LA BANDA CALETA INCREDIBLE HOG:

LA BANDA
CALETA

INCREDIBLE
HOG:

Buen grupo de inicios de los 70, en pocas palabras,
un power trío  Londinense “Increíble Hog” que mezcló el pop melódico
con mucho rock pesado y con  letras a la
altura de su demoledor sonido, la banda estuvo formada por el guitarrista,
vocalista y compositor Ken Gordon, el bajista Jim Holmes y el baterista de
origen sudafricano Tony Awin y el peculiar nombre es una derivación del comic  "El
Increíble Hulk”.

Empezaron a ser conocidos en conciertos que brindaban
en su propio club, The Pig Sty, sin llamar la atención de alguna compañía
discográfica que se soluciona cuando un determinado Ken Gordon  entra a las oficinas de Dart Registros y se
niega a salir hasta que alguien 
escuchase el demo de su banda. Después de esperar todo el día, y de
haber sido amenazado de expulsión por la policía, se las arregló para conseguir
la cinta escuchada y dentro de dos semanas, Increíble Hog se firmaron por el
sello discográfico.

Así nace el único disco que graban, "Volumen I" (DART 65.372)  a mediados de 73, recibiendo grandes elogios
de la crítica, pero estaba demasiado adelantado a su tiempo para generar la
aceptación del público en general. Sin embargo, la banda llegó a dar de gira
por UK para promocionar el álbum, e incluso comenzó a grabar un seguimiento,
antes de una mezcla de apatía compañía discográfica y la falta de éxito comercial
llevó a la banda a separarse a fines de 1973.

Luego de la disolución del grupo se supo que Ken
Gordon (el guitarrista, vocalista y compositor) volvió a trabajar como músico
de sesión y colaboró en las grabaciones de  músicos de la talla de The Rubettes, Los Tremeloes
y los Metal Kids pesados, hoy en día, todavía sigue escribiendo canciones, pero
es más conocido por su carrera como actor, apareciendo en programas de
televisión como "The Bill" y "Burning de Londres". Tony
Awin (baterista) trabajó con The Crazy World de Arthur Brown y James Last, y
hoy en día todavía está implicado en el trabajo directo y sesión y el bajista, Jim
Holmes entró en trabajo de producción y creó  la Bufanda Estudios y también dirige una
exitosa compañía de producción teatral.

JEFFERSON STARSHIP “COUNT ON ME”:

JEFFERSON STARSHIP “COUNT ON ME”:

El último álbum donde participó Marty
Balin como vocalista de la banda setentera “Jefferson Starship” se llamó
Earth” que fue el cuarto del grupo y que fue publicado en febrero de 1978 luego
de su edición, se presentaron problemas en el grupo como la enfermedad de Grace
Slick o la pérdida de los instrumentos en una trifulca en Alemania.

Aunque Balin contribuyó con la letra de un par de canciones, el mayor
éxito del disco no fue de su autoría sino fue compuesto por Jesse Barish y se
llamó  "Count on Me" donde Balin realiza una de sus mejores
performance vocales  por lo que se decide
lanzarlo  como primer single del disco y
que  llegó hasta  el puesto ocho de las lista de los Billboard
Hot 100 de USA, casi tan exitosa como la canción Miracles que llegó hasta el
número 3 de la misma lista.

EN RECUERDO DE “MARC BOLAN”:

EN RECUERDO DE
“MARC BOLAN”:

El que fuera el  
cantante y guitarrista  conocido
como “Marc Bolan”, nació en UK con
el nombre de  “Mark Feld” un 30 de Setiembre de 1947 y  fue hijo de un camionero y de una vendedora de
frutas que según su biografía desde su adolescencia buscó salir de su entorno y
brillar en el show business y empezó 
modelando  ropa para catálogo de
revistas, pero paralelamente sus inquietudes musicales le llevaron a cultivar
su voz y el de dominar la guitarra emulando a su ídolo “Bob Dylan”.

Y así en lo musical buscó el éxito a como dé lugar y
a partir de 1965 con el nombre artístico de “Marc Bolan”  firma con el
sello “Decca” y graba su primer sencillo “The
Wizard” que no tuvo éxito y tampoco los siguientes que lanzara, en 1966 busca
al productor de Simon Napier-Bell que lo coloca en 1967 en  el grupo de “rock “John Children's” donde estuvo breve tiempo y dejó grabado con ello
algún material como el single “Desdémona” pero luego de una desafortunada gira
y pocas ventas el grupo se separa.

Bolan decidió dar un giro a su carrera musical creando
su propia banda que en un principio se llamó 
Tyrannosaurus Rex” y era en
realidad un dúo con  el baterista Steve
Peregrin Took marcada tendencia folk y en cuyo disco  debut (1968) de marcada onda acústica
hay  un tema dedicada al incanato, Frowning Atahualpa (My Inca Love)"
grabaron tres álbumes pero la fórmula no funcionó.

 Empezando la
década del 70 cambia de productor, el conocido Tony Visconti (también de Bowie)
decide replantear su imagen hacia el estilo glam, reduce el nombre y del grupo
a “T- Rex” con nuevos integrantes
donde destacaría el baterista y percusionista Mickey Finn que vendrían ya a ser
su comparsa y cambia el sonido a eléctrico  para así convertirse en uno de los adalides
del movimiento “Glam rock” grabando
su primer álbum a fines de 1971 componiendo una serie de éxitos musicales que
le crean cierta celebridad pero a fines de 1973 el grupo pierde popularidad y
se desbanda y tuvo que emigrar a USA 
para evitar al fisco.

En 1975 ya de regreso 
a UK nace su hijo fruto de su relación con Gloria Jones  y lanzo singles como solista pero la  fiebre por Bolan se había extinguido  y en 1976 fue  ser anfitrión de su propio programa de
entretenimiento y las grabaciones ya no tan exitosas con su banda, pero el
destino le tuvo una cita impostergable pues un 16 de setiembre de 1977 falleció
a los 29 años en un accidente automovilístico 
cuando regresaba a su casa y su muerte fue instantánea.

Lo paradójico
del destino es que él nunca había aprendido a conducir un vehículo por el temor
a morir de esa manera y ese día quien manejaba era su esposa Gloria  la madre de su único hijo, muy parecido a
ella,  quien resultó sólo con leves heridas.

“SIMON COWE” DE LINDISFARNE

“SIMON COWE” DE LINDISFARNE:

El guitarrista “Simon Cowe”
de padres escoceses  nació en la región
de  Newcastle  un 1 de abril de  1948 y fue uno de los fundadores del grupo
folk progresivo “Lindisfarne” junto
al tecladista Alan Hull donde además de la guitarra solista tocaba otros
instrumentos y permaneció en el grupo durante dos etapas entre 1970 hasta 1973
y en su reagrupación desde 1978 hasta su partida definitiva en 1993, luego se
fue a radicar a Canadá donde fallece el 30 de setiembre del 2015 luego de padecer
una prolongada enfermedad.

La canción “Lady Eleanor”
fue escrita por el cantante y tecladista de la banda Lindisfarne Alan Hull para
el primer  álbum del grupo llamado “Nicely Out of Tune” de 1971 (antes
había aparecido como single sin éxito en las listas).

Las letras están basadas en el cuento corto "La caída de la casa Usher”, escrita en  1839 de las Narraciones Extraordinarias de
Edgard Alan Poe  y la Lady Eleanor del
tema es nada menos que Madeleine la hermana de Roderick Usher, el protagonista
del relato.

El tema está narrado en tercera persona y trata sobre la belleza y la
fragilidad de esta dama y como  la
vida  se puede escapar a través de
los  brazos de la muerte.

BRETT ANDERSON:

BRETT ANDERSON:

Un 29 de setiembre de 1967
nace el cantante Brett Anderson 
en el condado de West Sussex (UK), quien fuera  vocalista de la banda brit pop “Suede” que formó  en 1989.

 

Lo particular de este cantante es que como tantos jugó con sexualidad
para tener más prensa y logró un personaje andrógino que fue la característica
de sus presentaciones con la banda, que fue un respiro ante tanto Grunge
depresivo venido de USA.

Pero aunque hecho  declaraciones
polémicas como "Soy un bisexual que
nunca ha tenido una experiencia homosexual" lo real es que no tiene
nada de gay ya  que en los inicios de Blur
su chica (quien fuera luego guitarrista y cantante de Elástica Justine
Frischmann”) lo deja por el cantante de Blur y actualmente está casado con una
médico naturista con la que vive actualmente con sus dos hijos en Nothing Hill,
allá quienes buscaban a un sucesor del Bowie setentero o del insoportable
Morrisey, pero el escándalo vende.

Lo cierto es que la música de “Suede”
sigue siendo de calidad.

Otis Rush: I`Cant Quit You Baby

RECORDANDO A OTIS RUSH:

El guitarrista  y cantante “Otis Rush Jr. “Nació en la ciudad de  Philadelphia, estado de Mississippi e USA un
29 de abril de 1934 y el Jr., es porque su padre se llamaba Otis C. Rush.

En su temprana adolescencia ya dominaba la guitarra y su
particularidad es que era zurdo y tocaba la guitarra sin cambiar el orden de
las seis cuerdas, es decir como si fuera para un diestro y esto tuvo
repercusión en su sonido peculiar dominando la técnica del glissando que hacía
que el sonido de su guitarra pasara de un agudo a grave o viceversa o el uso de
su dedo meñique para más efectos siendo imitado por otros músicos como Michael
Bloomfield, Peter Green o Eric Clapton, además tenía una potente voz con tonos
hasta de tenor.

Inició su carrera en Chicago, por el año 1949 y sus primeras y más
clásicas grabaciones datan de 1958 en Cobra Records donde graba cerca de ocho
singles y está el tema de Wille Dixon "I Can't Quit You Baby" 
que Led Zeppelin versionaría 
hasta el cansancio y sus composiciones “All your Love” y “Double
Trouble” que John Mayall haría también covers, pasando en 1960 a la
legendaria Chess Records donde haría menos singles y no tan populares.

Rush graba su primer LP en 1968 en el sello Blue Horizon de Mike
Vernon y su último disco fue grabado en 1998, haciendo paralelamente
presentaciones, siendo la última en el 2016 ya  que falleció un 29 de setiembre del 2018
debido a un infarto.

RECORDANDO A OTIS RUSH:

RECORDANDO A OTIS RUSH:

El guitarrista  y cantante “Otis Rush Jr. “Nació en la ciudad de  Philadelphia, estado de Mississippi e USA un
29 de abril de 1934 y el Jr., es porque su padre se llamaba Otis C. Rush.

En su temprana adolescencia ya dominaba la guitarra y su
particularidad es que era zurdo y tocaba la guitarra sin cambiar el orden de
las seis cuerdas, es decir como si fuera para un diestro y esto tuvo
repercusión en su sonido peculiar dominando la técnica del glissando que hacía
que el sonido de su guitarra pasara de un agudo a grave o viceversa o el uso de
su dedo meñique para más efectos siendo imitado por otros músicos como Michael
Bloomfield, Peter Green o Eric Clapton, además tenía una potente voz con tonos
hasta de tenor.

Inició su carrera en Chicago, por el año 1949 y sus primeras y más
clásicas grabaciones datan de 1958 en Cobra Records donde graba cerca de ocho
singles y está el tema de Wille Dixon "I Can't Quit You Baby" 
que Led Zeppelin versionaría 
hasta el cansancio y sus composiciones “All your Love” y “Double
Trouble” que John Mayall haría también covers, pasando en 1960 a la
legendaria Chess Records donde haría menos singles y no tan populares.

Rush graba su primer LP en 1968 en el sello Blue Horizon de Mike
Vernon y su último disco fue grabado en 1998, haciendo paralelamente
presentaciones, siendo la última en el 2016 y fallece un 29 de setiembre del
2018 debido a un infarto.

MARK FARNER:

MARK FARNER:

El cantante y guitarrista “Mark Frederick Farner” nació un 29 de setiembre de 1948 en Flint,
estado del noreste de USA  Michigan y
será recordado por haber sido el líder de la banda de hard rock “Grand Funk”.

Junto a Don Brewer, en la batería y voces (ex
compañero del grupo Terry Knight and the Pack)   Mel Schacher en el bajo (ex Question Mark
& the Mysterians) y con el patrocinio  de su ex compañero musical Terry  Knight, ahora como manager crean  el grupo  “Grand
Funk Railroad” a fines de 1968  donde
él se hizo cargo de las guitarras, armónica y voz.

El grupo fue popular con la gente desde un inicio,
aunque la crítica siempre les dio duro pero el tiempo ha rescatado su valía y
su permanencia en la banda fue hasta el año 1976 en que se desbandó y decidió
no volver a ninguna de sus reencarnaciones, hasta la década del 90 pero por
poco tiempo,  actualmente se volvió
cristiano y participa en la música esporádicamente tocando aún sus viejos
temas.

Farner, aunque rubio de nacimiento no rechaza sus
raíces indígenas (su abuelo materno era indio cherokee) y contribuye
filantrópicamente con sus ascendientes y sus causas y  luego que se separara definitivamente de la
banda que creara en 1998 sigue en vigencia ya como solista o como parte de
banda de estrellas y sus creencias cristianas y sigue haciendo giras y
volviendo a tocar sus temas históricos y hace poco estuvo de  gira por Sudamérica y además de temas
cristianos volvió a repasar los temas de su antiguo grupo.

JERRY LEE LEWIS “THE KILLER”:

JERRY LEE LEWIS “THE KILLER”:

Un 29 de setiembre de 1935 nació
el gran “Jerry Lee Lewis” unos de
los pioneros del Rock and roll y el  Rockabilly en un poblado pobre  de Elmo y Mamie Lewis en Ferriday, Concordia Parish,
al este de Louisiana y sería conocido por su particular forma de tocar el piano
como “The Killer”.

Jerry Lee de costumbres afrancesadas por la locación
de su nacimiento tuvo el apoyo de sus padres para desarrollar su carrera
musical ya que hipotecaron la casa para comprarle un piano a su talentoso hijo
que debutó profesionalmente a fines de 1949 en una banda de country  y en el mundo del rock and roll será conocido
como “The Killer”, por las
contundentes actuaciones que daba en vivo, la forma como aporreaba el piano y a
veces los espectáculos pirotécnicos con el mismo, además de esa voz
inconfundible que hizo de él un pionero del Rock and roll.

En 1956 debuta en Sun Records y empieza su leyenda,
con  esas canciones ya celebres  que se publicaron en la década de los
cincuentas como "Whole Lot of
Shakin' Going On""Great Balls of Fire" y You Win again (1957)
"High School Confidential", “Lewis
Boogie”,  (1958), “Little Queenie (1959), "What'd I Say”
entre otras canciones.

Los tiempos han cambiado en este nuevo siglo “paramétricamente correcto” si se
hubiese descubierto su romance con su prima de apenas 13 años (que luego fue su
tercera esposa, Myra Gale Brown) con la 
que se casa en diciembre de 1957 lo hubiesen metido preso pero eran
otras épocas jurídicamente hablando pero el escándalo  si hizo mella en su carrera en los cincuentas
para reaparecer a mediados de los sesentas donde ya no tuvo la repercusión de
sus inicios  y el   personaje de la referencia sigue con su
calidad musical intacta y aunque no fue un compositor prolífico, el tema "Great
Balls of Fire” lo identificará de por vida.

RECORDANDO A UN GRAN MAESTRO DE CEREMONIA “ED SULLIVAN”

RECORDANDO A UN GRAN MAESTRO DE CEREMONIA “ED SULLIVAN” :

Edward Vincent Sullivan, el animador del más popular
Show de variedades de USA “The Ed
Sullivan Show” (que duró en el aire más de veinte años desde 1948 a 1971)
nació en el barrio de Harlem de Nueva York un 28 de setiembre de 1901 y fallece
de un cáncer al esófago también en el mismo estado de New York un 13 de octubre
de 1974.

Y Sullivan aunque era de militancia republicano y  conservador ofrecía  en su Show lo que la gente de post guerra de
USA quería, variedades y la música de moda y aunque estamos Hablando de inicios
de los cincuentas a inicios de los setentas, Sullivan no discriminó a ningún
artista por raza y presentó a la mayoría de las estrellas de la “Motown”, también
Elvis Presley tuvo sus  apariciones a
partir de 1965 y aunque si vetó a quienes manifestaban sus ideas  políticas o libertad en su letras como pasó
con David Crosby que se mandó contra uno de los auspiciadores en pleno programa
 y pagaron el pato los Byrds y Jim
Morrison que se negó a reemplazar la palabra high en  su “Light my Fire” y los Doors ni más fueron
llamados a su  Show, pero aun así ver las
recopilaciones de sus programas, es un placer nostálgico ver la cantidad de
músicos ya legendarios que desfilaron a través de los años.

 

Recomiendo un Dvd doble oficial llamado “The Four Complete Historic Ed Sullivan
Shows Featuring The Beatles”  en
donde se encuentran los cuatro shows completos del programa de variedades de Ed
Sullivan y en donde se presentaron  los
Beatles desde cuando llegaron por primera vez a USA el 7 de febrero de 1964,
hasta el que coincidió con  su tercera
gira USA  que fue emitido el 12 de
setiembre de 1965.

Lo que hace particular e interesante a esta edición
es que dan los shows completos sin cortes y con los comerciales de la época  (y que fueron emitidos el 9 de febrero en
Nueva York , el del 16 del mismo mes en Miami, luego el 23 de febrero en Nueva
york y el único del año siguiente en 1965 también el New York), por lo que el
espectador verá  además a otros artistas
desfilar en las dos fechas en que se presentaron los cuatro de Liverpool, es un
gran documento de como se hacía un programa de televisión en los 60s.

RECORDANDO A VÍCTOR JARA:

RECORDANDO A VÍCTOR JARA:

El poeta, profesor y cantautor “Víctor
Lidio Jara Martínez” o más conocido como “Víctor Jara” nació un  28 de
septiembre de 1932 según algunas fuentes en Chillán Viejo, en la provincia de
San Ignacio en Chile y de origen rural con 
sangre indígena en sus venas y que criminalmente fuera torturado y
asesinado en 1973 por la dictadura fascista de Pinochet.

 Jara de acuerdo a sus palabras
heredó la pasión por la música de su madre 
que además sabía tocar muy bien la guitarra, pero por la pobreza
familiar en su niñez tuvo que ayudar con las faenas agrícolas y cuando Víctor
tenía  12 años la familia se trasladó a
Santiago, y al poco tiempo el padre los deja y su madre falleció al poco tiempo
cuando apenas tenía quince años por lo que huérfano tuvo que ingresar  al “Seminario Redentorista de San Bernardo”
donde estuvo por dos años y   por 1957  estudió en la “Escuela de Teatro de la Universidad de Chile” donde conoció a  la poetisa “Violeta Parra”, que lo toma como
discípulo graduándose como maestro en 1960, luego viaja a Inglaterra donde
compone el tema “Te recuerdo Amanda”, dedicada a sus padres Amanda y Manuel.

En 1966 fue publicado  su primer
álbum llamado “Víctor Jara”, en 1967
se publica su segundo disco  también de
título homónimo  y su el tercer  álbum fue  el  ya
clásico  “Pongo en tus manos abiertas” de 1969, además paralelamente fue el
director artístico del conjunto de música popular “Quilapayún” y se dedicó al desarrollo del desarrollo del teatro
chileno y fomento el movimiento de la “Nueva
Canción Chilena” que politiza música con su ideología de tendencia
izquierdista apoyando al candidato Salvador Allende que llegó a la presidencia
de su país.

En 1970 publicó los disco “Canto
libre”, “El derecho de vivir en paz” y “La población” de marcada
orientación comunista (que era su ideología) que al final le juega en
contra  pues a luego del  golpe de Estado de Pinochet y los militares
ultraderechistas  del 11 de setiembre de
1973, se atrinchera que junto a otros profesores en la Universidad Técnica de  Chile  que a los pocos días fue tomada por el
ejército y se los llevaron prisioneros al Estadio de Chile, donde Víctor  Jara especialmente fue brutalmente torturado y
asesinado los militares en el régimen de Pinochet el 16 de septiembre de ese
mismo  año.

SCREAMIN TREES “ALL I KNOW”:

SCREAMIN TREES “ALL I KNOW”:

El grupo alternativo 
de Ellensbburg, Washington  “Screamin’ Trees” fue formado en el año 1985
años antes de la eclosión de la moda “Grunge” noventera  por 
Mark Lanegan (25 de noviembre de 1964) en las potentes  voces y los hermanos  Gary Lee Conner en las guitarras y Van Conner en
el bajo y el último en llegar  fue Mark
Pickerel en la batería.

 Hicieron su primer
disco en 1986 llamado “Clairvoyance”,
pero su mejor obra de lejos, lo hicieron una década después llamado “Dust”
(1996), donde el tema “All I Know”
es un clásico de la composición sobre todo cuando el guitarrista alterna la
acústica y eléctrica a la vez.

RECORDANDO A VÍCTOR JARA:

RECORDANDO A VÍCTOR JARA:

El poeta, profesor y cantautor “Víctor
Lidio Jara Martínez” o más conocido como “Víctor Jara” nació un  28 de
septiembre de 1932 según algunas fuentes en Chillán Viejo, en la provincia de
San Ignacio en Chile y de origen rural con 
sangre indígena en sus venas y que criminalmente fuera torturado y
asesinado en 1973 por la dictadura fascista de Pinochet.

 Jara de acuerdo a sus palabras
heredó la pasión por la música de su madre 
que además sabía tocar muy bien la guitarra, pero por la pobreza
familiar en su niñez tuvo que ayudar con las faenas agrícolas y cuando Víctor
tenía  12 años la familia se trasladó a
Santiago, y al poco tiempo el padre los deja y su madre falleció al poco tiempo
cuando apenas tenía quince años por lo que huérfano tuvo que ingresar  al “Seminario Redentorista de San Bernardo”
donde estuvo por dos años y   por 1957  estudió en la “Escuela de Teatro de la Universidad de Chile” donde conoció a  la poetisa “Violeta Parra”, que lo toma como
discípulo graduándose como maestro en 1960, luego viaja a Inglaterra donde
compone el tema “Te recuerdo Amanda”, dedicada a sus padres Amanda y Manuel.

En 1966 fue publicado  su primer
álbum llamado “Víctor Jara”, en 1967
se publica su segundo disco  también de
título homónimo  y su el tercer  álbum fue  el  ya
clásico  “Pongo en tus manos abiertas” de 1969, además paralelamente fue el
director artístico del conjunto de música popular “Quilapayún” y se dedicó al desarrollo del desarrollo del teatro
chileno y fomento el movimiento de la “Nueva
Canción Chilena” que politiza música con su ideología de tendencia
izquierdista apoyando al candidato Salvador Allende que llegó a la presidencia
de su país.

En 1970 publicó los disco “Canto
libre”, “El derecho de vivir en paz” y “La población” de marcada
orientación comunista (que era su ideología) que al final le juega en
contra  pues a luego del  golpe de Estado de Pinochet y los militares
ultraderechistas  del 11 de setiembre de
1973, se atrinchera que junto a otros profesores en la Universidad Técnica de  Chile  que a los pocos días fue tomada por el
ejército y se los llevaron prisioneros al Estadio de Chile, donde Víctor  Jara especialmente fue brutalmente torturado y
asesinado los militares en el régimen de Pinochet el 16 de septiembre de ese
mismo  año.

BEN E KING

BEN E KING:

El cantante de “soul” y “Rythm
and blues” Benjamin “Earl King”
o más conocido en el mundo de la música como “Ben E. King” nació en el estado sureño de Carolina del Norte un 28
de setiembre de 1938 y se inició profesionalmente en un grupo de doo-wop
llamado Five Crowns, luego entró a los Drifters con los que grabó entre otros
temas " Save the Last Dance for Me ", " This Magic Moment "
y "I Count the Tears" en el sello “Atlantic Records”.

 Pero  será más recordado eternamente por haber co escrito
(quizás tuvo la totalidad de la inspiración del conocido tándem de
compositores  “Leiber & Stoller” que le ayudaron a terminar en algunos
arreglos) e interpretado el hoy ya la clásica canción  “Stand
by Me” en el año 1961 (Lennon hizo una versión muy inspirada y popular en su
disco Rock ´Roll de 1975), además que fue el tema principal de una película
noventera de amistad entre niños.

Ben E King luego de una carrera destacada  tanto en clubes y presentaciones especiales en
revivals musicales fallece por problemas cardiacos  en el estado de New Jersey un 30 de abril de
2015.

STATUS QUO “PICTURES OF MATCHSTICK MEN”:

STATUS QUO “PICTURES OF MATCHSTICK MEN”:

"Pictures of Matchstick
Men" fue el primer single  del
grupo inglés “Status Quo” que fue
publicado el on 5  de enero de  1968 y que meses después fuera incluido como
el  último track  de su disco debut “Picturesque Matchstickable Messages “publicado por Pye records el 27 de setiembre del
mismo año.

Se dice que la canción fue compuesta por Francis Rossi que fuera  el 
cantante, guitarrista y líder de la banda  Francis Rossi en su adolescencia  y que se trató en un principio sobre su ex
mujer y el error de casarse muy joven y la escribió en el  baño de la casa de su suegra ubicado cerca de
un  pantano terminando de hacerla en
el  estudio de grabación y referente al
término usado como  “Matchstick Men”  es acerca delas pinturas del artista  Laurence Stephen "L.S." Lowry cuyas
figuras humanas que pintase fueron denominadas por la crítica como "Matchstick
Men" por ser panorámicas y alargadas que en conjunto estas personas
parecen a la distancia como grupos de palos de fósforos.

La canción al principio iba a ser el lado  B del que iba a ser el single  "Gentleman
Joe's Sidewalk Cafe" pero al final se decide  invertirse el orden y afortunadamente se le
puso como lado “A”  llegando hasta el
puesto número 7 de las listas de su país, en Canadá hasta el puesto 8 y llegó
hasta el número 12 del Billboard Hot 100 de USA (su único Hit en ese país) y
que con el paso del tiempo ha quedado como un clásico de la música por los
efectos del phasing en el sonido tipo eco  y la wah wah de las guitarras.

JOVANOTTI:

JOVANOTTI:

Un  27 de
septiembre de 1966 nace en la ciudad de  Roma con el nombre de “Lorenzo Cherubini”, que desde pequeño tuvo la vocación musical y  quien luego al desarrollar su carrera sería conocido
con el apelativo de “Jovanotti”.

 Y es
considerado como uno de los precursores del rap y hip hop italianos, aunque no
comulgue mucho con esa movida, pero el tema "El ombligo del mundo" me parece de lo mejor, con una
interesante letra y una fotogénica “llama”, quizás den alusión que el lugar
sería el Cuzco.

¡EN AGRADECIMIENTO DE HUGH!:

¡EN AGRADECIMIENTO DE HUGH!:

El desaparecido creador de la icónica revista “Playboy”, “Hugh Hefner”  y de todo el imperio que cr4eó nació en
Chicago Illinois un 9 de abril de 1926 y aparte de acompañarnos en la
adolescencia con su icónica revista (que aún me quedan ejemplares que combinaba
a la perfección la literatura y el erotismo) y falleció en su ley  a los 91 años un 27 de setiembre del 2017.

 Durante 1969 y 70 en su mansión
de “Playboy” fue el anfitrión del
programa que producía en el canal Playboy llamado  “After Dark”
que co conducía la conejita adolescente 
Barbi Benton, que en esos días era su pareja  (además de un desfile de playmates)  se presentaron grupos de rock y solistas
como  Joe Cocker, Ike & Tina Turner,
Sammy Davis Jr., Buddy Rich, Harry Nilsson, Grateful Dead, Moms Mabley, Deep
Purple, Fleetwood Mac entre otros, maestro...

¡Donde quiera que estés!

RECORDANDO A “CLIFF BURTON”:

RECORDANDO A “CLIFF
BURTON”:

Quien fuera el bajista  de la banda Metallica “Cliff Burton” nació en el condado de Castro Valley, California el
10 de febrero de 1962 y falleció en Kronoberg,
Suecia en un fatídico accidente de carretera un 27 de septiembre de 1986.

Burton creció en un hogar liberal y desde pequeño sus
padres le inculcaron su amor por la música aprendiendo primero el piano
clásico, pero cuando muere su hermano decide ser el mejor bajista del mundo
practicando hasta seis horas por días  y
una de sus primeros grupos es la EZ-Street y por su destreza en el instrumento
es contratado por Metallica en 1982, donde fue pieza fundamental sobre todo en
el disco “Master of Puppets”.

Y parece cierto el refrán de que nadie muere en “la víspera”, ya que en la noche del día
26  en el bus que los transportaba en su
gira por Suecia de 1986, le ganó una partida de cartas al guitarrista Kirk Hammett
para elegir el  lado de la cama que le
había tocado y le dice a Kirk  “que él la iba a ocupar su lugar”, y
ese cambio fue fatal, pues pasada la madrugada se va a descansar y es en esos
instantes que  el bus se accidenta en
la  carretera y  Burton salió expedido por la ventada,
circunstancia  que  fuera mortal para él.

RECORDANDO A “JIMMY MCCULLOCH”:

RECORDANDO A “JIMMY
MCCULLOCH”:

Jimmy
McCulloch nació en Glasgow, Escocia un 4 de junio
del año de 1953 y  desde pequeño mostró
una gran habilidad para tocar la guitarra y 
se hizo mundialmente  conocido a
mediados de los 70s por haber tocado la guitarra solista en la mejor
encarnación del grupo “Wings” de
Paul McCartney desde 1974 hasta 1977 en que se va de la agrupación  para tocar  con Steve Marriott en los reformados Small
Faces.

Pero antes de tocar con Maca, inició su carrera de
forma precoz en los grupos The Jaygars y en 1969 a los dieciséis años fue
integrante del  heterogéneo grupo
producido por Pete Towshend llamado “Thunderclap
Newman” que obtuvieron un “one hot wonder” con el single  “Something
in the air” para luego formar parte a los dieciocho años de “Stone the Crows”, la banda bluesera de la
cantante “Maggie Bell” donde reemplazó al guitarrista  Les Harvey, que había muerto electrocutado.

Irónicamente McCulloch murió de una sobredosis de
heroína a los 26 años  un 27 de
septiembre de 1979 en su apartamento de Maida Vale, Oeste de Londres pues
anteriormente, había compuesto dos canciones “contra las drogas”, la primera
llamada “Medicine Jar” del álbum de
Wings Venus and Mars, y la otra “Wino
Junko”, del disco Wings at the Speed of Sound los dos únicos discos en que
participó en esa banda

JEN RECUERDO DE MARTY BALIN

EN RECUERDO DE MARTY BALIN:

El que fuera el cantante y compositor “Marty Balin”, tiene el mérito que de la
nada creó a la banda más representativa del hippismo en la costa oeste de USA,
es decir, San Francisco,  los “Jefferson Airplane” y por ser el gestor
del grupo que mejor representó la contractura yanqui  pasará con creces a la historia de la música.

 Podemos decir
que nació el 30 de enero de 1942 como  Martyn Jerel Buchwald en Cincinnati,
Ohio con ascendencia judío y a los 20 años cambia su apellido a Balin más
occidentalizado, tiene algunas canciones como solista, forma un bar y allí se
da la génesis  del aeroplano Jefferson
cuyo nombre lo da el guitarrista Jorma Kaukonen.

En los primeros discos él se encargaba de la primera
voz y composición de los temas, pero con el ingreso de Grace Slick y la
evolución de su compañeros empieza a tener un papel secundario en la banda
hasta dejarla en 1970 (y es recordado también al haber sido gomeado por los Hells
Angels cuando bajó a defender a las personas del público en el infausto
concierto de Altamont organizado por los Rolling Stones), luego de disolverse
el grupo colabora en su segunda encarnación Jefferson Starship con algunas
buenas canciones como “Caroline”, “Miracles” o “Count on me” y como solista se
hizo de cierta fama con las nuevas generaciones con la  meliflua canción Hearts dentro de un álbum que
en el contexto tenía muy bueno temas

En 1989 participó del reencuentro de los antiguos
Jefferson Airplane donde graban un respetable disco y luego siguió, lo último
que se supo es que le otorgaron un Grammy en el 2016 por su carrera y ese mismo
año le operaron mal del corazón demandando al hospital y cesaron sus  actividades musicales hasta que un jueves 27 de
setiembre del 2018  falleció Marty Balin en
su hogar de Tampa Florida  a los 76 años.

JOHN LENNON & “WALLS & BRIDGES”:

JOHN LENNON  & “WALLS & BRIDGES”:

Un 26 de setiembre de 1974 se publica en USA bajo el sello “Apple Records”  (En UK 
se  lanza recién  el 4 de octubre del mismo año) el  quinto 
disco como solista  en estudio de
John Lennon, llamado “Walls &
Bridges” (Muros y puentes, sobre todo por la ciudad de New York) y vendría
a ser el último álbum grabado con composiciones originales de John antes del Long
play “Double Fantasy” de 1980
(recuérdese que el disco Rock and Roll de 1975 fue un homenaje con covers de sus
ídolos de adolescencia) y el álbum llegó a ser número uno en USA (Billboard
200)  y Canadá y en UK sólo llegó hasta
el puesto sexto de los charts.

Lo interesante es que se realizó en los meses de julio y agosto
durante el llamado “fin de semana
perdido” es decir durante los 18 meses en que estuvo separado de Yoko Ono y
mantuvo una relación con la asistente de Yoko, May Pang (recomiendo leer su
libro “Adorable John” donde menciona anécdotas sobre la concepción de este
disco).

La mayoría de los temas los grabó en los estudios de grabación de
Record Plant en Nueva York entre finales de junio hasta agosto de 1974 y
también maquetas en Los Ángeles con una banda realmente de lujo que incluyó a
John Lennon en la  voz principal,
armonías y coros; guitarras rítmica, solista y acústica; piano, silbido,
percusión y efectos de sonido, Ken Asheren el piano eléctrico, órgano y
teclados, el dibujante y amigo desde Hamburgo, Klaus Voormann en el  bajo, Arthur Jenkins en  congas y percusión, Jim Keltner en la  batería y percusión., el desaparecido ex del
grupo de Taj Mahal el  desaparecido Jesse
Ed Davis: guitarra solista y acústica, Eddie Motau en  guitarras rítmica y acústica y el magistral
Nicky Hopkins en su inconfundible  piano
y teclados y la nota tierna su pequeño hijo Julian (A quien estaba viendo más
seguido por consejo de Pang) toca la batería a los 11 años en el tema Ya Ya y
además de la participación de Elton John en la voz y piano en el tema bien pop  que llegó a ser número uno en USA el "Whatever Gets You thru the Night".

SOBRE LA CARÁTULA DEL WALLS
& BRIDGES:

 La carátula del álbum Walls & Bridges presenta tres
dibujos de realizó John Lennon en 1952 a los 11 años que son a manera
desplegable con solapas que se puede distinguir un rostro con bigotes, un par de
indios cabalgando con sus armas en el desierto y un partido de fútbol,
exactamente  la final de la Copa FA de
1952 donde George Robledo anotó un gol y justo hay un jugador con el número 9
en la espalda (número recurrente en la vida de Lennon) y volteando los dibujos
se ven  una serie de fotos del  rostro de John Lennon Bob Gruen con diferentes
expresiones como la de la contra carátula.

EL ABBEY ROAD DE LOS “BEATLES”:

EL ABBEY ROAD
DE LOS “BEATLES”:

Un 26 de setiembre de 1969 el sello Apple de
propiedad de los Beatles (y cuyo distribuidor aún era la EMI) publica el
penúltimo disco oficial de la banda llamado simplemente “ABBEY ROAD” (aunque en realidad fue la última creación de los
Beatles)  y que es el nombre de la calle
donde quedaban los estudios de grabación de la “EMI” que quedaban ubicados  en la calle 3 de Abbey Road, St John's Wood,
City of Westminster, en Londres UK y cuyo paso de cebra donde cruzaron los
cuatro Beatles en fila ya es icónica y recreada por cada fan que va por allí y
por supuesto el álbum  fue número uno
tanto en UK, USA  y demás países donde su
publicó.

En síntesis tras el desastre de las grabaciones de lo
que iba a ser más adelante la película “Let
it be” que fueron tanto en los estudios “Twickenham” como “en el sótano del
estudio de los  Beatles en Saville Road” durante
el mes de enero de 1969 y al no poder producirse decentemente todo ese material
de grabación se decide archivarlo momentáneamente.

Por ello Paul el más entusiasta y trabajólico de los
Beatles les propone a los demás  una
vuelta a las raíces que se vuelva a hacer rock ´n ´roll y que nuevamente les
produzca el disco el maestro y mentor musical de los primeros tiempos George Martin
y volvieron a convocar al ingeniero de sonido Geoff Emerick, quien fuera clave
en el sonido de Revolver y Sargent Pepper´s y por desavenencias con Lennon
renunció a seguir trabajando con los Beatles en medio de la grabación del
llamado álbum blanco y uno de los ingenieros asistentes fue un bisoño Alan Parsons
que luego se haría famoso con su colaboración con Pink Floyd y luego como
músico.

Y así empezaron las grabaciones de este clásico de la
música  que fueron básicamente los
estudios EMI en Abbey Road entre   el 20
de febrero hasta el 22 de agosto de 1969 y  los ensayos de los temas y las grabaciones
fueron en perfecta armonía como una buena banda de rock y da gusto porque en
realidad es lo último que grabaron los Beatles, donde destacan los temas de
Harrison que había evolucionado como compositor y es célebre es mini ópera
rock, una idea de Paul sobre la base de temas inconclusos que abarca casi todo
el lado B.

DATOS SUELTOS:

 La canción
Something fue el único lado A con los Beatles, en realidad fue doble lado “A”
con el plagio de Lennon llamado Come together (nota a nota es You can´t catch
me de Chuck Berry)  y el video de
Something fue grabado en octubre individualmente por cada Beatle, nótese que
Lennon se había afeitado su frondosa barba.

SOBRE LA
ICÓNICA PORTADA:

Para los curiosos, que fueron seis las tomas para la famosa
foto de la portada y se  realizaron  un  08
de agosto, a las 11, 35  por el fotógrafo
Ian Macmillam que se subió a una escalera en medio de Abbey Road para un mejor
ángulo  e hizo la célebre fotografía de
los Beatles caminando por el paso de cebra cerca del estudio de grabación.

Como se puede apreciar de la secuencia de las seis
fotos tomadas en el cruce de cebra de la calle Abbey Road a los Beatles por el
lente de Ian MacMillan cerca del mediodía de un viernes 8 de agosto de 1969,
fueron tres recorridos de ida y vuelta (de izquierda a derecha) y siempre se ve
a John Lennon liderando al grupo y cuando se revelaron los negativos, el
encargado de elegir la foto para la portada del disco fue Paul y eligió la
quinta toma que es la única foto en que aparece con un cigarrillo en la mano,
donde casi todos coinciden con el mismo paso (menos Paul).

Sobre la leyenda del Paul descalzo, la verdad es que
como era  un día caluroso,  Paul estaba con sandalias y para las fotos no
las llevaba puestas, nada de mensajes del inframundo, al respecto.

 Y por
último  la  portada fue idea de Paul él dibujó un boceto
de cómo debía enfocar el fotógrafo y cuando se revelaron las diapositivas, Paul
fue quien eligió la toma que se utilizaría”.

Y como se dijo
al principio fue el undécimo disco que publicaron los Beatles, el último fue
Let it be en Mayo de 1970 que registra los desastres grabados en enero de 1969.

CANCIONES:

Créditos: (Todos los temas de Lennon/McCartney
excepto los indicados)

LADO UNO:

No.        Título                                                                                  Vocales                               Duración

1.            "Come Together"                                                          Lennon                                4:20

2.            "Something" (George
Harrison)                                              Harrison              3:03

3.            "Maxwell's Silver
Hammer"                                        McCartney         3:27

4.            "Oh! Darling"                                                                   McCartney         3:26

5.            "Octopus's Garden" (Ringo
Starr)                            Starr                      2:51

6.            "I Want You (She's So
Heavy)"                                                 Lennon                                7:47

LADO DOS

No.        Título                                                                                  Vocales                               Duración

1.            "Here Comes the Sun"
(George Harrison)           Harrison              3:05

2.            "Because"                          Lennon, McCartney and Harrison            2:45

3.            "You Never Give Me Your
Money"                         McCartney         4:02

4.            "Sun King"                          Lennon, with McCartney and
Harrison  2:26

5.            "Mean Mr. Mustard"                                                   Lennon                                1:06

6.            "Polythene Pam"                                                           Lennon                                1:12

7.            "She Came in Through the
Bathroom Window" McCartney        1:57

8.            "Golden Slumbers"                                                       McCartney         1:31

9.            "Carry That Weight”       McCartney, Lennon, Harrison, and Starr1:36

10.          "The End"                                                                          McCartney         2:05

11.          "Her Majesty"                                                                                 McCartney         0:23

Total : 47:02

MÚSICOS:

JOHN LENNON: voz solista, segunda voz; guitarra rítmica, guitarra solista;
guitarras acústicas (de 6 y de 12 cuerdas), guitarra eléctrica; piano en «Oh! Darling», «Mean Mr. Mustard» y «Something»;
órgano Hammond y sintetizador Moog en «I Want You (She's So Heavy)»; pandereta
en «Come Together», maracas en «Sun King», palmas.

PAUL
MCCARTNEY: Voz solista, segunda voz, armonía vocal;
bajo (con efecto fuzz en «Mean Mr. Mustard»); guitarras, guitarra solista,
guitarra rítmica en «Carry That Weight», guitarra acústica en «Her Majesty»;
piano, piano eléctrico; sintetizador Moog en «Maxwell's Silver Hammer»; palmas;
loops de cinta.

GEORGE
HARRISON: Voz solista, segunda voz; guitarra
solista, guitarra rítmica, repique de guitarra eléctrica en «You Never Give Me
Your Money»; guitarra acústica y armonio en «Here Comes the Sun»; sintetizador
Moog; bajo en «Golden Slumbers» y «Carry That Weight»; palmas.

RINGO STARR: voz solista en «Octopus's Garden», segunda voz; batería; maracas,
yunque en «Maxwell's Silver Hammer», congas en «I Want You (She's So Heavy)»,
pandereta, bongós en «Sun King», cencerro en «Polythene Pam» y «She Came In
Through the Bathroom Window», timbales en «Carry That Weight»; palmas; percusión,
efectos de sonido acuáticos y piano en «Octopus's Garden».

MÚSICOS
ADICIONALES:

Orquesta de 21 componentes (12 violines, 4 violas, 4
violonchelos, 1 contrabajo) en «Something», con arreglos y dirección orquestal
de George Martin

Orquesta de 17 componentes (4 violas, 4 violonchelos,
1 contrabajo, 2 flautines (piccolos), 2 flautas, 2 flautas altas, 2 clarinetes)
en «Here Comes the Sun», con arreglos y dirección orquestal de George Martin

Orquesta de 30 componentes (12 violines, 4 violas, 4
violonchelos, 1 contrabajo, 4 trompas, 3 trompetas, 1 trombón, 1 trombón bajo)
en «Golden Slumbers», «Carry That Weight» y «The End», con arreglos y dirección
orquestal de George Martin

GEORGE MARTIN: órgano en «Maxwell's Silver Hammer», clavecín
eléctrico en «Because», órgano Lowrey en «Sun King»

BILLY PRESTON: Órgano Hammond (en "Something" y
"I Want You (She's So Heavy)"

PRODUCCIÓN:

George Martin:
producción y mezclas (EMI Studios y Olympic Sound Studios) y arreglos
orquestales en Something " y " Here Comes the Sun con George Harrison
&  " Golden Slumbers ",
" Carry That Weight " y " The End con Paul McCartney

Beatles co producción y mezclas

Geoff Emerick: ingeniero de
sonido  mezclas y grabación

Phil McDonald: ingeniero de
sonido y mezclas y grabación

John Kurlander: 2º ingeniero asistente
de sonido y mezclas

Alan Parsons: 2º ingeniero asistente
de sonido y mezclas (EMI Studios y Apple Studios)

Programación Moog por Mike
Vickers