y Denny Doherty falleció  de una insuficiencia renal un 19 de enero de 2007.

sábado, 26 de noviembre de 2022

Traffic - Light Up or Leave Me Alone

TRAFFIC & “LIGHT UP OR LEAVE ME ALO

 

Un 26 del mes de noviembre de 1971 la banda inglesa  “Traffic”, ahora ya encarnados como un quinteto publicó su quinto disco llamado “The Low Spark of High Heeled Boys” (algo así como La frágil chispa de muchachos con zapatos de plataforma sería el título del disco)  que también es el título de su tema principal proviene de la genialidad de Jim Capaldi que la empezó a escribir cuando se encontraba en  Marruecos.

 

Y este sería el disco de “Capaldi”, donde  experimentan con nuevos ritmos  que influenciaron a la banda y tiene la particularidad de ser el único disco de Traffic donde Jim Capaldi interpreta dos temas como voz solista y como un ejemplo es éste de su total autoría que luego fue un tema recurrente en los conciertos del grupo.

TRAFFIC - THE LOW SPARK OF HIGH-HEELED BOYS - The Low Spark Of High-Heel...

TRAFFIC  & “THE LOW SPARK OF HIGH HEELED BOYS”

 

Un 26 de noviembre de 1971 (otras fuentes señalan como el 1 de noviembre) el sello “Island Records” publicó en UK el quinto álbum de la banda “Traffic” llamado “The Low Spark of High Heeled Boys” (La Ligera chispa de muchachos con zapatos de plataforma) y que en su nueva conformación como sexteto  llegó hasta el puesto séptimo de la Billboard 200 de USA.

 

La letra que hace alusión al título del álbum proviene de la genialidad de Jim Capaldi que la empezó a escribir en Marruecos donde iba a participar en la banda sonora de una película llamada “Nevertheless” con el actor Michael J. Pollard que al final no se concretó y el actor le dejó escrita esta frase en su cuaderno y de allí voló su imaginación hacia un significado  espiritual  y metafórico a la canción (cuya melodía es un Jam instrumental de más de 12 minutos) donde cuestiona el mundo irreal de las brillantes estrellas de rock y la presión de las disqueras y managers con ellos.

 

En cuanto al disco fue grabado bajo la producción de Stevie Winwood en los estudios de  su sello discográfico Island Records por setiembre de 1971 donde a experimentan con nuevos ritmos como el jazz rock, rock progresivo y también con su peculiar clásico estilo neo folk.

 

El álbum contiene el interesante tema que le da título que es una larga composición donde se presenta un interesante cambio de ritmos y solos instrumentales  con una gran interpretación por parte de Winwood y además de tener la particularidad de ser el único de la banda donde el baterista  Jim Capaldi interpreta dos temas como la voz solista como "Light Up or Leave Me Alone sin la colaboración de Winwood y de cantar  la única composición que hicieran en coautoría  el desaparecido bajista Rick Grech (Ex Family y Blind Faith) con el atormentado Jim Gordon, “Rock & Roll Stew".

 

SOBRE LA CARÁTULA:

 

La portada del vinilo es una pequeña obra de arte original con los bordes cortados en el inferior izquierdo al superior derecho haciendo que se vea el disco como una figura geométrica de seis lados.

 

Roundabout: Yes- Fragile

“FRAGILE” DE YES:

Un 26 de noviembre de 1971 el sello Atlantic Records publicó en UK (en USA sería editado el 2 de enero de 1972) el cuarto álbum de la banda progresiva inglesa Yes llamado “Fragile” y que por sus buenas ventas llegó hasta el puesto séptimo de los charts de UK  y hasta el octavo de la Billboard 200 de USA.

Éste disco tiene la particularidad de ser el primero con el nuevo integrante “Rick Wakeman” (procedente del grupo folk Strawbs) que remplazó a Tony Kaye en los teclados agregando otros sonoridades provenientes del melotrón, mini Moog, y piano eléctrico y además fue el penúltimo en estudio con Bill Bruford en la batería.
 
El álbum fue grabado durante el mes de setiembre  de 1971 en los estudios Advision en el centro de  Londres con la co producción de la banda y el ingeniero de sonido Eddy Offord quien produjo el disco anterior “The Yes album” (1970).

De los nueve cortes  del Fragile hay cinco temas  individuales, pero una de las canciones co escrita por Jon Anderson y el guitarrista Steve Howe “Roundabout” de más de ocho minutos y treinta segundos de duración sería el tema más conocido del álbum y que salió además como single en enero de 1972 (pero editado a solo 3 minutos y algo de longitud) cuya cara “b” fue la canción Long Distance Runaround del álbum en mención, llegando hasta el puesto 13 de las listas Billboard 200 de USA.

SOBRE LA CARÁTULA DEL FRAGILE:

Tiene la particularidad de ser la primera colaboración del artista plástico  Roger Dean con la banda  y la portada plasma el concepto del título del disco pues muestra  una frágil embarcación espacial de madera en el medio de un convulsionado mundo que se fraccionaba en dos partes y parece les gustó a los integrantes de Yes  y sobre todo el logo que creara y que sería lo que los distinguiría y  ser a partir de  ese momento el dibujante oficial de sus portadas, que el día de hoy son consideradas como obras de arte.

JOHN MCVIE:

JOHN MCVIE:

 

El 26 de noviembre de 1945 nació en Ealing, UK, John Graham "Mac" McVie quien es el bajista histórico del grupo  “Fleetwood Mac” quien también fuera el de los primeros “Bluesbreakers” de John Mayall  que grabaron el clásico disco con  Eric Clapton “Beano” y el “A hard road” donde se hace amigo del guitarrista Peter Green que al crear a fines de 1967 su grupo de blues con “Mick Fleetwood”  (otro ex Bluesbreakers, aunque de efímera permanencia ) le llaman “Peter Green Fleetwood Mac” le hace ver que ese Mac era por él y que al unirse nace la leyenda bluesera de su primera encarnación.

 

Luego graban el clásico primer disco de la banda que ya es legendario, y  el resto es historia, tienen una etapa gloriosa bluesera, luego se va del grupo Peter Green y los años setentas hay un  constante recambio de integrantes, como el ingreso de la que era  su esposa (se casaron en 1968  la pianista y cantante Christine Perfect y luego a partir de 1975 con la inclusión del  que fuera matrimonio yanqui de Lindsay Buckingham y Stevie Nicks el grupo logró su estabilidad de integrantes y logra el éxito comercial cambiando su esencia bluesera a algo más pop y masivo.

 

 A lo largo de los años  y más de 40 años con su agrupación junto a Mick Fleetwood han cimentado su leyenda y en los últimos años ha podido superar un cáncer al colon que suspendió la gira de reencuentro de su banda y en los últimos meses sin Buckingham el grupo con nuevos integrantes sigue en la carretera.

 

viernes, 25 de noviembre de 2022

“MARK LANEGAN”:

 “MARK LANEGAN”:

 

El cantante y compositor Mark Lanegan nació en Ellensburg, Washington un 25 de noviembre de 1964 y luego de haber sido parte de un hogar disfuncional y padecer de fuertes adicciones a las drogas antes de cumplir los 18 años  decidió dedicarse a la música como vocalista ya que poseía una potente voz de un alto registro calificada como barítono.

 

En 1984 formó el grupo “Screaming Trees” con los hermanos Gary Lee Conner en las guitarras y Van Conner en el bajo y el último en llegar a la banda fue Mark Pickerel en la batería y su estilo  fue muchos  antes de la eclosión de la moda “Grunge”, como años después fueron tipificados.

 

 Publicaron su primer disco en 1986 llamado “Clairvoyance”, pero su mejor obra de lejos, lo hicieron una década después llamado “Dust” (1996), donde el tema “All I Know” es un clásico de la composición sobre todo cuando el guitarrista de la banda alterna la acústica y eléctrica a la vez al momento del solo .

 

Con Screaming Trees publicaron 9 álbumes y cuatro EPS, el último fue Dust del año de 1996  y la banda se disolvió a inicios del año 2000, Lanegan había iniciado su carrera como solista en 1994 y su último trabajo fue Straight Songs of Sorrow (2020) y ese mismo año publicó su libro de memorias "Sing Backwards and Weep"

 

Mark Lanegan en el 2021 llegó a estar en coma debido al COVI - 19 quedándole una secuela de sordera que luego superó, pero su salud quedó mermada y en la mañana del martes 22 de febrero del 2002  falleció a los 57 años  en su casa de Killarney en  Irlanda.

Eric Clapton - "Wonderful Tonight"

ERIC CLAPTON O “SLOWHAND”:

 

Un 25 de noviembre de 1977 el sello del magnate australiano y ex manager del grupo “Cream” Robert Stigwood “RSO Records” publicó en UK y USA el quinto disco en estudio del guitarrista  Eric Clapton llamado “Slowhand” ( o mano lenta)  en alusión del antiguo apodo que le puso el que fuera manager de los Yardbirds Giorgio Gomelsky debido a que cuando tocaba inspirado  sus extensos solos de blues en los  conciertos  a veces se le rompía alguna cuerda de su guitarra  y mientras la cambiaba delante del público ellos aplaudían y hacían sonar sus manos  extasiados en ese íntimo ritual que podía durar  extensos  segundos y por ello Gomelsky  crea el famoso  apodo (anécdota extraída de la autobiografía de Eric Clapton) y que llegó hasta el puesto 23 de las listas de UK  y mejor le fue en USA llegando hasta el segundo lugar de la Billboard 200.

 

 El disco se empezó a grabar a inicios de 1977 en los Olympic Studios de Londres bajo la producción de Glyn Jones (quien se hizo conocido por haber hecho  las fallidas mezclas de las sesiones de Abbey Road y luego se hizo una buena reputación por haber producido a Steve Miller, Humble pie, los Rolling Stones, Faces entre otros) dejando de lado a Rob Fabroni y Tom Dowd y no se equivocó en la elección, aunque al principio hubieron fricciones porque Clapton y su gente eran un poco indisciplinados y tenían problemas de drogas y alcohol conducta que tuvieron  que  modificar en las sesiones dada la disciplina de Jones que les exigía profesionalismo  y que sacó lo mejor de los músicos y el disco fue un éxito en ventas y no le fue mal en las listas.

 

En este disco participaron por supuesto sus incondicionales Radle, Oldaker, Sims en la base rítmica, Marcy Levy e Ivonne Elliman en los coros y  el ex King Crimson Mel Collins que estuvo en algunas pistas con el saxo además de este álbum se extrajeron dos singles el  tema de ritmo country tipo J.  J Cale «Lay Down Sally» que en USA llegó al puesto tercero de los Hot 100  y el archiconocido «Wonderful Tonight” que es la canción que escribiera inspiradamente enamorado a la que era su mujer Pattie cuando la esperaba rumbo a una reunión y al verla hermosa afloraron sus sentimientos y el single llegó a ser número uno en Japón, además hay otros memorables temas como el extenso “The Core” que coescribiera  y cantara con Marcy Levy donde el saxo de Collins evoca a King Crimson  o la excelente versión  al dobro  y slide del clásico blues del maestro Arthur Crudup “Mean Old Frisco”.

 

Y mención aparte está la clásica canción “Cocaine” que abre el disco y creo que para mi humilde opinión es una de los mejores aperturas de la historia del rock, pues ese riff “Slowhand” lo hace su sello de fábrica y el tema que había compuesto y publicado J. J Cale, Clapton lo hace suyo y de sus incondicionales (me incluyo) y es un tema infaltable en sus conciertos desde 1978 y aunque fuera el lado B del single Tulsa Time, el tema cobró vuelo y cada solo es esperado por la audiencia y quien sabe la letra puede decir que es un tema anti drogas y los daños que puede causar y por ello en los últimos años Clapton le agrega el coro 'that Dirty cocaine' y nada mella este temón cuyo solos son mágicos año tras año.

 

SOBRE LA CARÁTULA DEL SLOWHAND:

La portada y contraportada del disco que es una foto en blanco y negro del torso de Clapton que está tocando  en primer plano a la célebre guitarra “Fender” llamada “Blackie” y fue realizada por el mismo  Clapton con la colaboración de su mujer Pattie Boyd y Dave Stewart (El es Clapton y Nelle era como llamaba Clapton a Pattie) y en las fotos internas hay un collage de fotos, que van desde una foto con su clásica barba setentera, un dibujo representando a Stigwood, otra foto besando a Pattie, otra la de un Ferrari 365 GTC/4 chocado  que le había comprador al ex esposo de ella  su amigo George Harrison, entre otras y en el año 2012, con motivo del 35º aniversario del lanzamiento original del álbum, Slowhand fue reeditado en una  “Deluxe Edition” con temas remasterizados más 4 bonus tracks y un disco adicional con una presentación en vivo en  el teatro Hammersmith del 27 abril de 1977, donde no hay ninguna canción del disco.

 

Eric Clapton - Cocaine live

ERIC CLAPTON O “SLOWHAND”:

 

Un 25 de noviembre de 1977 el sello del magnate australiano y ex manager del grupo “Cream” Robert Stigwood “RSO Records” publicó en UK y USA el quinto disco en estudio del guitarrista  Eric Clapton llamado “Slowhand” ( o mano lenta)  en alusión del antiguo apodo que le puso el que fuera manager de los Yardbirds Giorgio Gomelsky debido a que cuando tocaba inspirado  sus extensos solos de blues en los  conciertos  a veces se le rompía alguna cuerda de su guitarra  y mientras la cambiaba delante del público ellos aplaudían y hacían sonar sus manos  extasiados en ese íntimo ritual que podía durar  extensos  segundos y por ello Gomelsky  crea el famoso  apodo (anécdota extraída de la autobiografía de Eric Clapton) y que llegó hasta el puesto 23 de las listas de UK  y mejor le fue en USA llegando hasta el segundo lugar de la Billboard 200.

 

 El disco se empezó a grabar a inicios de 1977 en los Olympic Studios de Londres bajo la producción de Glyn Jones (quien se hizo conocido por haber hecho  las fallidas mezclas de las sesiones de Abbey Road y luego se hizo una buena reputación por haber producido a Steve Miller, Humble pie, los Rolling Stones, Faces entre otros) dejando de lado a Rob Fabroni y Tom Dowd y no se equivocó en la elección, aunque al principio hubieron fricciones porque Clapton y su gente eran un poco indisciplinados y tenían problemas de drogas y alcohol conducta que tuvieron  que  modificar en las sesiones dada la disciplina de Jones que les exigía profesionalismo  y que sacó lo mejor de los músicos y el disco fue un éxito en ventas y no le fue mal en las listas.

 

En este disco participaron por supuesto sus incondicionales Radle, Oldaker, Sims en la base rítmica, Marcy Levy e Ivonne Elliman en los coros y  el ex King Crimson Mel Collins que estuvo en algunas pistas con el saxo además de este álbum se extrajeron dos singles el  tema de ritmo country tipo J.  J Cale «Lay Down Sally» que en USA llegó al puesto tercero de los Hot 100  y el archiconocido «Wonderful Tonight” que es la canción que escribiera inspiradamente enamorado a la que era su mujer Pattie cuando la esperaba rumbo a una reunión y al verla hermosa afloraron sus sentimientos y el single llegó a ser número uno en Japón, además hay otros memorables temas como el extenso “The Core” que coescribiera  y cantara con Marcy Levy donde el saxo de Collins evoca a King Crimson  o la excelente versión  al dobro  y slide del clásico blues del maestro Arthur Crudup “Mean Old Frisco”.

 

Y mención aparte está la clásica canción “Cocaine” que abre el disco y creo que para mi humilde opinión es una de los mejores aperturas de la historia del rock, pues ese riff “Slowhand” lo hace su sello de fábrica y el tema que había compuesto y publicado J. J Cale, Clapton lo hace suyo y de sus incondicionales (me incluyo) y es un tema infaltable en sus conciertos desde 1978 y aunque fuera el lado B del single Tulsa Time, el tema cobró vuelo y cada solo es esperado por la audiencia y quien sabe la letra puede decir que es un tema anti drogas y los daños que puede causar y por ello en los últimos años Clapton le agrega el coro 'that Dirty cocaine' y nada mella este temón cuyo solos son mágicos año tras año.

 

SOBRE LA CARÁTULA DEL SLOWHAND:

La portada y contraportada del disco que es una foto en blanco y negro del torso de Clapton que está tocando  en primer plano a la célebre guitarra “Fender” llamada “Blackie” y fue realizada por el mismo  Clapton con la colaboración de su mujer Pattie Boyd y Dave Stewart (El es Clapton y Nelle era como llamaba Clapton a Pattie) y en las fotos internas hay un collage de fotos, que van desde una foto con su clásica barba setentera, un dibujo representando a Stigwood, otra foto besando a Pattie, otra la de un Ferrari 365 GTC/4 chocado  que le había comprador al ex esposo de ella  su amigo George Harrison, entre otras y en el año 2012, con motivo del 35º aniversario del lanzamiento original del álbum, Slowhand fue reeditado en una  “Deluxe Edition” con temas remasterizados más 4 bonus tracks y un disco adicional con una presentación en vivo en  el teatro Hammersmith del 27 abril de 1977, donde no hay ninguna canción del disco.

 

CANCIONES:

LADO UNO:       

Eddie Boyd - Five Long Years

EDDIE BOYD & “FIVE LONG YEARS”:

 

“Five Long Years es una canción  que compusiera el  bluesero  sureño “Eddie Boyd  que nació con el nombre de “Edward Riley” un 25 de noviembre de 1914 y que falleciese en Helsinki, Finlandia un 13 de julio de 1994 y fue  un pianista negro nacido en el Mississippi y  que hizo mejor su carrera en Europa donde lo veneraban como una estrella en contraste  ante la  marginación en su país de origen (USA) se va primero a Bélgica para luego trasladarse, radicar, casarse y morir en la tierra de los Mil lagos “Finlandia”.

 

Pero el tema de la referencia lo grabó por primera vez en los estudios de del sello JOB situados en el estado de Chicago un 19 de junio de 1952 y existen varias versiones posteriores de este tema como la clásica de “Muddy Waters” o la de los “Yardbirds” entre otros intérpretes.

Percy Sledge

RECORDANDO A PERCY SLEDGE:

 

El 25 de noviembre de 1941 nació en Leighton, en el sureño estado de Alabama, USA, “Percy Tyrone  Sledge”, que fuera el primer y original cantante en interpretar la canción “When a Man Loves a Woman" (No confundir la versión edulcorada del melifluo ex metalero y luego crooner Michael Bolton y su Soft pop cover del año 1991).

 

Este tema fue escrito por los compositores y miembros del grupo The Esquires “Calvin Lewis y Andrew Wright” pero años después Sledge diría que tuvo que ver con la autoría del tema pero les cedió los derechos y la grabó en los estudios del sello Atlantic bajo la producción de Marlin Greene, Quin Ivy por febrero de 1966 y fue publicados un mes después y ya por abril de ese mismo año  llegó al puesto número uno del ranking Billboard Hot 100, aunque Sledge en los años sesenta grabara otros temas de gran calidad como 'Warm and tender love', 'It Tears me up' (1966) y 'Take time to know her' (1968), My Special Prayer (1969, uno de mis favoritos)  nunca pudo superar el éxito de ese tema.

 

El tema original cobró inusitada vigencia en 1992 cuando el director irlandés Neil Jordan lo toma como tema de apertura de su controvertida película “The Crying Game”, Sledge volvió a los escenarios y falleció  de cáncer al hígado en su hogar de Baton Rouge, Lousiana  un 14 de abril del 2015.