PAUL KANTNER “JEFFERSON STARSHIP BLOWS AGAINST
THE EMPIRE”:
A mediados de noviembre de 1970 el sello RCA Víctor publica el primer
disco como solista de Paul Kantner el controvertido “Blows Against the Empire” (algo así como Golpes contra el Imperio)
que es considerado como un álbum conceptual y que aparece con el nombre de “Paul Kantner & Jefferson Starship” y
es la primera vez que aparece el nombre de “Starship” futuro grupo de Kantner y Slick (quien fuera su pareja en
esos días).
Debido a las rencillas internas entre los integrantes de Jefferson Airplane
y cada vez distante trato con Marty Balin, Kantner decide hacer un disco político
de acuerdo a sus ideas salpicadas con sus lecturas de ciencia ficción y además
de rendirle un homenaje a su recién nacida hija llamada China fruto de su
relación con la vocalista Grace Slick, su pareja en esos tiempos (es demás
decir que las ideas políticas de Kantner y Slick eran de izquierda).
El disco fue grabado a mediados
de 1970 en los estudios Pacific High Recording Studios y elWally Heider Recording Studios deSan Francisco con músicos que eran
integrantes deJefferson Airplane,
Grateful Dead y Quicksilver Messenger Service y Crosby, Stills, Nash & Young que incluían
a Jack Casady, Joey Covington, David Crosby, David Freiberg, Jerry Garcia, Paul
Kantner, Bill Kreutzmann, Mickey Hart, Graham Nash y Grace Slick.
El disco sorprendentemente llega al puesto número 20 en el ranking de Billboard 200 y llegó a ser certificado con
disco de oro.
El guitarrista Lars Johan Yngve Lannerbäckmás conocido en el mundo de la música como Yngwie Malmsteen nació en Estocolmo,
Suecia, el 20 de junio de1963 y a los
doce años luego del divorcio de sus
padres adoptó el apellido de soltera de su madre y como eraun rebelde cambió su nombre de pila Yngve a "Yngwie”
Se dice que a los siete años al ver un programa sobre la muerte de
Jimi Hendrix donde se le vequemando a
su guitarra en Monterey de inmediato le pide a su madre que le compre una y la aprendió a tocar con temas de Ritchie
Blackmore el guitarrista de Deep Purple quien fue su ídolo de niñez y empezó a practicar
hasta que le sangraban los dedos las escalas diatónicas menores sobre simples
riffs de blues y ya a los diez años ya tenía su propio grupo de rock y por
medio de sushermanas mayores escuchaba
música clásica como Bach y sobre todo del compositor del siglo XIX Niccolo
Paganini , así como del estilo extravagante y su imagen salvaje (recuérdese que
decían que Paganini había hecho pacto con el diablo para poder tocar con tanta
destreza.
Ya a los 18 años había tocado en un sinnúmero de bandas suecas y grabado algunos demos donde el
mostraba su maestríacon la guitarra y por
elloen 1982 el empresario Mike Varney
de Shrapnel Records se lo lleva a y le hace tocar con la bandas como Steeler y luego
toca en el grupo de Graham Bonett Alcatrazz con los quegraba un par de álbumes yen 1984 se publica su álbum solistallamado “Rising Force” con el ex Jethro Tull
a Barrie Barlow en la batería y el tecladista Jens Johansson , luego a su banda
de acompañamiento la llama así y a lo largo de su carrera ha grabado más de
veinte álbumes en estudio y cuatro en vivo y en marzo del 2019 lanzó su primer
álbum de blues llamado Blue Lightning ,
que presentó versiones deslumbrantes de clásicos del blues-rock como
"Purple Haze", "While My Guitar Gently Weeps" y "Smoke
on the Water".
Dave Van Ronk fue un cantautor y guitarrista
folk nacido en pleno Brooklyn, Nueva York, un 30 de junio de 1936 de ascendencia irlandesaque nació con el nombre deKenneth Ritz, inició su carrera en el
circuito folk de su ciudad natal a fines
de los 50s grabando su primer disco en 1959 y quizás fue el modelo de muchos
cantautores como Dylan que tomaron muchos de su arreglos como el del tema
tradicional de “The House of the Rising
Sun” y tocaron la fama que el gozo en menor cantidad a pesar de su calidad.
Dave Van Ronk siguió haciendo música hasta sus
últimos días llegandoa completar sus
memorias yfallecer en Nueva York un 10
de febrero del 2002, una de sus anécdotas es que nunca quiso aprendera conducir automóvil este trovador que fue conocido
como el “Alcaldede McDougal Street”.
LA ANÉCDOTA:
El personaje principal de la película del 2013 de los hermanos Coen “Inside Llewyn Davis” es muy similar en
anécdotas a las vividas porDaveVan Ronk, salvo que el personaje del cine
sabía manejar auto cosa que no hacía el músico de la referencia.
Un 30 de junio de 1980 ”EMI Records” enUK y Elektra Records en USA publican el octavo disco del grupo Queen llamado
irónicamente “The Game” (El Juego)
que marca un distanciamiento radical al sonido básico de Queen donde dejan de
lado sus clásicos temas elaborados por un sonido más comercial que lo hace que
el disco sea número uno a ambos lados del Atlántico donde por primera vez se usan
y se abusan los sintetizadores (y antes se enorgullecían de no usarlos en el
pasado) y que como anécdotase ve a un Freddie
Mercury ochentero saliendo del “closet” y
muestra por primera vez sus famosos bigotes que sería su nueva imagen y la más
conocida por las nuevas generaciones.
El disco fue grabado y co producido por Queen en dos tramos la primera
fase se inicia entre junio y julio de 1979, luego de la publicación de su
último disco “Jazz” (noviembre de 1978) que
pese a haber ocupado el segundo lugar en los charts de UKno fue muy bien recibido por la crítica por
lo que deciden variar su sonido (salvo May que no estuvo de acuerdo) y se van a
grabar a losMusicland Studios de Múnich
Alemania que era el estudio de grabación creado por “Giorgio Moroder” (el
maestro de los sintetizadores que impulsó la carreras de Donna Summer además de
haber creadograndes bandas sonoras como
la del Expreso de Medianoche y fruto de estas sesiones están los temas "Sail
Away Sweet Sister", "Coming Soon" ,"Save Me"" y Crazy
Little Thing Called Love" su primer número uno en USA y se dice que
Mercury la compuso en tiempo record (cerca de 10 minutos) la compuso con
guitarra acústica y les dice que lo graben antes que llegara May como así se
hizo dejándole solo las pista para su guitarra.
Los demás temas se grabaron entre febrero y mayo de 1980 con un Mercury
ya desatado con una vida nocturna abiertamente gay en Múnich que se reflejan en
sus canciones y la forma de producción de las canciones que parecen salidos de
una discoteca de ambiente y el segundo número uno del disco es creación del
bajista John Deacon que copia la línea de bajo de la canción del grupo funk CHIC “Good Times” y el susodicho
tema es el ultra conocido “Another One bites The Dust.
CANCIONES
LADO UNO:
1. «Play the Game»Mercury3:34
2. «Dragon Attack»May4:20
3. «Another One Bites
the Dust»Deacon3:37
4. «Need Your Loving
Tonight»Deacon2:50
5. «Crazy Little
Thing Called Love»Mercury2:43
LADO DOS:
6. «Rock It (Prime
Jive)»Taylor4:33
7. «Don't Try
Suicide»Mercury3:53
8. «Sail Away Sweet
Sister»May3:33
9. «Coming Soon»Taylor2:50
10. «Save Me»May3:50
Freddie Mercury: voz solista
(Todos los tracks), coros (Todos los tracks), teclados (1, 7, 8), guitarra
acústica (5)
Brian May; guitarra
eléctrica (Todos los tracks), coros (1, 2, 4-8, 10), guitar (7, 8, 10),
teclados (8, 10), voz solista (8)
Roger Taylor: batería (all
tracks), coros (todos los tracks excepto 3), guitarra eléctrica (6, 9),
teclados (6, 9), voz solista (6, "A
Human Body")
John Deacon – bajo (todos
los tracks), guitarra eléctrica (3), guitarra acústica (4), teclados (3)
SydBarrett será importante en la historia de
la música por su enorme versatilidad como instrumentista y letrista de casi la totalidad de canciones delprimer disco Pink Floyd como en los temas como: Lucifer Sam, Bike, Chapter 24,
Flaming, etc. y enel instrumental Interstellar Overdrive, demuestra ser un
guitarrista innovador por los novedoso acordes que aportaen ese extensotema.
Recomiendo escuchar el recopilatorio Relics (publicado en 1971), donde
aparecen los 3 primeros singles de la banda: Arnold Layne, See Emily Play (Amor
libre) y Apples and Oranges, unas maravillas de los 60’s, los videos de los
temas son magníficos, concepción visual de este loco maravilloso, que en el
segundo disco de la banda sólo vocalmente y como autor contribuye con su
introspectivo Jugband blues.
Sobre estacanción que fue
grabada en los estudios De Lane Lea un 19 de octubre de 1967 de sería el testamento desu adiós a Pink Floyd (que realmente ocurrió
en abril 1968, fecha en que fue expectorado), muestra una melancólica letra y emotiva melodía que es
acompañado por el ejército de Salvación que improvisa a la mitad del mismo y el
video que se grabó a fines de diciembre se va a un Barrett con una guitarra acústica por vez primera y
una mirada perdida quizás imaginándose el final de su camino en Pink
Floyd.
La primera definición de lo que es un “Pachuco” la podemos encontrar en el “Diccionario de la Real academia de la Lengua Española”es algo así como: “De habla y de hábitos no
aceptados socialmente. Otro significado de pachuco en el diccionario es
vanidoso, orgulloso, pero la palabra proviene del nahuatl "pachoacan"
lugar donde se gobierna, quizás queriendo connotar que el pachuco gobierna algo
(un burdel, un casino o por lo menos su casa y nada que ver con la ciudad de
Pachuca.
Pero la canción del álbum“Circo”
de 1991 del grupo “La Maldita vecindad y los hijos de quinto patio” nos remite
directamenteal granGermán Valdés "Tin Tán" nacido en México un 19 de setiembre de 1915 y
fallecido un 29 de junio d 1973 (Quien protagoniza el video) y para los que no
lo conocen fue un grancómico mexicano
del cine de oro mexicanocuyas mejores
películas están en las décadas del cuarenta y cincuentay sobre todo en los primeros cinco años se
mostraba vestido de “Pachuco” con chaquetas (sacos amplios), pantalones con
valencianas y sombrero con pluma , la moda típica de los años 40 y 50.
Ademásempleaba jergapachuco en muchas de sus películas (El rey
del barrio de 1949 es un ejemplo palpable) donde fue el precursor del spanglish
mezclaba palabras del inglés en medio de sus diálogosy por ello se le apodó “El Pachuco de Oro” pues Tin Tan retoma a los Pachucos y de
alguna manera los dignifica.
La canción “Pachuco” del álbum“Circo” de 1991 del grupo mexicano “La Maldita vecindad y los hijos de quinto
patio” nos remite directamente al gran actor cómico Germán Valdéso más conocido
como "Tin Tán" nacido como Germán Genaro Cipriano Gómez Valdés
Castilloun 19 de setiembre de 1915 en
Ciudad Juárez en el estado de Chihuahua, México donde comenzó su carrera haciendo dupla con su carnal Marcelo
absorbiendo la cultura del pachuco chicano que habitaba en la frontera con USA
yhacía sus shows vestido de “Pachuco” con chaquetas (sacos
amplios o Zoo suit), pantalones con valencianas y sombrero con pluma , la moda
típica de los años 40 y 50 y mezclaban el español con palabras de origen anglo,
siendo precursor del spanglish y dignifica a esos pobladores que lo tuvieron de
ídolo.
Y tengo que reconocer que es mi preferido de la “Edad de oro del cine mexicano”, por su humor sarcástico, su voz
media bluesera y siempre se quedaba con la chica más bonita, caso contrario de
Cantinflas con su repetitivo personaje que ya aburría por ser tan panfletario
en su discurso al final de su carrera.
Retomando la historia de Tin
Tánfue tal su impacto en salas y
radio que pronto filma su primera película “El hijo desobediente” donde aparece
vestido como Pachuco, pero el film que lo inmortaliza es “El Rey del barrio”
(1949) de Gilberto Martínez Solares donde debuta Silvia Pinaly con su infaltable troupe: su carnal
Marcelo, Vitola, Borolas y el enano pendenciero Tun Tún.
Creo que sus mejores películas fueron en la década de los cuarenta y cincuenta,
luego cuando se vuelve mayor y envejece también su humor, aunque hizo la voz
del Oso Balooen El Libro de la Selva
(1967)y del gato Thomas O'Malley en los Arisotogatos (1970) de Walt Disney,
luego se han tejido leyendas hasta con el Sgt, Peppers pero lo bueno es que el
gran Tin Tán que fue “El Pachuco de Oro” en la ciudad de
México por un cáncer de páncreas y demás males un 29 de junio de 1973.
Ian Anderson Paice, el
eterno baterista de “Deep Purple”
nació en el condado deNottingham un 29
de junio de 1948 y ya desde pequeño mostró destreza en las baquetas quizás
porque su padre era baterista profesional y debuta fines de los cincuentas en
su banday ya a los quince años sus
padres le regalan su primer kit de batería y al primer grupo al que se une ya
como profesional es el Georgie & the Rave-Ons que luego se renombra como the
Shindigs y graban su primer single cuando Paice contaba con 17 años pero
en1966 Paice se une a losMI5 que se renombra como “The Maze” grabando
también varios singles hasta 1967.
En el grupo The Maze hace amistad con el vocalista Rod Evans y con él
participan en una audición en marzo de 1968 para ser parte de lo que sería el
grupo “Deep Purple” y el resto es historia pues el guitarrista Blackmore le
seguía los pasos desde que lo vio tocando en Hamburgo un año antes y junto a
Lord (el otro fundador de la banda) en los teclados y el amigo de Lord Nick
Simper en el bajo son la base de lo que sería conocido como “MK I”.
Paice además es el único de los integrantes de la banda que ha estado
en todas las encarnaciones de Deep Purple y ha demostrado que es el motor del
grupo por su rapidez y pedales, es más en el tema “Fireball” es un adelantado
de lo que sería el Speed metal por su maestría en el doble pedal
Como anécdota Lord y Paice se casaron con las hermanas gemelas Vicky y
Jacky con la que tiene tres hijos y además de sus actividades con Deep Purple
ha participado como músico de sesión y bandas como Lord Ashton Paice,
Whitesnake, Gary Moore band, Paul McCartney entre otros.
Gary Ray Grubb nació en San Diego, California un 4 de setiembre de
1946 y se crió en la ciudad de Ceres y como Gary Grubb empezó su carrera en
Merced donde en 1965 se une a la banda
The Brogues donde conoce al baterista Greg Elmore y es en ese período que se
cambia el nombre a “Gary Duncan”,
como sería conocido en el mundo de la música.
A fines de 1965 recibe una
llamada del guitarrista John Cipollina para que haga una audición para el grupo que estaba
formando con Dino Valenti y David Freiberg y así se presenta junto a su ex
compañero de The Brogues, el baterista Greg Elmore y como era de esperarse los
dos son incluidos de inmediato y
agregando a otro guitarrista Jim Murray nace el grupo “Quicksilver Messenger Service”,
la banda más representativa del sonido de San Francisco.
El nombre de la banda se basó en la astrología ya que cuatro de los
integrantes del grupo, (como el mismo Duncan eran de Virgo, signo que es regido
por el planeta mercurio y de allí su peculiar y extensa denominación, pero
parece que los problemas los acompañaron porque Dino Valenti, creador del grupo
fue arrestado por posesión de marihuana (pasando un par de años en prisión), y
luego de su presentación en Monterey,
Jim Murray abandona la banda que queda como cuarteto y recién en 1968 graban su
disco homónimo donde el sello de la
banda son los duelos e interacciones sonoras entre los dos guitarristas
Cipollina y Duncan que contribuyeron a hacer legendario el sonido de San
Francisco y un ejemplo de la maestría de ambos es la extensa suite “Who do You
Love” del disco “Happy Trails” que en concierto era apoteósico.
Luego de grabar siete discos el grupo se desbanda en 1975 y en los ochentas Duncan vuelve a tocar los
temas de la agrupación con el nombre “Gary
Duncan's Quicksilver” haciendo esporádicas apariciones y grabando
interesantes discos con esa agrupación, hasta que en el 2006 junto a David
Freiberg revive a “Quicksilver Messenger
Service” con nuevos integrantes, hasta el fatídico sábado 29 de junio de,
2019 en que Gary Duncan sufrió una convulsión, caer en estado de coma y al poco
tiempo fallecer en Woodland California a los 72 años.
Pero la música del maestro Duncan
siempre estará presente en los que apreciamos su voz y guitarra.
EN MEMORIA DE GARY DUNCAN:
Gary Ray Grubb nació en San Diego, California un 4 de setiembre de
1946 y se crió en la ciudad de Ceres y como Gary Grubb empezó su carrera en
Merced donde en 1965se une a la banda
The Brogues donde conoce al baterista Greg Elmore y es en ese período que se
cambia el nombre a “Gary Duncan”,
como sería conocido en el mundo de la música.
A fines de 1965 recibe una
llamada del guitarrista John Cipollina para que hagauna audición para el grupo que estaba
formando con Dino Valenti y David Freiberg y así se presenta junto a su ex
compañero de The Brogues, el baterista Greg Elmore y como era de esperarse los
dos son incluidos de inmediatoy
agregando a otro guitarrista Jim Murray nace el grupo “Quicksilver Messenger Service”,
la banda más representativa del sonido de San Francisco.
El nombre de la banda se basó en la astrología ya que cuatro de los
integrantes del grupo, (como el mismo Duncan eran de Virgo, signo que es regido
por el planeta mercurio y de allí su peculiar y extensa denominación, pero
parece que los problemas los acompañaron porque Dino Valenti, creador del grupo
fue arrestado por posesión de marihuana (pasando un par de años en prisión), y
luego de su presentaciónen Monterey,
Jim Murray abandona la banda que queda como cuarteto y recién en 1968 graban su
disco homónimo donde elsello de la
banda son los duelos e interacciones sonoras entre los dos guitarristas
Cipollina y Duncan que contribuyeron a hacer legendario el sonido de San
Francisco y un ejemplo de la maestría de ambos es la extensa suite “Who do You
Love” del disco “Happy Trails” que en concierto era apoteósico.
Luego de grabar siete discos el grupo se desbanda en 1975 y en los ochentas Duncan vuelve a tocar los
temas de la agrupación con el nombre “Gary
Duncan's Quicksilver” haciendo esporádicas apariciones y grabando
interesantes discos con esa agrupación, hasta que en el 2006 junto a David
Freiberg revive a “Quicksilver Messenger
Service” con nuevos integrantes, hasta el fatídico sábado 29 de junio de,
2019 en que Gary Duncan sufrió una convulsión, caer en estado de coma y al poco
tiempo fallecer en Woodland California a los 72 años.
Pero la música del maestro Duncan siempre estará presente en los que apreciamos su voz y guitarra.
Gary Ray Grubb nació en San Diego, California un 4 de setiembre de
1946 y se crió en la ciudad de Ceres y como Gary Grubb empezó su carrera en
Merced donde en 1965se une a la banda
The Brogues donde conoce al baterista Greg Elmore y es en ese período que se
cambia el nombre a “Gary Duncan”,
como sería conocido en el mundo de la música.
A fines de 1965 recibe una
llamada del guitarrista John Cipollina para que hagauna audición para el grupo que estaba
formando con Dino Valenti y David Freiberg y así se presenta junto a su ex
compañero de The Brogues, el baterista Greg Elmore y como era de esperarse los
dos son incluidos de inmediatoy
agregando a otro guitarrista Jim Murray nace el grupo “Quicksilver Messenger Service”,
la banda más representativa del sonido de San Francisco.
El nombre de la banda se basó en la astrología ya que cuatro de los
integrantes del grupo, (como el mismo Duncan eran de Virgo, signo que es regido
por el planeta mercurio y de allí su peculiar y extensa denominación, pero
parece que los problemas los acompañaron porque Dino Valenti, creador del grupo
fue arrestado por posesión de marihuana (pasando un par de años en prisión), y
luego de su presentaciónen Monterey,
Jim Murray abandona la banda que queda como cuarteto y recién en 1968 graban su
disco homónimo donde elsello de la
banda son los duelos e interacciones sonoras entre los dos guitarristas
Cipollina y Duncan que contribuyeron a hacer legendario el sonido de San
Francisco y un ejemplo de la maestría de ambos es la extensa suite “Who do You
Love” del disco “Happy Trails” que en concierto era apoteósico.
Luego de grabar siete discos el grupo se desbanda en 1975 y en los ochentas Duncan vuelve a tocar los
temas de la agrupación con el nombre “Gary
Duncan's Quicksilver” haciendo esporádicas apariciones y grabando
interesantes discos con esa agrupación, hasta que en el 2006 junto a David
Freiberg revive a “Quicksilver Messenger
Service” con nuevos integrantes, hasta el fatídico sábado 29 de junio de,
2019 en que Gary Duncan sufrió una convulsión, caer en estado de coma y al poco
tiempo fallecer en Woodland California a los 72 años.
Pero la música del maestro Duncan siempre estará presente en los que apreciamos su voz y guitarra.
Un29 de
junio de 1968 el sello “EMI Columbia”publica en el Reino Unido, el segundo álbum del grupo Pink Floyd llamado “A SAUCERFUL OF SECRETS” (un platillo de
secretos) y que fuera publicado en USA por Tower Records el 27 de julio del mismo año y que llegó hasta el
noveno lugar de los charts de UK y al puesto 158 de los Billboard 200 de USA.
Ese mismo día en se organizóel primer concierto gratuito en “Hyde Park”, donde tocaron los mismos Pink
Floyd y Jethro Tull entre otros grupos (al año siguiente lo harían además de
los Rolling Stones la legendaria banda de Winwood y Clapton “Blind Faith”,
teniendo como teloneros nada menos que a “king Crimson” y “Yes” grupos debutantes).
Este álbum fue
grabado en los estudios De Lane Lea (un solo tema) y principalmente en los
estudios EMI de la calle Abbey road (en la cabina número tres) al costado de la
número dos donde generalmente grababan los Beatles, en los meses de agosto (los
días 7 y 8 ) y octubre (entre el 8 y 24) de 1967 y también entre el 18 de enero
y 06 de mayo de 1968, producido por el legendario ingeniero de sonido y
colaborador en los primeros discos de los Beatles, “Norman Smith”, más conocido posteriormente como el cantante “Hurricane Smith”.
Esta obra maestra de la música consta de 7 canciones
ya legendarias que constituyen el punto de inflexión de la banda, pues era el
famoso segundo álbum y había muchas ideas para su concepción y el momento era
crucial para el liderazgo musical del diamante loco ”Syd Barrett”, que para lo
no conocedores fue la primera guitarra y voz de la banda en sus inicios, que es
el protagonista principal del álbum debut de la banda el magnífico Lp “the
Piper at the Gates of Dawn” (realizado el 04 de agosto de 1967) y artífice de
los singles maravillosos como “Arnold Layne, see Emily play, Apples and
Oranges, etc. de letras agudas e irónicas para el Swinging London de la época y
arreglos psicodélicos geniales que crecen en originalidad al paso los años ”,
volviendo al disco de mi comentario, el estado emocional de Syd empezó a
declinar por haber sucumbido al ácido, que consumió en cantidades industriales
a partir de la gira de la banda por usa a fines de 1967 que repercutió en su
genio, creatividad y confianza en sí mismo que le impedía tocar en las giras y
presentaciones televisas, por lo que a comienzos de 1968, Waters, verdadero
fundador de la banda y de acuerdo al libro autobiográfico del batero Nick Mason,
de carácter competitivo y egocéntrico, planteó a la banda reclutar al compañero
de infancia de Syd, también guitarrista llamado David Gilmour para ser un
quinto Floyd, por lo que oficialmente empezó a grabar con la banda el 12 de enero
de 1968 y que a lo largo de los años iba a imponer su toque blusero a las
canciones del cuarteto.
Las grabaciones de éste segundo LP fue entre agosto
de 1967 y mayo de 1968, aunque en un principio se dijo que Barrett sólo tocó en
dos temas: Jugband Blues (Único tema compuesto por Barrett) y Remember a Day
(del tecladista Wright), a través de los años se ha comprobado que participó en
los ensayos de Let There Be More Light, y participó en la grabación de los
clásicos : Set the Controls for the heart of the Sun, Corporal Clegg (no
acreditado oficialmente), sólo en dos temas no formó parte el aburrido see saw
y a Saucerful of Secrets, que es el tema que marcaría el derrotero posterior de
la banda, con el creciente liderazgo compositivo de Roger Waters, el
crecimiento vocal de Gilmour en los propios temas del bajista y el paulatino
declive compositivo y vocal de Rick Wright, por ello éste álbum cobra vida e
importancia a través de los años marca el despido de una era “el Pink Floyd
psicodélico” y marca el nacimiento del “Pink Floyd progresivo”, cuyas cúspides
serían “the Dark Side of the Moon y el portentoso álbum doble “the wall” donde
Waters, exorciza sus demonios, teniendo por primera vez el dominio vocal de
casi todos los temas del disco, y cuando oficialmente la banda era ya un trío,
bueno esa es otra historia, lo que recuerdo hoy es una obra maestra que transcurre
entre la psicodelia lúdica Corporal Clegg, al rock progresivo minimalista de a
Saucerful of Secrets, terminando con el testamento premonitorio de su salida de
la banda por parte de Barrett, la preciosa y sensible balada Jugband blues, que
para mi entender es el mejor tema del disco y como lo predijo el diamante loco
o vegetable man, su salida oficial de Pink Floyd fue dos meses antes de la salida
del álbum el 1 de abril de 1968 y pasó a la inmortalidad en el año 2006.
Si no has
escuchado este disco hazlo, es una obra maestra de la música de todos los
tiempos, no te arrepentirás.
CANCIONES:
LADO UNO:
1-Let There Be More
Light Waters (5:38)
Grabado: Marzo, 1968 en Abbey
Road Studio #3, Londres, UK:
David Gilmour – voz
principal (verses 2, 4, 6 and 8), guitars
Roger Waters - bajo,
coros (versos 1, 3, 5 and 7)
Richard Wright – voz
principal (versos 1, 3, 5 and 7), Farfisa organ, piano
Nick Mason - batería
2 - Remember A Day Wright
(4:33)
Grabado: Mayo 9, 1967
at Abbey Road Studio #3, London, England
Syd Barrett - guitarra
David Gilmour -
guitarras, coros
Roger Waters - bajo
Richard Wright – voz
principal, piano
Nick Mason - batería
3 - Set The Controls
For The Heart Of The Sun Waters (5:28)
Grabado: Enero, 1968 en Abbey
Road Studio #3, Londres, UK
Syd Barrett – guitarra lead
David Gilmour – guitarra lead y
rítmica, coros
Roger Waters – voz principal,
bajo
Richard Wright - Farfisal organ,
piano
Nick Mason - Batería
4 - Corporal Clegg Waters
(4:12)
Grabado: Febrero,
1968 at Abbey Road Studio #3, London, England
Syd Barrett – guitarra
lead
David Gilmour – voz
principal, guitarra rítmica
Roger Waters – voz
principal, bass guitar
Richard Wright - Farfisa
organ, piano, background vocals
Nick Mason - batería,
palabras habladas
LADO DOS:
5 - A Saucerful Of
Secrets Waters Wright Mason & Gilmour (11:59)
Grabado::Abril, 1968
at Abbey Road Studio #3, London, England
David Gilmour - voz,
guitarras
Roger Waters - bajo
Richard Wright - órgano
Farfisal, piano, Hammond organ
Nick Mason - batería,
percusión
6 - See Saw Wright(4:37)
Grabado: Abril, 1968
en Abbey Road Studio #3, London, England
David Gilmour –
guitarras, coros
Roger Waters - bajo
Richard Wright – voz
principal, órgano Farfisal, piano
Nick Mason - batería
7 - Jugband Blues Barrett
(3:00)
Grabado: Octubre, 1967 en De
Lane Lea Studios, London, England
Syd Barrett – voz principal, guitarra
acústica, guitarra eléctrica
Roger Waters -
upright bajo, coros
Richard Wright -
Hammond organ, penny whistle
Nick Mason - batería,
kazoo
Salvation Army Band
of North London – sección de vientos
Tiempo total
de duración: 39:29
OTROS MÚSICOS:
Norman Smith: batería y coros en "Remember a
Day". Voz hablando en "Corporal Clegg"
8 músicos del Ejército de Salvación: Ray Bowes
(corneta), Terry Camsey (corneta), Mac Carter (trombón), Les Condon (bajo
eléctrico Eb), Maurice Cooper (bombardino), Ian Hankey (trombón) y George
Whittingham (bajo eléctrico Eb), en "Jugband Blues".
La película, que ya es un clásico del cine
independiente, "Reservoir Dogs"
(Perros de reserva) estrenada el 23 de octubre del año 1992, es la opera prima
del director y guionista “Quentin Tarantino”, que ostenta una de las mejores
debuts cinematográfica para cualquier director ya que con un magro presupuesto
inicial de 30,000 dólares el guión llegaría a manos del actor Harvey Keitel
quien puso de la suya más de un millón de dólares, el proyecto se realizó y el
resto es historia.
Y qué decir
del memorable “soundtrack” y sobre
la canción de apertura del film, pues a ritmo de la canción "Little Green Bag” de "The George Baker Selection”, se van
presentando en una coreografía espontánea, cada uno de los personaje del film
Harvey Keitel (Mr. White), Tim Roth (Mr. Orange), Chris Penn, Steve Buscemi
(Mr. Pink, quien se roba la película con su actuación), Lawrence Tierney y
Michael Madsen (Mr. Red), en un estilo innovador nacía, la mezcla de canciones
que inmortalizarán una escena tan propio de su estilo.
Una de las escenas más memorables de esta ópera prima
de Tarantino, quien tiene un breve papel como Mr. Brown, es cuando a ritmo de
la canción "Stuck in the Middle
with you" del grupo Stealers Wheel, del que formaran parte Gerry Rafferty
y Joe Egan (voz) , el delincuente psicópata encarnado por Michael Madsen (Mr.
Blonde) a ritmo de la tonada de la canción tortura al policía capturado y
maniatado en una coreografía visual innovadora y alucinante, no vista tanta
originalidad en escenas y acciones desde la época de la trilogía del PADRINO de Coppola, en este film de
1991 nació el estilo "Tarantino
" que luego ha ido implementando y repitiendo a lo largo de sus películas
una por una, para mí la mejor de su filmografía por los diálogos actuaciones y
medido metraje resaltando todos pero sobre el resto Mr. Pink (Buscemi).
La película, que ya es un clásico del cine
independiente, "Reservoir Dogs"
(Perros de reserva) estrenada el 23 de octubre del año 1992, es la opera prima
del director y guionista “Quentin Tarantino”, que ostenta una de las mejores
debuts cinematográfica para cualquier director ya que con un magro presupuesto
inicial de 30,000 dólares el guión llegaría a manos del actor Harvey Keitel
quien puso de la suya más de un millón de dólares, el proyecto se realizó y el
resto es historia.
Y qué decir
del memorable “soundtrack” y sobre
la canción de apertura del film, pues a ritmo de la canción "Little Green Bag” de "The George Baker Selection”, se van
presentando en una coreografía espontánea, cada uno de los personaje del film
Harvey Keitel (Mr. White), Tim Roth (Mr. Orange), Chris Penn, Steve Buscemi
(Mr. Pink, quien se roba la película con su actuación), Lawrence Tierney y
Michael Madsen (Mr. Red), en un estilo innovador nacía, la mezcla de canciones
que inmortalizarán una escena tan propio de su estilo.
Una de las escenas más memorables de esta ópera prima
de Tarantino, quien tiene un breve papel como Mr. Brown, es cuando a ritmo de
la canción "Stuck in the Middle
with you" del grupo Stealers Wheel, del que formaran parte Gerry Rafferty
y Joe Egan (voz) , el delincuente psicópata encarnado por Michael Madsen (Mr.
Blonde) a ritmo de la tonada de la canción tortura al policía capturado y
maniatado en una coreografía visual innovadora y alucinante, no vista tanta
originalidad en escenas y acciones desde la época de la trilogía del PADRINO de Coppola, en este film de
1991 nació el estilo "Tarantino
" que luego ha ido implementando y repitiendo a lo largo de sus películas
una por una, para mí la mejor de su filmografía por los diálogos actuaciones y
medido metraje resaltando todos pero sobre el resto Mr. Pink (Buscemi).
La película, que ya es un clásico del cine independiente, "Reservoir Dogs" (Perros de reserva) estrenada el 23 de octubre del año 1992, es la opera prima del director y guionista “Quentin Tarantino”, que ostenta una de las mejores debuts cinematográfica para cualquier director ya que con un magro presupuesto inicial de 30,000 dólares el guión llegaría a manos del actor Harvey Keitel quien puso de la suya más de un millón de dólares, el proyecto se realizó y el resto es historia.
Y qué decir del memorable “soundtrack” y sobre la canción de apertura del film, pues a ritmo de la canción "Little Green Bag” de "The George Baker Selection”, se van presentando en una coreografía espontánea, cada uno de los personaje del film Harvey Keitel (Mr. White), Tim Roth (Mr. Orange), Chris Penn, Steve Buscemi (Mr. Pink, quien se roba la película con su actuación), Lawrence Tierney y Michael Madsen (Mr. Red), en un estilo innovador nacía, la mezcla de canciones que inmortalizarán una escena tan propio de su estilo.
Una de las escenas más memorables de esta ópera prima de Tarantino, quien tiene un breve papel como Mr. Brown, es cuando a ritmo de la canción "Stuck in the Middle with you" del grupo Stealers Wheel, del que formaran parte Gerry Rafferty y Joe Egan (voz) , el delincuente psicópata encarnado por Michael Madsen (Mr. Blonde) a ritmo de la tonada de la canción tortura al policía capturado y maniatado en una coreografía visual innovadora y alucinante, no vista tanta originalidad en escenas y acciones desde la época de la trilogía del PADRINO de Coppola, en este film de 1991 nació el estilo "Tarantino " que luego ha ido implementando y repitiendo a lo largo de sus películas una por una, para mí la mejor de su filmografía por los diálogos actuaciones y medido metraje resaltando todos pero sobre el resto Mr. Pink (Buscemi).
Un 11 de diciembre de 1890 nace el llamado “zorzal
criollo”, el inmortal Carlitos Gardel (el ídolo de cabecera de mi querida
doña Marga) que fue el más grande en su género, el tango, cantor y compositor
de nacionalidad argentina, pero de origen incierto pues franceses dicen que fue
natural de Toulouse y los uruguayos aún alegan
que nació dentro de sus territorios.
Pero la verdad es que desarrolló su arte en su barrio de Corrientes Buenos
Aires querido y su primera grabación data de 1912 y son célebres sus tangos
como el clásico Cuesta Abajo, Yira Yira Caminito, Tomo y Obligo, Volver, Por
una cabeza, Mi Buenos Aires Querido entre otros, también incursionóen el cine y se fue a la gloriaen un fatídico avión justo cuando iba rumbo a
dar unas presentaciones en Colombia el 24 de junio de 1935.
Escoger solo
un tango que compusiera o interpretara es muy difícil, pero me quedo con esta
joya de todos los tiempos:
Un 28 de junio de 1982 Swan
Song Records, (el sello discográfico creado por Led Zeppelin en 1974)
publica el primer disco solista de Robert
Plant, ex cantante de la banda que se había disueltotras la muerte del baterista John Bonham
(1980) llamado “Pictures at Eleven”
que sería el único álbum que distribuiría ya que al año siguiente se disuelve y
Plant crearía su propio sello discográfico llamado Es Paranza.
El discofue grabado en los Rockfield Studios, situados en Monmouth, Gales entre los años 1981 y 1982,
luego que Plant decidiera volver a las actividades musicales luego de la muerte
de quien fuera uno de sus mejores amigos, John Bonham y cuenta con la
producción del mismo Plant con la ayuda de Phil Collins quien toca la batería
en seis temas, además de antiguos compañeros como Robbie Blunt en la guitarra
yJezz Woodroffe en los teclados, además de contar con Cozy Powell como
baterista en dos canciones.
El disco tuvo buena recepción de la crítica y del público ya que llegó
hasta el puesto número dos de UK y el quinto lugar en los Billboard 200 y se
lanzan cuatro singles y el más conocido de ellos fue “Burning Down One Side” cuyo video tuvo bastante rotación en la Mtv
llegando hasta el puesto tresde las listas
de ventas en USA.
El título del disco es en referencia a una frase muy usada en los noticieros de USA que
es“Film at eleven”, que se usa desde 1970 y es
para mantener la expectativa de los televidentesy que esperen hastaesa hora en que se dará esanoticia de interés general, como era loa
expectativahacia el primer trabajo solista
de Plant y en el 2007 cuando Rhino Records distribuye el disco agrega dos
canciones más.
CANCIONES
LADO UNO:
«Burning Down One
Side»Plant, Blunt, Woodroffe4:00
«Moonlight in Samosa»Plant,
Blunt4:02
«Pledge Pin»Plant,
Blunt4:04
«Slow Dancer»Plant,
Blunt7:46
LADO DOS:
«Worse than Detroit»Plant,
Blunt6:00
«Fat Lip»Plant,
Blunt, Woodroffe5:10
«Like I've Never Been
Gone»Plant, Blunt6:01
«Mistery Little»Plant,
Blunt5:16
PISTAS ADICIONALES EN LA
REMASTERIZACIÓN DE 2007
«Far Post»Plant, Blunt, Woodroffe4:42
«Like I've Never Been
Gone» (en vivo, grabado en Houston en 1983)Plant,
Blunt7:31
MÚSICOS
Robert Plant: voz
Robbie Blunt: guitarra eléctrica y acústica
Paul Martínez: bajo
Jezz Woodroffe: teclados y sintetizador
Phil Collins: batería en todos los temas salvo 4 y 7
Cozy Powell: batería
en «Slow Dancer» y «Like I've Never Been Gone»
LED ZEPPELIN EN EL FESTIVAL DE
BATH JUNIO 28 DE 1970:
“The Bath Festival of Blues and
Progressive Music”fue un evento de
la contracultura de inicios de los
setenta que se llevó a caboen el Royal
Bath and West Showground en Shepton Mallet, Somerset, Inglaterra y que se llevó
a cabo entre el mediodía del sábado 27 de junio hasta la mañana del lunes 29 de junio de 1970.
Este Festivalfue organizado
por el promotor Freddy Bannister y su esposa Wendy Bannister que el año
anterior habían organizado The Bath
Festival of Blues dentro de Bath que tuvo un aforo de 12,000 personas donde
también se presentó Led Zeppelin y quisieron repetir la experiencia pero esta
vez convocando a más grupos musicalesy
gente y lo lograron.
Pues participaron heterogéneos grupos como Colosseum, Fairport
Convention, Hawkwind, It’s a Beautiful Day, Joe Jammer, Keef Hartley Band Pink
Fairies, Pink Floyd Steppenwolf (Sábado 27 de junio), Canned Heat, Donovan,
Frank Zappa, Hawkwind (nuevamente), Hot Tuna, John Mayall, Johnny Winter Led
Zeppelin, Maynard Ferguson, Pink Fairies, Santana & The Flock (domingo 28
de junio de 1970, Country Joe and the Fish, Dr. John, Jefferson Airplane (que
era uno de los platos fuertes también ) & The Byrds y en los tres días tuvo
una asistencia de más de 150, 000 personas.
LA ACTUACIÓN DE LED ZEPPELIN:
Led Zeppelin iba a repetir exactamente un año después su brillante
performance que diera ante cerca de 12,000 personas un 28 de junio de 1969 en
el primer “Bath Festival of Blues” donde compartió el cartel estelar con bandas de blues como Fleetwood Mac, John
Mayall, Ten Years After & The Nice.
Esta vez Led Zeppelin en “The
Bath Festival of Blues and Progressive Music” de junio de 1970 ya se presentaba como el grupo estelar de la
edición de 1970 del Festival y le pagaron por su presentación el triple de
dinero cerca de₤ 20,000 libras esterlinas para subir al escenario un sábado 28 de junio de 1970 cuando empezaba a
anochecer cerca de las 8 y 30 de la noche y se dice que había cerca de 200, 000
personas que se congregaron sólo para estar presentes a su actuación donde
aparecieron totalmente barbados e iniciaron su set de forma brillante con “The
Inmigrant Song” y luego de cerca de un poco más de dos horas de intensa performance
su set culmina con un apoteósico medley de Rock Roll de más de veinte minutos y para que más, Led Zeppelinhizo historia y comenzó su reinado en los
setentas.
Luego de esta actuación han circulado metrajes y audios piratas de esa
presentación que fueron adquiridos a los largo de los años por los fans y justo
que se cumplen 50 años de estas presentaciones se dice que se va a realizar una
edición oficial de aniversario del Festival donde se incluye cerca de media
hora de la actuación de Led Zeppelin.
SETLIST DE LED ZEPPELIN:
Immigrant Song
Heartbreaker
Dazed and Confused
Bring It On Home
Since I've Been
Loving You
Organ Solo Thank You
The Boy Next Door (That’s
The Way).
What Is and What
Should Never Be.
Moby Dick
Rice Pudding
Intro/How Many More Times (includes Down By the River, The Hunter, Gotta Keep
Moving, Boogie Woogie, Honey Bee, Sweet Home Chicago, Need Your Love Tonight,
that's Alright, Long Distance Call Blues,
The Lemon Song
Whole Lotta Love
Communication
Breakdown
Rock Medley (includes
Long Tall Sally, Johnny B. Goode, Rocky Road Blues, Say Mama, That's Alright
Mamma.
