Led Zeppelin - Presence

LED ZEPPELIN  &“PRESENCE”:

 

Un 31 de marzo de 1976 el sello “Swan Song Records” de propiedad del grupo  “Led Zeppelin” publica “Presence”  el séptimo álbum de la banda y quizás es junto con el recopilatorio de canciones sueltas “Coda”  el de menor popularidad e imaginación del cuarteto inglés, pero pese a las críticas mixtas llegó a ser disco de platino un número uno tanto en UK  como en USA  em la Billboard 200.

 

Y quizás se pueda deber al accidente automovilístico que sufrieron el cantante Robert Plant con la que era su  mujer Maureen junto a sus dos hijos además de Scarlett la hija de Jimmy Page en Rodas, Grecia cuando el grupo estaba vacacionando, para suerte de los niños salieron ilesos pero su esposa casi se muere y se salvó con una transfusión y Plant resultó con la pierna y el codo derecho destrozados.

 

Debido a estos hechos Plant estaba en silla de ruedas con intensas terapias físicas y por motivos de impuesto se refugió en primero en isla de Jersey Francia y luego en Malibu California,  mientras que el guitarrista Page se volvió adicto a la heroína, aunque le dio el alcance a Plant con la idea de grabar nuevo material.

 

Con este panorama entre los últimos días de noviembre e inicios de diciembre de 1975  reservaron los estudios “Musicland” de Múnich (fundado por el gran genio de la electrónica “Giorgio Moroder”) bajo la producción de page grabaron todo en un lapso de casi 20 días que tenían de plazo para terminar (ya que los Rolling Stones lo habían separado para grabar en diciembre su disco “Black and Blue”).

 

Con un Plant en silla de ruedas y un Page adicto graban este disco  con escasa colaboración en las composiciones de Jones y Bonham, salvo en un tema, ya que esas canciones las tenían listas de antemano, estamos ante un disco menor de la banda pero con grandes momentos de Bonham en “Nobody’s  fault but mine”  y “Achilles Last Stand", prescindiendo de los teclados en toda la obra.

 

SOBRE LA PORTADA  DE PRESENCE “EL OBELISCO”:

 

La contra carátula del disco fue diseñada por  Hipgnosis y representa a un obelisco  (justo el de la película de Kubrick “2001 Odisea en el espacio” que es observado o tocado por diversas personas y Page referente al mismo señala que representa la fuerza y presencia de Led Zeppelin.

MICK RALPHS:

MICK RALPHS:

 

El guitarrista “Michael Geoffrey Ralphs” más conocido en el mundo de la música como  “Mick Ralphs” nació en Stoke Lacy, Herefordshire, UK, un 31 de marzo de 1944 y desde su adolescencia empieza a gustar del  blues para que luego de pasar por el circuito de pubs logra grabar un single sin éxito  en 1964 con la banda “Buddies”.

 

Pero en 1966  se une a los “Mod Doc Thomas Group” donde su primer album lo graban en Italia  sin éxito, cambiándose el grupo con el nombre de “Silence” en 1968 para adquirir el definitivo  “Mott the Hoople” (tomado el nombre de la novela “Mott the Hoople” escrita por el inglés Willard Manus en 1966)  donde Ralphs permanece hasta  el año 1973.

 

A mediados de ese año queriendo hacer música más en el sonido “Hard Rock” crea junto al ex líder de la banda “Free” Paul  Rodgers  el Supergrupo “Bad Company” donde además de ser el guitarrista principal escribió varios de los temas del repertorio de la banda como la canción de apertura del disco debut  "Can't Get Enough".

 

Cabe agregar que Ralphs junto al baterista Kirke han formado parte de todas las encarnaciones que ha tenido el grupo hasta la fecha, en octubre del 2016 tuvo un infarto y se pensó lo peor, pero actualmente está recuperándose y fue reemplazado por otro guitarrista en la gira del 2017 y felizmente el maestro se recuperó y ahora se encuentra fuera de la música por salud.

Focus - Hocus Pocus Live '73

FOCUS  & “HOCUS FOCUS”:

 

Palabra que tiene el mismo significado mágico que “Abracadabra” pero en el mundo musical es el título del que podría considerarse el tema más célebre de la agrupación de rock progresiva holandesa de los 70s “Focus” que fue escrita por el guitarrista Jan Akkerman y el tecladista, flautista y vocalista  Thijs van Leer para su segundo disco “Moving Waves” aparecido en octubre de 1971, (la banda se completaba con el bajista Cyril Havermans y el baterista Pierre van der Linden).

 

Este tema aún es el que cierra los conciertos de la banda y ha sido usado en cortinas musicales de vez en cuando por algunos programas de la televisión de UK y USA.

 

La estructura de la composición es interesante y musicalmente vendría a ser un “Rondó”  o danza en círculo, que F. Couperin definiría como una forma que se basa en «un tema principal que reaparece y se alterna con diferentes temas intermedios, llamados couplets»  (coplas).

 

Es decir el estribillo (parte principal del rondó) se alterna con diferentes coplas o estrofas, que se reexponen varias veces, siempre en el mismo tono. Las coplas son diferentes entre sí, y suelen ser relativamente independientes del estribillo

 

ESTRIBILLO – COPLA 1 – ESTRIBILLO – COPLA 2 – ESTRIBILLO – COPLA FINAL.

 

Escuchen el tema y se darán cuenta su estructura que alterna con los famosos “yodels” o cantos a lo tirolés, el órgano, acordeón, scat, y los riffs de flauta, guitarra y los silbidos finales, hay una versión más rápida del grupo "Hocus Pocus 2” que usa a menudo la banda en sus conciertos.

 

 

THIJS VAN LEER:

THIJS VAN LEER:

 

El músico “Thijs van Leer” de ancestros judíos nació en Ámsterdam, Holanda (hoy Países Bajos) un 31 de marzo de 1948 y aparte de ser un multi instrumentista  y gran cantante de una peculiar voz (sobre todo con sus yodels o canto tirolés) y desde pequeño estuvo involucrado en la música porque su padre era comerciante con estudios de flauta y su madre cantante y estudió tanto el piano como el instrumento que dominaba su padre y será conocido por la historia de la música como el fundador y aún líder de la banda progresiva “Focus”.

 

“Van Leer” además empieza  a componer a temprana edad y estudia flauta en el Conservatorio de Geneva en Suiza y de adolescente se vuelve concertista de música clásica pero  en la universidad le empieza a gustar el jazz, graba un par de discos, acompaña a otros músicos y decide crear sus propia agrupación.

 

En  1969 crea  la “Thijs van Leer Trio” que se rebautizaría como  Focus que se vuelven en uno de los mayores exponentes del “rock progresivo holandés” y con los que graba 11 discos memorables dejando composiciones  ya clásicas como el instrumental “Focus”,  "Hocus Pocus" “Janis”, “House of The King”, "Sylvia”, entre otros y paralelamente ha seguido su carrera como solista donde muestra aún su predilección por la música clásica

 

Aunque la mejor conformación del grupo fue con el guitarrista “Jan Akkerman” que dejó la banda en 1976 van Leer ha seguido liderandola con nueva gente y con ello ha grabado el disco Focus 11 en el 2018 y sigue haciendo gira alrededor del mundo con la actual y última conformación de la banda que lidera.

 

 

LATE LAMENT" POEMA DE “GRAEME EDGE” DE LOS MOODY BLUES:

LATE LAMENT" POEMA DE “GRAEME EDGE” DE LOS MOODY BLUES:

 

Este es un gran poema escrito por el desaparecido baterista y bardo de los “Moody Blues”  Graeme Edge, nacido un 30 de marzo de 1941 y fallecido el 11 de noviembre del 2021  que fuera recitado por ex tecladista del grupo, el genial Mike Pinder y que cierra el revolucionario álbum conceptual  "Days of Future passed" de fines de noviembre de 1967 y en las presentaciones en vivo eran recitado por el mismo Edge,

 

LATE LAMENT

 

Breathe deep the gathering gloom,

Watch lights fade from every room.

Bedsitter people look back and lament,

Another day's useless energy spent.

Impassioned lovers wrestle as one,

Lonely man cries for love and has none.

New mother picks up and suckles her son,

Senior citizens wish they were young.

Cold hearted orb that rules the night,

Removes the colours from our sight.

Red is grey and yellow white.

But we decide which is right.

And which is an illusion?

 

"Late Lament" (Graeme Edge).

Eric Clapton - Let It Grow.(lyrics)

ERIC CLAPTON & “LET IT GROW”:

 

Eric Clapton, además de haberse convertido en una leyenda viviente en menos de cinco años se ha caracterizado por ser un luchador y sobreviviente de su época tanto en el plano musical y  sus propios excesos.

 

Quizás una de las más hermosas canciones compuesta íntegramente por  él  se encuentra en  su disco de retorno a lo grande (luego de años de oscuridad)  el ya célebre “461 Ocean Boulevard”  y tanto en letra y música es una maravilla es el tema  “Déjalo crecer” y que bien suena la guitarra  electroacústica llamada “dobro” como instrumento central  que estremece en este tema con Yvonne Elliman en los coros que marca su retorno con fuerza al mundo de la música y que sean muchos años más.

 

LETRA:

 

Standing at the crossroads, trying to read the signs

To tell me which way I should go to find the answer,

And all the time I know,

Plant your love and let it grow

Let it grow, let it grow,

Let it blossom, let it flow

In the sun, the rain, the snow,

Love is lovely, let it grow

Looking for a reason to check out of my mind,

Trying hard to get a friend that I can count on,

But there's nothing left to show,

Plant your love and let it grow

Let it grow, let it grow,

Let it blossom, let it flow

In the sun, the rain, the snow,

Love is lovely, so let it grow, let it grow

Time is getting shorter and there's much for you to do

Only ask and you will get what you are needing,

The rest is up to you

Plant your love and let it grow

Let it grow, let it grow,

Let it blossom, let it flow

In the sun, the rain, the snow,

Love is lovely, let it

Let it grow, let it grow,

Let it blossom, let it flow

In the sun, the rain, the snow,

Love is lovely, let it grow

 

ERIC PATRICK CLAPTON

ERIC CLAPTON EN SU DÍA

ERIC CLAPTON EN SU DÍA:

 

El gran maestro de la guitarra “Eric Patrick Clapton” nació en Ripley, Surrey, Inglaterra un 30 de marzo de 1945 y siendo pequeño creyendo que era hijo de sus abuelos y que su madre era su hermana ya que la adolescente Patricia Molly Clapton tuvo un flirt con el soldado canadiense Edward Walter Fryer  que terminada la guerra regresa a su país, así que lo criaron su abuela y su segundo compromiso Jack Clapp y al cuestionarse por qué no se apellida así le tuvieron que decir la verdad.

 

 A los trece años recibió su primera guitarra acústica de la marca alemana Hoyer y de allí nació su romance con las seis cuerdas  y empieza a practicar con sus  viejos discos de blues de los bluesmen afros de USA  y en 1961 mientras estudiaba en  “The Kingston College of Art” ya destacaba entre sus compañeros por su técnica y al año siguiente con el futuro Hawkwind David Brock forma un dúo de blues tocando en pubs de la zona y en enero de 1963 junto a su amigo Tom McGuinness se une a los Roosters y ya en octubre estuvo tocando un breve tiempo con  Casey Jones & the Engineers y en ese mismo mes es convocado por los Yardbirds para que reemplace al guitarrista Top Topham y el resto es historia.

 

Y faltarían palabras para hablar de un guitarrista clave en la historia del rock que inició su carrera profesional sobre todo protagonista absoluto de las décadas de los 60s y 70s pues fue el guitarrista líder de los tres grupos que marcaron el camino de los demás en la década de los sesentas: Los Yardbirds, John Mayall Bluesbreakers y Cream, además de formar parte de la primera conglomeración de ídolos bajo el rótulo de Supergrupo “Blind Faith.

 

Es decir si Clapton no hubiese sobrevivido cuando estuvo por más de dos años adicto a la heroína comenzando la década de los 70s ya hubiese sido una leyenda antes de los 25 años, pero es un sobreviviente y por eso su valía ya que  es sobre todo un ser humano  que ha sabido  levantarse y reinventarse ante los golpes que la vida le dio y vivir para tomarlo como ejemplo y de hecho de los guitarristas del rock mi preferido y aún sigue en actividad el maestro ya que luego de varios años volvió a organizar una nueva edición del  Festival de guitarra Crossroads en Texas 2019 y también el 17 de febrero del 2020 organizó el concierto tributo a la memoria del fallecido baterista de Cream “Ginger Baker” en el  Eventim Apollo Hammersmith de Londres y espero que luego de estas vicisitudes siga tocando.

 

 

DAVE GREENFIELD

DAVE GREENFIELD

 

Un 29 de marzo de 1949 nació David Paul Greenfield en la costa sur de la ciudad de Brighton el que fuera el tecladista y quien marcara el sonido del grupo inglés, “The Stranglers” y sería más conocido en el mundo de la música como “Dave Greenfield,”  hombre de pocos palabras y de gran creatividad, que nació con  autismo que no le impidió aprender a tocar la guitarra en su adolescencia y luego estudia teoría musical.

 

Mientras trabajaba en la imprenta de su padre aprendió a tocar el piano de manera autodidacta además de aprender a afinarlos  y empezó a formar parte  de diversas bandas en Alemania y  de regreso en UK como The Initials y The Blue Maxi con los que grabó un single, después estuvo en un par debandas progresiva hasta que audicionó en 1975 para el grupo calificado por la crítica como post punk “The Stranglers” que se había se formado un año y medio antes en 1974 en Guildford  y ocupó el puesto dejado por el tecladista Hans Wärmling.

 

Con la incorporación de Greenfield el grupo empezó a destacar por sus crudas letras y sobre todo por su peculiar sonido debido a la genialidad de Greenfield que utilizaba un órgano  Hammond L-100 y un sintetizador mini Moog que hizo que lo comparasen con Ray Manzarek de The Doors, aunque Dave señaló en diversos medios que sus ídolos e influencias eran Rick Wakeman y Jon Lord, con The Stranglers grabó 17 álbumes, el primero fue el clásico 'Rattus Norvegicus de 1977 y el último Giants del año 2012.

 

Greenfield dejó huella en varios clásicos del grupo como “(Get a) Grip (on yourself)”, "Sometimes”, “Something better change”, 'No more heroes” y sobre todo la canción “Golden brown” del año 1982 cuya melodía fue compuesta por él con una letra del guitarrista Cornwell que trataba sobre la heroína, pero el tema destaca más por el atrapante sonido  del  clavicémbalo (que me recuerda a  la canción “Gold and Silver” del grupo  “Quicksilver Messenger Service (1968)   llegando hasta el puesto segundo de las listas de UK y les hizo ganar el premio  Ivor Novello por composición.

 

Además en 1981 grabó con el bajista del grupo Jean-Jacques Burnel el álbum ‘Fire and Water’ y estuvo más de 45 años en el grupo hasta que en abril del 2020 fue hospitalizado por problemas cardiacos que se complicó al contraer el  COVID-19 para fallecer un domingo 3 de mayo del 2020 a los 71 años.

 

.

RECORDANDO AL VOCALISTA DE LOS PASTELES VERDES “ALDO GUIVOBICH”:

RECORDANDO AL VOCALISTA  DE LOS PASTELES VERDES “ALDO GUIVOBICH”:

 

El que fuera el cantante “Aldo Guivobich” nació en el departamento de Ancash en el Perú un 19 de abril de 1952 y fue la voz representativa de los “Pasteles Verdes”, un grupo chimbotano de música guitarrera melódica y pop que pegó en Sudamérica durante la década de los setentas y que en sus giras  traspasaron  más  allá de las fronteras peruanas.

 

La época de oro del grupo fue con Guivobich y la mayoría de las canciones que los hicieron célebres como “Hipocresía” eran  adaptaciones de  temas nuevaoleros italiano como “Mi amor Imposible”, “Ámame Ámame”, “Sueños de una noche”, “Recuerdos de una noche” entre otros  con la característica de unos riffs guitarreros agudo, luego de dejar la agrupación y radicar en México con una nueva conformación del grupo, años más tarde  Guivobich  falleció un 30 de marzo del 2017.

ANDY THUNDERCLAP NEWMAN:

ANDY THUNDERCLAP NEWMAN:

 

Andy "Thunderclap Newman" nació en el suburbio de Hounslowe un  21 de noviembre de 1942  y fue un pianista de jazz que conoció al guitarrista Pete Towshend (guitarrista y compositor principal de “The Who” en el Ealing Art College a inicios de la década de los  sesenta y que lideró por consejo del letrista principal de “The Who” una  heterogénea banda  que tenía sus apellidos como nombre “Thunderclap Newman”.

 

Este grupo fue creado  por el mismo Towshend creara en 1968 y además los tuviese como protegidos y ayudó a que despegaran y  llegaran a ser  un “One hit Wonder”  con la canción  “Something in the Air” en 1969 (fue parte de la banda sonora de la película “El Cristiano Mágico”(el film protagonizado por Ringo Starr y Peter Sellers), el pianista que era un acérrimo fumador de pipa   realizó su único disco solista llamado “Rainbow” en 1971 y se retiró por años  de la música para volver  en el 2010 con una gira con una nueva conformación de “Thunderclap Newman” y siguió en actividad hasta la fecha de su  fallecimiento un 29 de marzo del 2016 cuando tenía  73 años.

                                                                           

Lo particular de esa banda era la diferencia de edades de sus integrantes entre los treinta años del pianista y los 16 del pequeño guitarrista “Jimmy Mc Cullough” que años más tarde tocara en el grupo Wings de Paul McCartney  y que  muriera prematuramente pocos años después.

CARL ORFF Y” CARMINA BURANA”:

CARL ORFF Y” CARMINA BURANA”:

 

Un 10 de julio de 1895 nace en Múnich el compositor alemán “Carl Orff”  que se hizo célebre por haber sido el creador de  la cantanta “Carmina Burana”  entre 1935 y 1936, usando como inspiración algunos de la recopilación de  cánticos  medievales de curas trotamundos de  los siglos XII  y XII bajo la denominación de  “Carmina Burana o cánticos de Beuern”.

 

Y esta obra se estrenó el  8 de junio de 1937, aunque pueda ser calificada como un cántico que tiene más de sesenta minutos de duración y  cuyo  estreno fue bajo el auspicio del gobierno nazi de Hitler y lo más destacable es  su ya famosa obertura llamada “Oh Fortuna” que aún estremece por su belleza.

 

Me acuerdo aún  la primera vez que la escuché y fue en la película “Excalibur” de John Boorman, luego en la película “The Doors” de Oliver Stone y ahora cuando la escuches recordarás donde fue la primera vez que te estremeció el espíritu, el maestro Orff falleció  un 29 de marzo de 1982.

PERRY FARRELL.

PERRY FARRELL.

 

Peretz Bernstein o más conocido como “Perry Farrell” de padres judíos nació en el barrio de Queens en el estado de Nueva York un 29 de marzo de 1959 y a los tres años pierde a su madre que se suicida y esto lo lleva marcado hasta ahora recordándola en diversas canciones con su irónica y truculenta manera de componer.

 

Desde adolescente se inclina tanto por la tabla de surf y la música y ya en los ochentas forma parte de grupo PSI COM  y en 1985 se separa el grupo, conoce al bajista Eric Avery  y pasa a llamarse Perry Farrell  y ambos fundan “Janes Addiction” junto al guitarrista “Dave Navarro” y el baterista Stephen Perkins ese mismo año  grabando su disco debut en 1987 y cuya primera encarnación luego de dos discos más se separa en 1991.

En 1992 Farrell forma el grupo Porno for Pyros con el baterista de Janes Addiction Stephen Perkins y  Peter DiStefano en guitarra y  Martyn LeNoble en el bajo grabando dos discos  Porno for Pyros y el  Good God's Urge y con esta banda hace una apoteósica presentación en Woodstock 94.

Cabe agregar que Farrell fue uno de los fundadores del Festival de Lollapalooza cuya primera edición se llevó en Chicago Illinois, además ha creado el Kidzapalooza (2005) para los niños y el PurimPalooza (2006) para los judíos y su celebración de Purim.

Ha reunificado “Janes Addiction” más de tres veces y se ha dedicado a los negocios como sus ancestros y  por ejemplo haciendo de Lollapalooza un negocio rentable por el mundo, además de otro que se presenta aún en Las vegas.

Vangelis

“VANGELIS”:

 

El 29 de marzo de 1943 nació en Agria, cerca de la provincia de  Volos en Grecia “Evangelos Odysseas Papathanassiou” que fue criado en Atenas y desde pequeño tuvo inclinación por el piano y se dedicar a la carrera musical por lo que más adelante sería conocido como “Vangelis” el gran  tecladista y compositor que a finales de los sesentas, luego de pasar por diversas agrupaciones  funda el grupo progresivo de Atenas  llamado “Aphrodite's Child” junto  al cantante y bajista  Demis Roussos (que luego tuvo una intensa carrera como solista), el guitarrista Loukas Sidera y  el baterista Anargyros "Silver" Koulouris.

 

Y luego de una intensa actividad la banda  se separó definitivamente en el 1971 luego de haber realizado esa obra maestra de la música llamado 666 basado en el Apocalipsis del apóstol Juan, donde Vangelis da cátedra como tecladista.

 

Luego haría una sobresaliente carrera como músico, haciendo célebres bandas sonoras como la de Carros de fuego (con la que ganó el Oscar de 1981), Blade Runner, 1492: La conquista del Paraíso entre otras y no olvidar sus trabajos con el ex Yes Jon Anderson.

 

¡Todo un maestro de la música!

BOBBY KIMBALL

BOBBY KIMBALL:

 

El que fuera el cantante del grupo “Toto” Robert Troy Kimball  nació en la maternidad de  Orange, Texas un 29 de marzo de 1947 pero se crío  Vinton, Louisiana y desde pequeño tuvo afición por la música tocando la guitarra y el piano y cantaba también desde pequeño canciones de sus ancestros Cajún de New Orleans o algunos viejos clásicos  del Rhythm and blues de forma amateur.

 

Luego de graduarse en la universidad en 1969 empieza a cantar en diversas agrupaciones de Nueva Orleans  y ya en 1974 se va vivir a Los Ángeles, California para consolidar su carrera como cantante  y logra contactar a tres ex integrantes del grupo Three  Dog Night con los que forma la banda  SS Fools y graban un álbum para la CBS Records que fue un fracaso comercial pero siguió adelante en su propósito..

 

Y en 1976 conoce al pianista David Paich y al baterista Jeff Porcaro que le proponen para que audicione para un proyecto con otros músicos de estudio y Kimball se presentó con una composición que había escrito para su hija llamada “You Are The Flower” (que luego fue incluida en el disco debut de Toto) y los impresiona por su gran registro vocal   e ingresa a la banda Toto (el  nombre del grupo tiene varias leyendas urbanas sobre su origen)  como vocalista principal y compositor. 

 

 Y con el grupo graba los discos Toto (1978), Hydra (1979), Turn Back (1980)  y su álbum más exitoso Toto IV (1982) donde están los éxitos Rosanna y África y que  vendió más de 5 millones de copias y que les permitió ganar seis Grammys en una misma noche y Kimball fue la voz característica del grupo, pese a que dos de sus compañeros también cantaban.

 

En 1984 decide abandonar le grupo y vivir en Alemania y hacer su carrera solista bajo el apoyo de Frank Farian pero no le fue bien y en 1998 regresa a Toto con los que graba el álbum  Mindfields y los discos Through the Looking Glass (2002)  y Falling in Between (2006), luego Toto se separa y cuando se reunifica (2010)  Kimball no fue tomado en cuenta.

 

Luego en la última década estuvo en diversos proyectos musicales y giras como la que realizó en el 2012 a Sudamérica donde cantó en Perú, en el 2016 hizo su último disco como solista y en el 2019 tuvo un problema de tocamiento indebido pero no se presentó cargos contra él pero en noviembre del 2019  medios alemanes han informado que se le  diagnosticó demencia.

SUPERTRAMP “BREAKFAST IN AMERICA”:

SUPERTRAMP “BREAKFAST IN AMERICA”:

 

Un 29 de marzo de 1979 el sello discográfico “A&M Records”  lanzó al mercado el disco “Breakfast in America” que sería el álbum más popular y vendido del grupo inglés “Supertramp” que fue número uno en los Billboard 200 de USA  durante seis semanas consecutivas y al año siguiente ganó dos Grammys (incluyendo el premio a disco del año) y los consagra y consolida en USA fue también número uno en diversos países y en UK  llegó hasta el tercer lugar de los charts y vendió más de 18 millones de copias al momento de su edición en todo el mundo.

 

Para el grupo inglés Supertramp, el año 1979 es quizás el de su consagración mundial definitiva porque habían pasado casi dos años de la publicación del álbum  “Even in the Quietest Moments...” y tanto Davis como Hodgson empiezan a crear temas cada vez más personales y este nuevo material  combinó a la perfección  los temas de tendencia progresiva (canciones concebido para una buena e intrincada  instrumentación y combinación de notas)  con los consabidos temas para los 45 rpm, es decir la radio.

 

El disco fue producido por Peter Henderson y  Supertramp  y fue grabado entre los meses de mayo a diciembre de  1978 en los estudios “The Village Recorder” (Estudio B) en Los Angeles, California y tanto Hodgson como Davies firmaron en conjunto los temas pero cada uno cantaba su tema propio y del disco se lanzaron cuatro singles y que iban a ser todos exitosos The Logical Song" Llegó hasta el puesto 6 de los charts),  "Take the Long Way home” (puesto 10), "Goodbye Stranger" (puesto 15) y el tema que da nombre al disco  "Breakfast in  América" que no le fue muy bien en las listas.

 

SOBRE LA PORTADA:

 

El álbum, cuya portada es hecha por el fotógrafo Aaron Rapoport mostraba una vista panorámica de Nueva York, sobre todo Manhattan a través de la ventana de un avión  y se observa en primer plano a una sonriente camarera llamada Libby (interpretada por  actriz estadounidense Kate Murtagh)   que posando como  la  Estatua de la Libertad sostiene en una mano un vaso de jugo de naranja en la otra el menú que dice “Breakfast in America”, Leit motiv del tema principal.

KING CRIMSON “STARLESS AND BIBLE BLACK”

KING CRIMSON “STARLESS AND BIBLE BLACK”

 

Un 29 de marzo de 1974 el sello “Island Records” en UK y el sello Atlantic Records en USA publicaron el sexto disco en estudio del grupo progresivo inglés “King Crimson” llamado “Starless and Bible Black” algo así como “Sin estrellas y la Biblia Negra” que es una combinación  de dos grabaciones en hechas en un estudio de grabación y el resto de temas son actuaciones en directo del ya cuarteto ante la partida del percusionista James Miur.

 

El título del álbum "Starless and Bible Black" lo toman de una obra para la radio escrita por el poeta inglés  cerca de 1930 Dylan Thomas  llamada “Under Milk Wood” y en las dos primeras líneas se encuentra esta frase algo así como: “si tus cielos se han vuelto sin estrellas por nada que verás te obligará de nuevo - y por lo tanto implica que estás manchado de una biblia negra.

 

Luego de la grabación del excelente álbum llamado “Larks’ Tongues in Aspic” el grupo emprendió una gira de promoción del mismo, pero pronto se va el percusionista Miur debido a un accidente en el escenario y posterior auto reclusión en un monasterio y queda un cuarteto conformado por el bajista y vocalista John Wetton, el violinista David Cross, el baterista Bill Bruford y el cerebro y líder, el guitarrista Robert Fripp

 

Las canciones en estudio se grabaron en enero de 1974 en los estudios Air de Londres de George Martin en Londres bajo la producción de la misma banda y las demás canciones fueron  registradas en actuaciones como “We’ll Let You Know “que fue grabada  el teatro Apollo de  Glasgow como  “The Mincer” un Jam grabado  en el auditorio Volkshaus  en  Zürich y que fue modificada en el estudio con la voz de Wetton, y el resto de canciones fueron de una presentación en el  Concertgebouw  de Ámsterdam y las canciones en vivo fueron registradas entre el 23 de octubre al 23  de noviembre de 1973.

 

Entre las canciones del álbum destaca nítidamente  “The Great Deceiver” (El Gran Embaucador)

Con ese riff que parece de trompeta arabesca donde destaca la guitarra Gibson Custom de Fripp la grave voz de Wetton y la demoledora batería de Bruford y la letra quizás es una crítica a “The american way of life” y los instrumentales "Starless and Bible Black” y “Fracture” donde la banda da cátedra de su destreza  grupal de con sus creativas improvisaciones y cambios de ritmo en directo y como muestra este disco.

 

QUICKSILVER MESSENGER SERVICE - WHO DO YOU LOVE

EL WHO DO YOU LOVE SUITE DE QUICKSILVER MESSENGER SERVICE:

 

Who do you love?  Es una ya clásica canción que compuso y grabó el legendario guitarrista y cantante  Bo Diddley en el año 1956 y que a lo largo de los años ha tenido muchas versiones como las de Ronnie “The Hawk”, Hawkins (el mentor de The Band), los Doors, Santana, The Blues Project , George Thorogood entre otros.

 

 Pero creo que  la interpretación más creativa es de lejos la de la banda de San Francisco “Quicksilver Messenger Service” y puede comprobarse en la versión que ocupa todo el lado uno de su segundo disco llamado “Happy Trails” que está dividida en seis intensas secciones que no tan tregua  que se convierte en una suite de más de 25 minutos de duración que fue el plato fuerte de todos sus conciertos hasta su separación en 1975.

Quicksilver Messenger Service Happy Trails

QUICKSILVER MESSENGER SERVICE HAPPY TRAILS”:

 

El 29 de marzo de 1969 el sello “Capitol Records” publicó el segundo álbum de la banda californiana “Quicksilver Messenger Service” llamado “Happy Trails” (Felices caminos) y el título provenía del tema que compuso Dale Evans, la esposa del vaquero Roy Rogers y que cantaban a dúo cada vez que terminaba un episodio de  “The Roy Rogers Show” en la década de los cincuenta.

 

El grupo “Quicksilver Messenger Service” fue creado a fines de 1965 por el cantante y compositor “Dino Valenti” alias Chet Powers que se traslada a San Francisco para tener una banda de apoyo para sus presentaciones pero cuando ya había terminado de reclutar a la gente, Valenti  fue arrestado por posesión de drogas y pasó  más de dos años bajo la  sombra por lo que la gente   enganchado decidió seguir  adelante como grupo y participa como quinteto en el Festival de Monterey en junio de 1967 donde realizan una gran performance son reclutados por un sello y recién publicaron su primer disco homónimo “Quicksilver Messenger Service”   en mayo de 1968 con el cuarteto clásico de Gary Duncan de voz y guitarra, el maestro John Cipollina en guitarra lead, Greg Elmore en la batería y con David Freiberg en el bajo y voz también.

 

El segundo disco se grabó casi todo en vivo  en los auditorios  Fillmore East (Nueva York)   y  Fillmore West  (San Francisco) ambos del promotor Bill Graham y en los estudios  Golden State Recorders a finales de 1968 bajo la misma producción del grupo.

 

El lado “A” es irrepetible y es una grabación del tema Who do you love? que compusiera y grabara el legendario guitarrista y cantante negro Bo Diddley en 1956 y que a lo largo de los años ha tenido muchas versiones como las de Ronnie “The Hawk”, Hawkins, los Doors, Santana, The Blues Project y George Thorogood entre otros y  creo que  la de “Quicksilver”  de “lejos” es la mejor de todas  y que ocupaba todo el lado del disco y la dividieron en seis partes convirtiéndose en una suite de más de 20 minutos de duración que fue el plato fuerte de todos sus conciertos hasta su separación en 1975.

 

El lado “B” hay una versión demencial del tema Mona, también de Bob Diddley más dos temas instrumentales cerrando con la canción “Happy Trails” que da título a uno de los discos más originales de fines de la década de los sesenta.

ARTHUR BIG BOY CRUDUP & “THAT’S ALL RIGHT”:

ARTHUR BIG BOY CRUDUP & “THAT’S ALL RIGHT”:

 

Si bien es cierto que la versión de la canción “That’s All Right” catapultó a la fama al cantante  Elvis Presley luego de publicarse el single un  19 de julio de 1954, el tema pertenece en realidad al cantante y guitarrista negro Arthur "Big Boy" Crudup nacido un 24 de agosto de  1905 nació en Forest, Mississippi, en una familia de trabajadores  de plantaciones sureñas y un bluesman de su pueblo llamado “Papa Harvey”  le enseñó a tocar la guitarra y empezó su carrera musical en la década de los treinta y a inicios de 1940 firma para el sello RCA Records donde graba canciones que compuso como  “ Mean Old 'Frisco Blues", "Who's Been Foolin' You" y sobre todo   "That's All Right” canción con cuyo mencionado cover Elvis Presley se hizo famoso.

 

 Como a veces usaba seudónimos tuvo problemas con las regalías de sus canciones por lo que dejó de grabar a inicios de la década del 50 y se dedicó sólo a  presentaciones en vivo y  falleció debido a complicaciones de su diabetes y corazón en un hospital en Virginia un 28 de mayo de  1974.

 

Esta grabación, la original  fue registrada por RCA records en 1946 casi 10 años antes de la grabación hecha por Elvis en los estudios Sun de Sam Phillips hecha un 5 de julio de 1954.

 

PINK FLOYD “THE DIVISION BELL”:

PINK FLOYD “THE DIVISION BELL”:

 

Un 28 de marzo de 1994 el sello “EMI Records” de UK  publicó el álbum “The Division Bell” del grupo progresivo “Pink Floyd” y que recién el 4 de abril lo hace “Columbia Records” para USA y vendría a ser el  decimocuarto disco en estudio y el segundo de la era Gilmour de Pink Floyd, ya sin la participación del egocéntrico de Roger Waters y el disco llegó a ser número uno tanto en UK  como en USA  y diversos países.

 

Este álbum  que salió como disco compacto en la fecha de su distribución, (más adelante saldría en vinilo) fue un punto de quiebre para el grupo ya que volvieron a la temática conceptual, dejaron de lado la prohibición legal que pesaba sobre Wright y vuelve a aparecer en los créditos como miembro del ahora trío y Gilmour tiene un nuevo socio en la composición, la en ese entonces novia, la escritora Polly Samson quien es la letrista de este disco que trata sobre un tema recurrente que es la comunicación entre los seres humanos, sus relaciones o conflictos derivados de esta  y que indirectamente se refiere a los conflictos legales con el ex miembro Waters que no pudo detener su publicación como obra de Pink Floyd  y mejor pues es el mejor de la  era Gilmour.

 

El disco se empezó a grabar desde enero de 1993 bajo la producción de Gilmour y Bob Ezrin en los estudios  Britannia Row de Londres donde se reunió el trío Gilmour, Wright y Mason donde ensayan  algunas maquetas con el acompañamiento del bajista Guy Pratt que tenía mejor técnica que Waters, luego otros temas se graban la casa flotante de Gilmour en Astoria que tenía un estudio de grabación, los estudios Abbey Road, Metropolis Studios  y The Creek Recording Studios culminando las mezclas en setiembre de 1993.

 

Debido a lo cuidado de su producción  se utilizaron una buena cantidad de músicos para los diversos temas además de algunos arreglos orquestales para un disco que llegó hasta el puesto número uno en UK  y que  tuvo pluralidad de opiniones cuando sale a las ventas, unas favorables, los Waterlovers le dan duro, pero la gira de respaldo de 1995 revalora esta obra que ganó un Grammy por uno de los temas instrumentales que es inmensamente superior a ese bodrio soporífero llamado The Final Cut que no merecía ser el testamento de la banda.

 

LED ZEPPELIN HOUSES OF THE HOLY:

LED ZEPPELIN HOUSES OF THE HOLY:

 

Un 28 de marzo de 1973 el sello  “Atlantic Records” publicó en USA el quinto disco de Led Zeppelin  llamado “Houses of the Holy”, que remitiéndonos a la carátula podría traducirse como “Hogares de lo Sacro  o Sagrado”, el disco fue platino y oro por sus ventas alrededor del mundo llegando al primer lugar tanto en UK como en USA en los Billboard 200.

 

Este álbum fue grabado entre  los meses de diciembre de  1971 a agosto de 1972 entre las pausas de los conciertos en forma paulatina en los estudios Island de Londres, también usando el estudio móvil de  los Rolling Stones (propiedad de Mick Jagger), Stargroves Estate, Hampshire, England  y el Olympic Studios de Londres.

 

 Este disco  vendría a ser un cambio de rumbo referente a los cuatro discos anteriores,  ya que fue el primero que tiene título propio, en que el 100%  delas canciones le pertenecen creativamente a todos los miembros de la banda y por dejar de lado los temas de blues tradicional momentáneamente para abrirse paso a otros estilos como el reggae (D´yer maker) o el funk que le debe demasiado a james Brown (The Crunge).

 

Otro hecho polémico fue la carátula del disco, donde se barajaban dos locaciones para tomar las fotos: Perú, Page había elegido las líneas de nazca y Plant locaciones de Irlanda pero por desgracia se dejó de lado nuestro país debido a la coyuntura política y se escoge la segunda.

 

SOBRE LA CARÁTULA:

 

Esta portadas consta de un collage de fotos que fue elaborada por Aubrey Powell de la empresa Hipgnosis (de Storm Thorgerson, quien le hacía las carátulas a Pink Floyd)  y que está inspira en el final de la novela de  ciencia ficción de Arthur C Clarke´s, “ Childhood End”  (Fin de la Inocencia), donde en la portada y reverso se ve a unos niños subiendo a una montaña (que en realidad eran sólo dos pequeños  en diferentes tomas) y en interior del disco tomado en el Giants Causeway, en el norte de Irlanda  muchos ven una imagen de un supuesto sacrificio humano, quizás el autor intelectual de la idea podría ser Page, pero de que causó controversia lo hizo y el paso del tiempo ha hecho a este disco estar en el puesto 148 de los 500 mejores discos de Rock según la revista Rolling Stone.

SPOOKY TOOTH “SPOOKY TWO”:

SPOOKY TOOTH “SPOOKY TWO”:

 

El álbum “Spooky Two” del que fuera el quinteto inglés “Spooky Tooth”  es ya un clásico de la música y fue publicado más o menos entre el 27 o 28 de marzo de 1969  por el sello “Island Records” (el mismo de Chris Blackwell que también había sellado a Traffic, Free, Cat Stevens, entre otros) en UK  y por “A & M Records” en USA.

 

Es el segundo disco de esta Superbanda inglesa creada por octubre de 1967 de las cenizas del grupo Art y cuya peculiaridad, sobre todo en sus dos magníficos primeros discos, eran los duelos vocales entre sus dos líderes Mike Harrison (vocalista y pianista a la vez ) y el maestro americano Gary Wright en los teclados y voz (además de ser el autor de la mayoría de los temas) completando la agrupación Greg Ridley (futuro Humble Pie en el bajo y voz), Luther Grosvenor (futuro Mott the Hoople en las guitarras) y el granítico Mike Kellie en la batería.

 

 Spooky Two fue producido por el genial innovador neoyorquino Jimmy Miller, (ya fallecido y quien trabajó  los mejores discos de Traffic y que les cambio de estilo en el sonido de los Stones a fines de los sesenta) y fue grabado en los estudios Morgan de Londres a fines de 1968  con la participación de Andy Johns como Ingeniero de sonido.

 

Este álbum puede ser considerado como un clásico de la música progresiva porque en sus casi 38 minutos de duración no tiene pierde en su propuesta, pues  ni presenta alguna canción que podría considerarse de relleno, pues dejando de lado sus influencias neo psicodélicas del álbum debut (muy cercano al estilo de los neoyorquinos Vanilla Fudge), en este disco crean un estilo propio con las bases de un  hard rock más elaborado con la innovación de la alternancia en las voces solistas (notable Feelin’ Bad) y un sonido con marcada tendencia al blues.

 

Para mi opinión es irrepetible, con un sonido particular  que se desprende de la unión creativa de estos cinco músicos (lástima que luego de este disco se vaya casi el 50% del personal original) y ya no pudo despegar más la banda.

 

Con influencias del blues, folk, progresivo a gran escala, dejará clásicos del rock  como el temón “Evil woman”, donde en su más de nueve minutos de duración se intercambian las voces, cada vez más desgarradoras de Wright y Harrison, la balada más conocida "That Was Only Yesterday" mención aparte para Feelin’ Bad y su magnífico final coral, además de las guitarras y fustón del Hangman “Hang My Shell on a Tree”, donde está básicamente estructurado el sonido de Spooky Tooth, por ello este disco está más vigente que nunca.