jueves, 30 de junio de 2022

Yngwie Malmsteen

YNGWIE MALMSTEEN:

 

El guitarrista Lars Johan Yngve Lannerbäck  más conocido en el mundo de la música como Yngwie Malmsteen nació en Estocolmo, Suecia un 30 de junio de  1963 y a los doce años luego del divorcio de sus padres adoptó el apellido de soltera de su madre y como era  un  rebelde cambió su nombre de pila Yngve a "Yngwie”.

 

Se dice que a los siete años al ver un programa sobre la muerte de Jimi Hendrix donde se le ve  quemando a su guitarra en Monterey de inmediato le pide a su madre que le compre una  y la aprendió a tocar con temas de Ritchie Blackmore el guitarrista de Deep Purple quien fue su ídolo de niñez y empezó a practicar hasta que le sangraban los dedos las escalas diatónicas menores sobre simples riffs de blues y ya a los diez años ya tenía su propio grupo de rock y por medio de sus  hermanas mayores escuchaba música clásica como Bach y sobre todo del compositor del siglo XIX Niccolo Paganini , así como del estilo extravagante y su imagen salvaje (recuérdese que decían que Paganini había hecho pacto con el diablo para poder tocar con tanta destreza.

 

Ya a los 18 años había tocado  en un sinnúmero de bandas suecas y grabado algunos demos donde el mostraba su maestría  con la guitarra y por ello  en 1982 el empresario Mike Varney de Shrapnel Records se lo lleva a y le hace tocar con la bandas como Steeler y luego toca en el grupo de Graham Bonett Alcatrazz con los que  graba un par de álbumes y  en 1984 se publica su álbum solista  llamado “Rising Force” con el ex Jethro Tull a Barrie Barlow en la batería y el tecladista Jens Johansson , luego a su banda de acompañamiento la llama así y a lo largo de su carrera ha grabado más de veinte álbumes en estudio y cuatro en vivo y en marzo del 2019 lanzó su primer álbum de blues llamado  Blue Lightning , que presentó versiones deslumbrantes de clásicos del blues-rock como "Purple Haze", "While My Guitar Gently Weeps" y "Smoke on the Water".

 

RECORDANDO A DAVE VAN RONK:

RECORDANDO A DAVE VAN RONK:

 

Dave Van Ronk fue un  cantautor y guitarrista folk nacido en pleno Brooklyn, Nueva York,  un 30 de junio de 1936 de ascendencia irlandesa que nació con el nombre de  Kenneth Ritz, inició su carrera en el circuito folk de su ciudad natal  a fines de los 50s grabando su primer disco en 1959 y quizás fue el modelo de muchos cantautores como Dylan que tomaron muchos de su arreglos como el del tema tradicional de “The House of the Rising Sun” y tocaron la fama que el gozo en menor cantidad a pesar de su calidad.

 

El cantautor Dave Van Ronk siguió haciendo música hasta sus últimos días llegando  a completar sus memorias y  fallecer en Nueva York un 10 de febrero del 2002, una de sus anécdotas es que nunca quiso aprender  a conducir automóvil este trovador que fue conocido como el “Alcalde  de McDougal Street”.

 

LA ANÉCDOTA:

 

El personaje principal de la película del 2013 de los hermanos Coen “Inside Llewyn Davis” es muy similar en anécdotas a las vividas por Dave  Van Ronk, salvo que el personaje del cine sabía manejar auto cosa que no hacía el músico  de la referencia.

 

Queen - Another One Bites the Dust (Official Video)

QUEEN &  “THE GAME”:

 

Un 30 de junio de 1980 los ello ”EMI Records” en UK y Elektra Records en USA publicaron  el octavo álbum del grupo Queen llamado irónicamente “The Game” (El Juego) que marca un distanciamiento radical al sonido básico de Queen donde dejan de lado sus clásicos temas elaborados por un sonido más comercial que lo hace que el disco sea número uno a ambos lados del Atlántico donde por primera vez se usan y se abusa  de los sintetizadores (y antes se enorgullecían de no usarlos en sus discos) y como anécdota se ve a un Freddie Mercury con un look ochentero  saliendo abiertamente del “closet” y muestra por primera vez sus famosos bigotes que sería su nueva imagen y la más conocida por las nuevas generaciones.

 

El disco fue grabado y producido por Queen en dos tramos y la primera fase se inicia entre junio y julio de 1979, luego de la publicación de su último disco “Jazz”  (noviembre de 1978) que pese a haber ocupado el segundo lugar en los charts de UK  no fue muy bien recibido por la crítica por lo que deciden variar su sonido (salvo May que no estuvo de acuerdo) y se van a grabar a los  Musicland Studios de Múnich Alemania que era el estudio de grabación creado por “Giorgio Moroder” (el maestro de los sintetizadores que impulsó la carreras de Donna Summer además de haber creado  grandes bandas sonoras como la del Expreso de Medianoche y fruto de estas sesiones están los temas "Sail Away Sweet Sister", "Coming Soon" ,"Save Me"" y Crazy Little Thing Called Love" su primer número uno en USA y se dice que Mercury la compuso en tiempo record (cerca de 10 minutos) la compuso con guitarra acústica y les dice que lo graben antes que llegara May como así se hizo dejándole solo las pista para su guitarra.

 

Los demás temas se grabaron entre febrero y mayo de 1980 con un Mercury  con una vida nocturna abiertamente gay en Múnich que quizás sean el  reflejo de sus canciones y la forma de producirlas y como anécdota el segundo número uno del disco es una creación del bajista John Deacon que copia la línea de bajo de la canción del  grupo funk Chick  “Good Times” y el susodicho tema es el ultra conocido  Another One bites The Dust.

QUEEN & “THE GAME”:

QUEEN &  “THE GAME”:

 

Un 30 de junio de 1980 los ello ”EMI Records” en UK y Elektra Records en USA publicaron  el octavo álbum del grupo Queen llamado irónicamente “The Game” (El Juego) que marca un distanciamiento radical al sonido básico de Queen donde dejan de lado sus clásicos temas elaborados por un sonido más comercial que lo hace que el disco sea número uno a ambos lados del Atlántico donde por primera vez se usan y se abusa  de los sintetizadores (y antes se enorgullecían de no usarlos en sus discos) y como anécdota se ve a un Freddie Mercury con un look ochentero  saliendo abiertamente del “closet” y muestra por primera vez sus famosos bigotes que sería su nueva imagen y la más conocida por las nuevas generaciones.

 

El disco fue grabado y producido por Queen en dos tramos y la primera fase se inicia entre junio y julio de 1979, luego de la publicación de su último disco “Jazz”  (noviembre de 1978) que pese a haber ocupado el segundo lugar en los charts de UK  no fue muy bien recibido por la crítica por lo que deciden variar su sonido (salvo May que no estuvo de acuerdo) y se van a grabar a los  Musicland Studios de Múnich Alemania que era el estudio de grabación creado por “Giorgio Moroder” (el maestro de los sintetizadores que impulsó la carreras de Donna Summer además de haber creado  grandes bandas sonoras como la del Expreso de Medianoche y fruto de estas sesiones están los temas "Sail Away Sweet Sister", "Coming Soon" ,"Save Me"" y Crazy Little Thing Called Love" su primer número uno en USA y se dice que Mercury la compuso en tiempo record (cerca de 10 minutos) la compuso con guitarra acústica y les dice que lo graben antes que llegara May como así se hizo dejándole solo las pista para su guitarra.

 

Los demás temas se grabaron entre febrero y mayo de 1980 con un Mercury  con una vida nocturna abiertamente gay en Múnich que quizás sean el  reflejo de sus canciones y la forma de producirlas y como anécdota el segundo número uno del disco es una creación del bajista John Deacon que copia la línea de bajo de la canción del  grupo funk Chick  “Good Times” y el susodicho tema es el ultra conocido  Another One bites The Dust.

miércoles, 29 de junio de 2022

PACHUCO “TIN TÁN” Y LA MALDITA VECINDAD:

PACHUCO “TIN TÁN” Y LA MALDITA VECINDAD:

 

La primera definición de lo que es un “Pachuco” la podemos  encontrar en el “Diccionario de la Real academia de la Lengua Española  es algo así como: “De habla y de hábitos no aceptados socialmente. Otro significado de pachuco en el diccionario es vanidoso, orgulloso, pero la palabra proviene del nahuatl "pachoacan" lugar donde se gobierna, quizás queriendo connotar que el pachuco gobierna algo (un burdel, un casino o por lo menos su casa y nada que ver con la ciudad de Pachuca.

 

Pero la canción del álbum  “Circo” de 1991 del grupo “La Maldita vecindad y los hijos de quinto patio” nos remite directamente  al gran  Germán Valdés "Tin Tán" nacido en México un 19 de setiembre de 1915 y fallecido un 29 de junio d 1973 (Quien protagoniza el video) y para los que no lo conocen fue un gran  cómico mexicano del cine de oro mexicano  cuyas mejores películas están en las décadas del cuarenta y cincuenta  y sobre todo en los primeros cinco años se mostraba vestido de “Pachuco” con chaquetas (sacos amplios), pantalones con valencianas y sombrero con pluma , la moda típica de los años 40 y 50.

 

Además  empleaba jerga  pachuco en muchas de sus películas (El rey del barrio de 1949 es un ejemplo palpable) donde fue el precursor del spanglish mezclaba palabras del inglés en medio de sus diálogos  y por ello  se le apodó “El Pachuco de Oro” pues Tin Tan retoma a los otroras Pachucos y de alguna manera los dignifica.

 

RECORDANDO AL GRAN “TIN TÁN” O GERMÁN VALDEZ

RECORDANDO AL GRAN “TIN TÁN” O GERMÁN VALDEZ:

 

La canción “Pachuco” del álbum  “Circo” de 1991 del grupo mexicano “La Maldita vecindad y los hijos de quinto patio” nos remite directamente al gran actor cómico Germán Valdés o más conocido como "Tin Tán" nacido como Germán Genaro Cipriano Gómez Valdés Castillo  un 19 de setiembre de 1915 en Ciudad Juárez en el estado de Chihuahua, México donde comenzó su carrera  haciendo dupla con su carnal Marcelo absorbiendo la cultura del pachuco chicano que habitaba en la frontera con USA y  hacía sus shows  vestido de “Pachuco” con chaquetas (sacos amplios o Zoo suit), pantalones con valencianas y sombrero con pluma , la moda típica de los años 40 y 50 y mezclaban el español con palabras de origen anglo, siendo precursor del spanglish y dignifica a esos pobladores que lo tuvieron de ídolo.

 

Y tengo que reconocer que es mi preferido de la “Edad de oro del cine mexicano”, por su humor sarcástico, su voz media bluesera y siempre se quedaba con la chica más bonita, caso contrario de Cantinflas con su repetitivo personaje que ya aburría por ser tan panfletario en su discurso al final de su carrera.

 

Retomando la historia de Tin Tán   fue tal su impacto en salas y radio que pronto filma su primera película “El hijo desobediente” donde aparece vestido como Pachuco, pero el film que lo inmortaliza es “El Rey del barrio” (1949) de Gilberto Martínez Solares donde debuta Silvia Pinal  y con su infaltable troupe: su carnal Marcelo, Vitola, Borolas y el enano pendenciero Tun Tún.

 

Creo que sus mejores películas fueron en la década de los cuarenta y cincuenta, luego cuando se vuelve mayor y envejece también su humor, aunque hizo la voz del Oso Baloo  en El Libro de la Selva (1967)y del gato Thomas O'Malley en los Arisotogatos (1970) de Walt Disney, luego se han tejido leyendas hasta con el Sgt, Peppers pero lo bueno es que el gran Tin Tán que fue “El Pachuco de Oro” en la ciudad de México por un cáncer de páncreas y demás males un 29 de junio de 1973.

 

IAN PAICE

 IAN PAICE:

 

Ian Anderson Paice, el eterno baterista de “Deep Purple” nació en el condado de  Nottingham un 29 de junio de 1948 y ya desde pequeño mostró destreza en las baquetas quizás porque su padre era baterista profesional , Paice debutó a fines de los cincuentas en la banda  de su progenitor y ya a los quince años sus padres le regalan su primer kit de batería y el primer grupo al que se une ya como profesional es el Georgie & the Rave-Ons que luego se renombra como the Shindigs y graban su primer single cuando Paice contaba con 17 años pero en  1966 Paice se une a los  MI5 que se renombra como “The Maze” grabando también varios singles hasta 1967.

 

En el grupo The Maze hace amistad con el vocalista Rod Evans y con él participan en una audición en marzo de 1968 para ser parte de lo que sería el grupo “Deep Purple” y el resto es historia pues el guitarrista Blackmore le seguía los pasos desde que lo vio tocando en Hamburgo un año antes y junto a Lord (el otro fundador de la banda) en los teclados y el amigo de Lord Nick Simper en el bajo son la base de lo que sería conocido como “MK I”.

 

Paice además es el único de los integrantes de la banda que ha estado en todas las encarnaciones de Deep Purple y ha demostrado que es el motor del grupo por su rapidez y pedales, es más en el tema “Fireball” es un adelantado de lo que sería el Speed metal por su maestría en el doble pedal

 

Como anécdota Lord y Paice se casaron con las hermanas gemelas Vicky y Jacky con la que tiene tres hijos y además de sus actividades con Deep Purple ha participado como músico de sesión y bandas como Lord Ashton Paice, Whitesnake, Gary Moore band, Paul McCartney  entre otros.

EN MEMORIA DE GARY DUNCAN:

EN MEMORIA DE GARY DUNCAN:

 

El  ex líder del grupo “Quicksilver Messenger Service”, Ray Grubb  o más conocido como “Gary Duncan” nació en San Diego, California un 4 de setiembre de 1946 y se crió en la ciudad de Ceres y como Gary Grubb empezó su carrera en la ciudad de Merced donde en 1965  se une a la banda The Brogues donde conoce al baterista Greg Elmore y es en ese período que se cambia el nombre a “Gary Duncan”, como sería conocido en el mundo de la música.

 

A fines de 1965  recibe una llamada del guitarrista John Cipollina para que haga  una audición para el grupo que estaba formando con Dino Valenti y David Freiberg y así se presenta junto a su ex compañero de The Brogues, el baterista Greg Elmore y como era de esperarse los dos son incluidos de inmediato  y agregando a otro guitarrista Jim Murray nace el grupo “Quicksilver Messenger Service”, la banda más representativa del sonido de San Francisco.

 

El nombre de la banda se basó en la astrología ya que cuatro de los integrantes del grupo, (como el mismo Duncan eran de Virgo, signo que es regido por el planeta mercurio y de allí su peculiar y extensa denominación, pero parece que los problemas los acompañaron porque Dino Valenti, creador del grupo fue arrestado por posesión de marihuana (pasando un par de años en prisión), y luego de su presentación  en Monterey, Jim Murray abandona la banda que queda como cuarteto y recién en 1968 graban su disco homónimo donde el  sello de la banda son los duelos e interacciones sonoras entre los dos guitarristas Cipollina y Duncan que contribuyeron a hacer legendario el sonido de San Francisco y un ejemplo de la maestría de ambos es la extensa suite “Who do You Love” del disco “Happy Trails” que en concierto era apoteósico.

 

Luego de grabar siete discos el grupo se desbanda en 1975  y en los ochentas Duncan vuelve a tocar los temas de la agrupación con el nombre “Gary Duncan's Quicksilver” haciendo esporádicas apariciones y grabando interesantes discos con esa agrupación, hasta que en el 2006 junto a David Freiberg revive a “Quicksilver Messenger Service” con nuevos integrantes, hasta el fatídico sábado 29 de junio de, 2019 en que Gary Duncan sufrió una convulsión, caer en estado de coma y al poco tiempo fallecer en Woodland California a los 72 años.

 

Pero la música del maestro Duncan siempre estará presente en los que apreciamos su voz y guitarra.

 

PINK FLOYD: A SAUCERFUL OF SECRETS:

PINK FLOYD: A SAUCERFUL OF SECRETS:

 

Un 29 de junio de 1968 el sello  EMI Columbia” publicó en el Reino Unido el segundo álbum  del grupo Pink Floyd llamado “A SAUCERFUL OF SECRETS” (un platillo de secretos) y que fuera publicado en USA un mes después por Tower Records el 27 de julio del mismo año y que llegó hasta el noveno lugar de los charts de UK y al puesto 158 de los Billboard 200 de USA.

 

Ese mismo día en se organizó  el primer concierto gratuito en  Hyde Park”, donde tocaron los mismos Pink Floyd y Jethro Tull entre otros grupos (al año siguiente lo harían además de los Rolling Stones la legendaria banda de Winwood y Clapton “Blind Faith”, teniendo como teloneros nada menos que a “king Crimson” y “Yes” grupos debutantes).

 

 Este álbum fue grabado en los estudios De Lane Lea (un solo tema) y principalmente en los estudios EMI de la calle Abbey road (en la cabina número tres) al costado de la número dos donde generalmente grababan los Beatles, en los meses de agosto (los días 7 y 8 ) y octubre (entre el 8 y 24) de 1967 y también entre el 18 de enero y 06 de mayo de 1968, producido por el legendario ingeniero de sonido y colaborador en los primeros discos de los Beatles, “Norman Smith”, más conocido posteriormente como el cantante “Hurricane Smith”.

 

Esta obra maestra de la música consta de 7 canciones ya legendarias que constituyen el punto de inflexión de la banda, pues era el famoso segundo álbum y había muchas ideas para su concepción y el momento era crucial para el liderazgo musical del diamante loco ”Syd Barrett”, que para lo no conocedores fue la primera guitarra y voz de la banda en sus inicios, que es el protagonista principal del álbum debut de la banda el magnífico Lp “the Piper at the Gates of Dawn” (realizado el 04 de agosto de 1967) y artífice de los singles maravillosos como “Arnold Layne, see Emily play, Apples and Oranges, etc. de letras agudas e irónicas para el Swinging London de la época y arreglos psicodélicos geniales que crecen en originalidad al paso los años ”, volviendo al disco de mi comentario, el estado emocional de Syd empezó a declinar por haber sucumbido al ácido, que consumió en cantidades industriales a partir de la gira de la banda por usa a fines de 1967 que repercutió en su genio, creatividad y confianza en sí mismo que le impedía tocar en las giras y presentaciones televisas, por lo que a comienzos de 1968, Waters, verdadero fundador de la banda y de acuerdo al libro autobiográfico del batero Nick Mason, de carácter competitivo y egocéntrico, planteó a la banda reclutar al compañero de infancia de Syd, también guitarrista llamado David Gilmour para ser un quinto Floyd, por lo que oficialmente empezó a grabar con la banda el 12 de enero de 1968 y que a lo largo de los años iba a imponer su toque blusero a las canciones del cuarteto.

 

Las grabaciones de éste segundo LP fue entre agosto de 1967 y mayo de 1968, aunque en un principio se dijo que Barrett sólo tocó en dos temas: Jugband Blues (Único tema compuesto por Barrett) y Remember a Day (del tecladista Wright), a través de los años se ha comprobado que participó en los ensayos de Let There Be More Light, y participó en la grabación de los clásicos : Set the Controls for the heart of the Sun, Corporal Clegg (no acreditado oficialmente), sólo en dos temas no formó parte el aburrido see saw y a Saucerful of Secrets, que es el tema que marcaría el derrotero posterior de la banda, con el creciente liderazgo compositivo de Roger Waters, el crecimiento vocal de Gilmour en los propios temas del bajista y el paulatino declive compositivo y vocal de Rick Wright, por ello éste álbum cobra vida e importancia a través de los años marca el despido de una era “el Pink Floyd psicodélico” y marca el nacimiento del “Pink Floyd progresivo”, cuyas cúspides serían “the Dark Side of the Moon y el portentoso álbum doble “the wall” donde Waters, exorciza sus demonios, teniendo por primera vez el dominio vocal de casi todos los temas del disco, y cuando oficialmente la banda era ya un trío, bueno esa es otra historia, lo que recuerdo hoy es una obra maestra que transcurre entre la psicodelia lúdica Corporal Clegg, al rock progresivo minimalista de a Saucerful of Secrets, terminando con el testamento premonitorio de su salida de la banda por parte de Barrett, la preciosa y sensible balada Jugband blues, que para mi entender es el mejor tema del disco y como lo predijo el diamante loco o vegetable man, su salida oficial de Pink Floyd fue dos meses antes de la salida del álbum el 1 de abril de 1968 y pasó a la inmortalidad en el año 2006.

 

Si no has escuchado este disco hazlo, es una obra maestra de la música de todos los tiempos, no te arrepentirás.

martes, 28 de junio de 2022

ROBERT PLANT “PICTURES AT ELEVEN”:

ROBERT PLANT “PICTURES AT ELEVEN”:

 

Un 28 de junio de 1982 Swan Song Records, (el sello discográfico creado por Led Zeppelin en 1974) publica el primer disco solista de Robert Plant, ex cantante de la banda que se había disuelto  tras la muerte del baterista John Bonham (1980) llamado “Pictures at Eleven” que sería el único álbum que distribuiría ya que al año siguiente se disuelve y Plant crearía su propio sello discográfico llamado Es Paranza.

 

El disco  fue grabado en los Rockfield Studios, situados en  Monmouth, Gales entre los años 1981 y 1982, luego que Plant decidiera volver a las actividades musicales luego de la muerte de quien fuera uno de sus mejores amigos, John Bonham y cuenta con la producción del mismo Plant con la ayuda de Phil Collins quien toca la batería en seis temas, además de antiguos compañeros como Robbie Blunt en la guitarra yJezz Woodroffe en los teclados, además de contar con Cozy Powell como baterista en dos canciones.

 

El disco tuvo buena recepción de la crítica y del público ya que llegó hasta el puesto número dos de UK y el quinto lugar en los Billboard 200 y se lanzan cuatro singles y el más conocido de ellos fue “Burning Down One Side” cuyo video tuvo bastante rotación en la Mtv llegando hasta el puesto tres  de las listas de ventas en USA.

 

El título del disco es en referencia a una  frase muy usada en los noticieros de USA que es   “Film at eleven”, que se usa desde 1970 y es para mantener la expectativa de los televidentes  y que esperen hasta  esa hora en que se dará esa   noticia de interés general, como era loa expectativa  hacia el primer trabajo solista de Plant y en el 2007 cuando Rhino Records distribuye el disco agrega dos canciones más.

 

LED ZEPPELIN EN EL FESTIVAL DE BATH:

LED ZEPPELIN EN EL FESTIVAL DE BATH:

 

“The Bath Festival of Blues and Progressive Music”  fue un evento de la contracultura  de inicios de los setenta que se llevó a cabo en el Royal Bath and West Showground en Shepton Mallet, Somerset, Inglaterra y que se llevó a cabo entre el mediodía del sábado 27 de junio hasta la mañana del lunes  29 de junio de 1970.

 

Este Festival  fue organizado por el promotor Freddy Bannister y su esposa Wendy Bannister que el año anterior habían organizado The  Bath Festival of Blues dentro de Bath que tuvo un aforo de 12,000 personas donde también se presentó Led Zeppelin y quisieron repetir la experiencia pero esta vez convocando a más grupos musicales  y gente y lo lograron.

 

Pues participaron heterogéneos grupos como Colosseum, Fairport Convention, Hawkwind, It’s a Beautiful Day, Joe Jammer, Keef Hartley Band Pink Fairies, Pink Floyd Steppenwolf (Sábado 27 de junio), Canned Heat, Donovan, Frank Zappa, Hawkwind (nuevamente), Hot Tuna, John Mayall, Johnny Winter Led Zeppelin, Maynard Ferguson, Pink Fairies, Santana & The Flock (domingo 28 de junio de 1970, Country Joe and the Fish, Dr. John, Jefferson Airplane (que era uno de los platos fuertes también ) & The Byrds y en los tres días tuvo una asistencia de más de 150, 000 personas.

 

LA ACTUACIÓN DE LED ZEPPELIN:

 

Led Zeppelin iba a repetir exactamente un año después su brillante performance que diera ante cerca de 12,000 personas un 28 de junio de 1969 en el primer “Bath Festival of Blues” donde  compartió el cartel estelar  con bandas de blues como Fleetwood Mac, John Mayall, Ten Years After & The Nice.

 

Esta vez Led Zeppelin en “The Bath Festival of Blues and Progressive Music” de junio de 1970   ya se presentaba como el grupo estelar de la edición de 1970 del Festival y le pagaron por su presentación el triple de dinero cerca de₤ 20,000 libras esterlinas para  subir al escenario un sábado 28 de junio de 1970 cuando empezaba a anochecer cerca de las 8 y 30 de la noche y se dice que había cerca de 200, 000 personas que se congregaron sólo para estar presentes a su actuación donde aparecieron totalmente barbados e iniciaron su set de forma brillante con “The Inmigrant Song” y luego de cerca de un poco más de dos horas de intensa performance su set culmina con un apoteósico medley de Rock Roll de más de veinte minutos y  para que más, Led Zeppelin  hizo historia y comenzó su reinado en los setentas.

 

Luego de esta actuación han circulado metrajes y audios piratas de esa presentación que fueron adquiridos a los largo de los años por los fans y justo que se cumplen 50 años de estas presentaciones se dice que se va a realizar una edición oficial de aniversario del Festival donde se incluye cerca de media hora de la actuación de Led Zeppelin. 

 

SETLIST DE LED ZEPPELIN:

Immigrant Song

Heartbreaker

Dazed and Confused

Bring It On Home

Since I've Been Loving You

Organ Solo Thank You

The Boy Next Door (That’s The Way).

What Is and What Should Never Be.

Moby Dick

Rice Pudding Intro/How Many More Times (includes Down By the River, The Hunter, Gotta Keep Moving, Boogie Woogie, Honey Bee, Sweet Home Chicago, Need Your Love Tonight, that's Alright, Long Distance Call Blues,

The Lemon Song

Whole Lotta Love

Communication Breakdown

Rock Medley (includes Long Tall Sally, Johnny B. Goode, Rocky Road Blues, Say Mama, That's Alright Mamma.

 

 

 

LOS BEATLES EMPIEZAN A GRABAR GOODNIGHT DEL WHITE ALBUM:

LOS BEATLES EMPIEZAN A GRABAR GOODNIGHT DEL WHITE ALBUM:

 

El 28 de junio de 1968 dentro de las primeras sesiones para el "White Album" de los Beatles, se inician las grabaciones del tema de John "Goodnight" que era básicamente una canción de cuna que había compuesto para su pequeño hijo Julian que contaba en esa época con 5 años y que al considerarla demasiada suave para su "dura y sarcástica imagen" rechazó cantarla para el álbum y decide cedérsela a Ringo para que la cante.

 

 Y así Lennon  se pasó  buen tiempo del día ensayando el tema en el estudio para que Starr tomara el fraseo y la entonación adecuada haciendo una decorosa interpretación que es el que está grabado en el disco y  por desgracia no se grabó ninguno de los fraseos de John.

lunes, 27 de junio de 2022

EN RECUERDO DE JOEY COVINGTON:

EN RECUERDO DE JOEY COVINGTON:

 

El que fuera el baterista Joseph Edward Michno nació en Johnstown, Pennsylvania un 27 de junio de 1945 y desde muy joven se dedicó a la batería con el nombre de Joey Covington  perteneciendo a bandas teloneras  de los grupos de cartel que iban an su ciudad y luego estuvo en los grupos The Charms  y The Fenways para mudarse a la ciudad de Los Ángeles en 1966 donde el célebre Kim Fowley impulsa su carrera como baterista cantor y conoce a Papa John Creach con quien graba material pero en 1968 toca la batería para el dúo Hot Tuna de Kaukonen y Casady  que pertenecían a Jefferson Airplane y cuando decide el grupo prescindir de Spencer Dryden deciden contratar a Covington en 1969 y debuto con ello a inicios de los setentas en el festival de “Atlanta Pop”.

 

Luego colabora en el primer proyecto solista de Paul Kantner, el controvertido “Blows Against the Empire” de 1970 donde coescribe con Kantner y Slick el controvertido y anti Nixon  himno político conocido como  "Mau Mau (Amerikon) y al año siguiente como miembro oficial de Jefferson Airplane graba  el disco “Bark” (setiembre 1971) donde compone un par de temas y presta también su voz para "Pretty As You Feel", al año siguiente grabó su primer disco como solista llamado  “Fat Fandango” y luego participó en algunos discos del grupo “ Hot Tuna” al año siguiente grabó su primer disco como solista llamado  Fat Fandango” y luego participó en algunos discos del grupo “ Hot Tuna  y en otras agrupaciones en directo.

 

Joey Covington falleció en un accidente automovilístico en Palm Spring Florida donde residía un 4 de junio del 2013.

 

RECORDANDO A “THE OX”:

RECORDANDO A “THE OX”:

 

Un 9 de octubre de 1944 nació en Chiswick, un suburbio de Londres, UK,  John Alec Entwistle” quien fuera bajista del ya mítico grupo  The Who” quizás el que puede ser considerado el mejor bajista de la historia del rock” su sonido se caracterizó por líneas principales pentatónicas y un sonido rico en agudos inusual en su tiempo (pueden discrepar y sugerir   a otros, pero para mi humilde opinión me inclino por él), sobre todo por sus magníficos solos (Inolvidable el  que realizó en el ya clásico himno del rock  My Generation”).

 

Alec fue  hijo único, su padre, Herbert, tocaba la trompeta y su madre, Maud el piano y al poco tiempo de su matrimonio sus padres se divorciaron y vivió con sus abuelos y quizás por ello su carácter reservado, a los siete años recibió clases de piano y a los once de trompeta, luego tocó el cuerno francés en la  trompa cuando se unió a la Orquesta Sinfónica de la Escuela de Middlesex donde conoce en el segundo años a Pete Towshend y ambos formaron un grupo de Jazz y  luego de rock donde Entwistle toca el bajo debido a su admiración por los tonos bajos del guitarrsita  Duane Eddy y al poco tiempo se hizo un experto en el instrumento,

 

Entwistle prácticamente fue el nexo para que naciera el grupo The Who porque luego de verlo tocar el bajo llamó la atención del por entonces guitarrista y vocalista Roger Daltrey y le pidió ser parte de su banda y Entwistle acepta si también se integraba su amigo de colegio Pete Towshend y lo demás ya es historia.

 

 Además de Pete Towshend, también componía y aunque tenía  temas interesantes para la banda sobre todo por su humor negro y la temática de terror como el inolvidable Boris The Spider, la banda lo limitaba en su creatividad por lo que fue el primero en realizar discos como solista donde daba rienda a su creatividad, vivió al  límite y su ritmo de vida era desenfrenado gastaba más de los que ganaba y por ello era el más empeñoso en ir de giras para seguir comprando cosas y darse sus gustos.

 

 Y como era de esperar John Entwistle falleció en su ley con sexo, drogas y alcohol, cuando se encontraba con una prostituta en un hotel de Las Vegas en las fechas que el grupo estaba de gira  por USA y haciendo honor a la célebre frase de “My Generation” no llegó a viejo y murió  un 27 de junio del 2002 a los 57 años.

 

Por su imperturbable postura en el escenario, mientras sus compañeros destruían sus instrumentos sería conocido como The Ox. (El buey).

RECORDANDO A CHRIS SQUIRE:

RECORDANDO A CHRIS SQUIRE:

 

 “Christopher Russell Edward Squire” o más conocido en el mundo de la músico como “Chris Squire” quien fuera el único bajista y fundador del grupo progresivoYes” nació en Kingsbury al noroeste de Londres, UK un 4 de marzo de 1948, hijo de un chófer de taxi y una secretaria de una agencia del estado, destacó en la niñez por tener una aguda y fina voz y por ello estar en el coro de la iglesia de su comunidad y ya en la adolescencia empieza a gustarle el rock y por la facilidad de poder tocarlo por sus largos dedos (debido a su gran estatura) se inclinó por tocar el bajo.

 

La primera banda que formó fueron  los Selfs en 1965 para luego de pasar por diversos grupos y estilo musicales y además perfeccionar su estilo de tocar el bajo que lo distingue del resto de colegas y así crear junto al guitarrista Peter Banks, al tecladista, Tony Kaye, al baterista Bill Bruford y al cantante Jon Anderson el grupo Yes en 1968 y el resto es historia.

 

En su grupo por fin pudo desarrollar e innovar en ese estilo tan propio  de tocar el instrumento de cuatro cuerdas "como una odisea bajistica y quizás el tema donde muestra sus dotes y técnica sea “The Fish” y que luego sería el  “apodo” como sería conocido el músico.

 

El bajo que popularizó en Yes fue un  Rickenbacker 400,  además de hacer la segunda voz y componer algunos temas, solo dejó el grupo por dos años cuando en 1981 forma el proyecto XYZ con Jimmy Page que no prosperó por la no inclusión de Plant y la injerencia del manager Peter Grant, por lo que reforma Yes en 1983 con un nuevo guitarra y la banda tiene su primer éxito comercial "Owner of a Lonely heart" saboreando el éxito como un grupo pop y quizás lo que ansían en el fondo muchos grupos progresivos y ejemplos ochenteros sobran, total parafraseando a Zappa todo se hace por el dinero.

 

En mayo del 2015, el bajista anunció a la prensa que va a tomarse un descanso de Yes después que se le diagnosticara leucemia para recibir tratamiento pero Chriss Squire falleció a los 67 años un 27 de junio de ese mismo año, en su hogar en Phoenix, Arizona, el único miembro de Yes que nunca fue reemplazado.

 

Un grande ¡El pez!

domingo, 26 de junio de 2022

Free - All Right Now (1970)

FREE &  “FIRE & WATER”:

 

Un 26 de junio de 1970 el sello “Island Records” del mecenas del rock Chris Blackwell publicó en UK  el tercer álbum en estudio de la ya legendaria banda inglesa “Free” llamado “Fire & Water” (Agua & Fuego) que en USA fue distribuido por “A & M Records” y fue el más vendido de la banda debido al éxito de la canción “All Right Now” que había salido publicado como single un mes antes que  se convirtió en un himno que los catapultó a la fama, llegado el álbum hasta el puesto tercero en UK y el puesto 17 en USA y dos meses después fueron uno de los platos fuertes de la tercera edición del Festival de la Isla de Wight.

 

 El grupo Free se formó a finales del año 1968 y su característica principal era que sus integrantes gozaban de extrema juventud pero con veteranía en los círculos musicales de blues y una destreza como instrumentistas y creadores que fueron protegidos desde un inicio por Alexis Korner y estaba integrado por Paul Rodgers en el piano, guitarra y sobre todo canto; Simon Kirke en la batería, Andy Fraser que  tenía un poco más de quince años cuando se unió al grupo como bajista y Paul Kossoff en la  guitarra y su primer disco “Tons of Sobs” el 14 de marzo de 1969 (de orientación bluesera) , luego su disco homónimo Free en octubre de 1969 (donde se iba estableciendo su estilo) y  llega el tercero “Fire & Water”.

 

El álbum se empezó a grabar  en el mes de enero de 1970 en los Trident Studios de Londres con la canción “All Right Now” y se terminó de grabar a mediados de junio en los Island Studios de su sello también en Londres bajo la producción de los miembros de la  banda pero con la co producción de John Kelly y  Roy Thomas Baker, quien luego sería el artífice delo primeros discos de Queen, además de haber sacado lo mejor de los cuatro Free y como un ejemplo están los siete temas y sobre todo la canción “Mr. Big” que tiene uno de los mejores solos de bajo de la historia del rock de un inspirado Andy Fraser.

 

Dont Let Me Down/Bad Company

BAD COMPANY & “DON'T LET ME DOWN”:

 

Este no es el tema tan conocido de los “Beatles” que John Lennon había compuesto y cantado  en la azotea de Saville Road para la fallida película “Get Back, luego Let it be” de enero de 1969,  sino una canción  del primer álbum del Super grupo setentero de UK Bad Company que se publicó un 26 de junio de  1974, donde la voz de Paul Rodgers está en su mejor registro y realmente estremece y más con la ayuda de su piano y de los coros Souls de las cantantes Sue Glover & Sunny Leslie que hacen inolvidable esta balada en tono de blues.

 

Y la cereza del pastel es el solo de saxo a cargo del ex King Crimson, “Mel Collins” y además la calidad garantizada con la guitarra  de Ralphs lo hace una de las mejores canciones de este clásico disco.

 

“BAD COMPANY” Y SU ÁLBUM DEBUT:

“BAD COMPANY” Y SU ÁLBUM DEBUT:

 

Un 26 de junio de 1974 el recientemente inaugurado “Swan Song Records” propiedad del grupo  Led Zeppelin publica el álbum “Bad Company” primer lanzamiento oficial del sello y  que es el álbum debut del llamado con justicia el Supergrupo “Bad Company” que llegó hasta el puesto número uno en las listas de USA Billboard 200 y en UK debuta en el puesto décimo para llegar en su segunda semana hasta el tercer lugar por varias semanas, siendo considerado en la actualidad como uno de los mejores discos debutantes de la historia de la música.

 

La banda inglesa Bad Company según sus fuentes oficiales fue creada  un  18 de enero de  1974  y es otro de los tan llamados “Supergrupos” que se popularizaron sobre todo en los setentas, pero bien nombrados ya que estaba conformada por el cantante Paul Rodgers que había sido el líder del grupo “Free” y  llamado “The Voice”, el  experimentado guitarrista Mick Ralphs ex Mott the Hoople, Boz Burrell quien había sido el cantante y bajista de   King Crimson en el  disco  Islands y el baterista Simon Kirke otro ex Free y  que fue una de los grupos más representativos del hard rock setentero y su nombre fue inspirado en la película que ROBERT BENTON había dirigido en el año 1972, siendo los primeros en firmar en el naciente sello de los Led Zeppelin, “Swan Song Records” y como anécdota  el manager de la banda el gran  Peter Grant quería que se llamaran de otra manera pero al final se salieron son su gusto.

 

Ellos realizaron un excelente primer disco homónimo que fue grabado en el mes de noviembre de 1973 en las instalaciones de “Headley Grange” a sugerencia de Peter Grant y que era un antiguo hospicio del siglo XVIII situado en Hampshire que en los sesentas la viuda del último propietario lo alquilaba  a  grupos de rock para que se instalen  y ensayen, allí los integrantes de Led Zeppelin grabaron su tercer, cuarto y quinto disco, por lo que los miembros de Bad Company se instalan cerca de un mes en el lugar y alquilan los Ronnie Lane's Mobile Studio o RLM que era un estudio de grabación móvil de 16 pistas para grabar las canciones, siendo ellos mismos quienes produjeron su propio material.

 

Y el resultado fue un clásico de la historia del hard rock con ocho canciones compuestas entre Rodgers y Ralphs donde destacan la canción homónima y compuesta por los dos ex Free: Rodgers al piano y el baterista Kirke que es una de la mejores que compuso la banda y se volvió un himno en vivo, la guitarrera "Can't Get Enough" de Mick Ralphs, que es quizás la más conocida del album por sus riffs guitarreros  y que además fue el primer single de la banda, la canción “Rock Steady” de Rodgers que tiene bastante de blues en la guitarra, la balada ) Don’t Let me down con un genial solo de saxo por el ex King Crimson Mel Collins y además como broche final el tema “Seagull” que es la única canción acústica del disco, tres notas  interpretada únicamente por Rodgers que hasta la fecha es infaltable en sus conciertos.

 

Y la carátula del disco fue diseñada por el grupo Hipgnosis con el logo del grupo con una foto central a color en fondo verde de los integrantes.

 

FREE & “FIRE & WATER”:

FREE &  “FIRE & WATER”:

 

Un 26 de junio de 1970 el sello “Island Records” del mecenas del rock Chris Blackwell publicó en UK  el tercer álbum en estudio de la ya legendaria banda inglesa “Free” llamado “Fire & Water” (Agua & Fuego) que en USA fue distribuido por “A & M Records” y fue el más vendido de la banda debido al éxito de la canción “All Right Now” que había salido publicado como single un mes antes que  se convirtió en un himno que los catapultó a la fama, llegado el álbum hasta el puesto tercero en UK y el puesto 17 en USA y dos meses después fueron uno de los platos fuertes de la tercera edición del Festival de la Isla de Wight.

 

 El grupo Free se formó a finales del año 1968 y su característica principal era que sus integrantes gozaban de extrema juventud pero con veteranía en los círculos musicales de blues y una destreza como instrumentistas y creadores que fueron protegidos desde un inicio por Alexis Korner y estaba integrado por Paul Rodgers en el piano, guitarra y sobre todo canto; Simon Kirke en la batería, Andy Fraser que  tenía un poco más de quince años cuando se unió al grupo como bajista y Paul Kossoff en la  guitarra y su primer disco “Tons of Sobs” el 14 de marzo de 1969 (de orientación bluesera) , luego su disco homónimo Free en octubre de 1969 (donde se iba estableciendo su estilo) y  llega el tercero “Fire & Water”.

 

El álbum se empezó a grabar  en el mes de enero de 1970 en los Trident Studios de Londres con la canción “All Right Now” y se terminó de grabar a mediados de junio en los Island Studios de su sello también en Londres bajo la producción de los miembros de la  banda pero con la co producción de John Kelly y  Roy Thomas Baker, quien luego sería el artífice delo primeros discos de Queen, además de haber sacado lo mejor de los cuatro Free y como un ejemplo están los siete temas y sobre todo la canción “Mr. Big” que tiene uno de los mejores solos de bajo de la historia del rock de un inspirado Andy Fraser.

LOS BEATLES TOCARON POR ÚLTIMA VEZ EN HAMBURGO:

LOS BEATLES TOCARON POR ÚLTIMA VEZ EN HAMBURGO:

 

Un 26 de junio de 1966 los Beatles tocaron por última vez en la ciudad alemana que los hizo crecer como músicos y personas y brindaron  dos conciertos en el auditorio “Ernst Merck Halle” en Hamburgo y a cada una de las  presentaciones concurrieron cerca de 5.600 personas.

 

Todo se inicia a las seis de la mañana en que llegaron a la ciudad de  Hamburgo y se hospedaron en hotel Schloss de Tremsbuttel a 48 kilómetros de la ciudad y dieron una conferencia de prensa en medio de su gira pde tres días por Alemania (24 al 26 de junio de 1966).

 

ESTE FUE SU SETLIST: 

 

Rock And Roll Music, She’s A Woman, If I Needed Someone, Day Tripper, Baby’s In Black, I Feel Fine, Yesterday, I Wanna Be Your Man, Nowhere Man, Paperback Writer y I’m Down.

 

 

 

sábado, 25 de junio de 2022

EL CONTROVERTIDO GEORGE ARMSTRONG CUSTER:

EL CONTROVERTIDO GEORGE ARMSTRONG CUSTER:

 

Para los habitantes W.A.S.P (o los redneck de USA) es un héroe nacional, nacido un 5 de diciembre de 1839 en New Rumley, Ohio de ancestros alemanes y  de origen humilde que fue un militar graduado en último lugar en West Point como oficial de caballería  que en la Guerra de Secesión en el ejército de la Unión destacó tanto por su indisciplina, valor y fortuna que por ser mano derecha del General Sheridan ascendiendo rápidamente de Capitán a General sobre todo por su valor en la batalla de Gettiysburg.

 

Cuando termina   la Guerra volvió a capitán y luego de procesos en contra, escapadas para ver a su futura esposa  volvió al llano en las campañas contra los indios en la década del 70 y es allí donde se dan las batallas entre la caballería   y una coalición  de nativos americanos organizados por primera vez en un gran ejercito compuesto por indios Dakota, Cheyenne del norte y Arapaho  comandados por Sitting Bull  o Toro Sentado que se enfrentó contra  el Séptimo de Caballería (liderado por el ya teniente Coronel  Custer en la batalla de Little Big Horn el 25 de junio de 1876, donde se hizo conocida la tonada irlandesa “Garryowen” tan tocada como himno de ,archa por el regimiento de la Séptima la caballería de USA  y las películas al respecto.

 

El motivo de la contienda es que en la tierra de los indígenas se habían descubierto yacimientos de oro que el gobierno de USA  ansiaba y por ello al no prosperar la propuesta de reubicarlos se dan los enfrentamientos y como resultado y ya se sabe por una negligencia de Custer por subestimar el número de los rivales ganaron los indios no dejando a nadie vivo (cerca de 300 soldados), solo cadáveres mutilados y con la cabellera arrancada (como signo de valentía), Custer murió de dos balazos en el cráneo y corazón pero su cabellera no fue arrancada, ¡curioso!

 

DATO ADICIONAL:

Custer nunca dijo la célebre frase "El mejor indio bueno es el indio muerto", fue su superior jerárquico en 1868, el general Sheridan quien la dijo..

 

 

“RECORDANDO A IAN MCDONALD”:

“RECORDANDO A IAN MCDONALD”:

 

Ian McDonald, fue un músico británico, nacido en Middlesex un 25 de junio de 1946, y que fue esencial para el sonido del primer álbum de la banda progresiva “King Crimson” donde fue casi el artífice de su sonido y sobre todo en la composición de la canción “In the Court of the Crimson King”, luego participó en los primeros álbumes del grupo “Foreigner” y por su calidad de multinstrumentista aportó los vientos y  el uso del mellotrón que le daban el marco adecuado a los solos de guitarras del maestro  Robert Fripp en King Crimson.

 

Al año siguiente junto al ex baterista de King Crimson Michael Giles, graban a mediados de 1970 el clásico “McDonald and Giles” un excelente álbum con espectaculares climas cuyo sonido es considerado lo que realmente hubiese sido “King Crimson si se hubiese seguido con el quinteto clásico” y por las pocas ventas del disco aparecido en enero de 1971 el dúo se separa y en la actualidad es un disco de culto por su “calidad que el tiempo ha revalorizado”, en 1974 tocó en el álbum Red de King Crimson como músico invitado.

 

Luego de unos años en 1976 fue uno de los fundadores del grupo Foreigner y  fue un elemento clave para que el sonido de las canciones sobre todo en los arreglos de teclados, guitarras y  viento en los  primeros tres discos en los cuales  participó y dejó la banda en 1979.

 

Y en las siguientes décadas trabajó como músico de sesión de diversos artistas como Marc  Bolan, Asia, Judy Dyble, Steve Hackett entre otros, en 1999 publicó su primer álbum como solista llamado  Drivers Eyes y en el 2002 formó parte de la gira de reencuentro de King Crimson, en el año 2011, McDonald colaboró con Lynnea Benson y su esposo Ted Zurkowski, componiendo  e interpretando  música de guitarra y piano para sus obras teatrales y su calidad como músico creativo fue indiscutible formando nuevas agrupaciones hasta que el miércoles  9 de febrero del 2022 Ian McDonald falleció en su hogar de Nueva York a los 75 años debido al cáncer que venía padeciendo.

 

Carly Simon

CARLY SIMON:

 

El 25 de junio de 1945 nació en el barrio del Bronx en Nueva York, Carly Elisabeth Simon cantante y compositora  estadounidense, su padre era un pianista de música clásica  de ascendencia judía y su madre además de ser una reputada  cantante fue una activista por los Derechos Civiles.

 

 Y desde niña inició  su carrera musical cantando con su hermana mayor Lucy haciendo el dúo “The Simon Sisters” y desde su adolescencia demostró además su talento como compositora y cuando su hermana se casa empieza su carrera  como solista grabando su primer disco en 1971.

 

A fines de 1972  se  casa con el cantautor James Taylor y fue la época en que se publica su mayor  éxito en las listas y me refiero a  la canción “You’re so vain” (Eres tan vanidoso)” que fuese parte  también del álbum No Secrets editado el 3 de noviembre de 1972 que fue producido por Richard Perry y contó además con Klaus Voorman y su gran y notorio introducción con el bajo, Jim Gordon en la batería y Mick Jagger en los coros (sin acreditar).  

 

Y se dice que la fuente de inspiración para componerla fue el actor  Warren Beatty” con quien tuvo un affaire mientras estuvo casada con el bueno de Taylor con quien tuvo dos hijos y se divorciaron en 1983, Carly Simon en los años posteriores siguió publicado singles y álbumes exitosos hasta un breve receso.

 

En el siglo XXI volvió con fuerza a la popularidad con sus numerosas colaboraciones con cantantes contemporáneos como Eric Clapton entre otros y además de haber publicado nuevo material y publicar sus memorias en el 2015.