ROGER GLOVER:

ROGER GLOVER:

 

El bajista de Deep Purple Roger David Glover nació en Brecon Gales un 30 de noviembre de 1945 y desde temprana edad se dedicó a la música como guitarrista pero al  formar parte de Episode Six cambia al bajo además de componer la mayoría de temas y hacerse amigo del vocalista del grupo llamado Ian Gillan. 

 

Cuando el guitarrista Ritchie Blackmore quiso cambiar el giro progresivo de Deep Purple (en los tiempos  en que la hegemonía  musical la tenía Lord) hacia la  nueva tendencia musical dominante a finales de los sesentas que  era el  “hard rock” y por ello tomó la decisión de  prescindir del vocalista Rod Evans porque estaba impresionado por el cantante del grupo pop psicodélico “Episode Six” llamado Ian Gillan (según cuenta años después al verlo parecido a Jim Morrison y su alto timbre de voz) y al ser reclutado pidió que también contraten a su amigo y compañero de grupo llamado Roger Glover.

 

Por ello los integrantes de Deep Purple  tomaron la decisión de despedir al también bajista  Nick Simper (quien fuera compañero de  Jon Lord en The Flower Pot Men  y en el documental Deep Purple “In his Own Words” aún Simper recuerda de la falta de sinceridad de Lord por no haberle dado la cara luego de su despido porque quien creía su amigo) y contratar a Glover, amigo de Gillan  en su reemplazo.

 

Bueno la historia siguió Glover se complementó bien a la banda y demostró ser además un buen bajista y productor  que con idas y venidas a Deep el ex hippie y “conciliador” Glover sigue aún como bajista de la banda, además de haber sido parte de Rainbow entre 1979 a 1984 y producir diversos grupos y grabar como solista cinco proyectos musicales independientes.

EL GRAN BILLY IDOL:

EL GRAN BILLY IDOL:

 

Nacido en Stanmore, Middlesex, UK con el nombre de William “Michael Albert Broad”  un 30 de noviembre de 1955 será más conocido en el mundo de la música como  Billy Idol, quien empezó en el grupo punk “Generación X” a mediados de los setentas en esa oleada de jóvenes antisistema que con el paso del tiempo se acomodaron burguesamente,

 

Pero como muchos no son profetas en su tierra  llegó  al estrellato en los 80s sobre todo fuera de las fronteras de su Isla en USA donde conoce al guitarrista Steve Stevens con quien coescribe la mayoría de sus canciones que fueron éxito en las listas y hasta la fecha  con idas y venidas aún  se encuentra en actividad en la música, la actuación  y como ciudadano oficial de USA.

CHERIE CURRIE Y LAS RUNAWAYS:

CHERIE CURRIE Y LAS  RUNAWAYS:

 

La cantante y actriz Cherie Ann Currie nació en Encino California un 30 de noviembre de 1959, tiene una hermana gemela y es hija de banquero y actriz de cine por eso que no sorprendió que aún no hubiera cumplido los 16 años  cuando  en 1975 se unió a un  proyecto musical que consistía en un grupo musical constituido por 5 muchachas casi adolescentes que iban a cantar y tocar ellas mismas sus instrumentos.

 

Las Runaways fue ese proyecto de banda femenina creado por el controvertido productor y músico Kim Fowley donde el núcleo central estaba conformado por la vocalista Cherie Currie y la guitarrista Joan Jett (el cerebro de la banda) la baterista Sandy West (la más joven), luego se completó la banda con una bajista y la particularidad es que todas ellas adolescentes  y con el paso del tiempo demostraron que no era una banda plástica sino un buen grupo musical donde tenían buenas instrumentistas como Lita Ford en la guitarra solista y que en los ochentas destacara en el heavy metal como cantante.

PINK FLOYD “THE WALL”:

PINK FLOYD “THE WALL”:

 

Un 30 de noviembre de 1979  la filial progresiva de la EMI, “Harvest Records”  publicó en UK (CBS Columbia lo hará en USA) el doble disco de “Pink Floyd” llamado  “The Wall” (la Pared) donde por última vez participaron los cuatro miembros originales de la banda, aunque Wright estaba como músico asalariado (sin contar a Barrett, que desde hacía ya muchos años había sido expectorado de la banda y estaba en el sueño de los justos) y el álbum llegó hasta el número uno en USA y otros países, mientras que en UK  llegó hasta el puesto tercero.

 

El disco The Wall de Pink Floyd se inicia con parte de una idea y un material inicialmente trabajado en octubre de 78 por Waters y nace luego de un conflicto que tuvo en un concierto en Montreal con un fan y comenzó a fantasear con la idea de construir un muro entre el escenario y la audiencia, lo que llevó posteriormente a la creación de este disco que se convertiría en el más alabado de Pink Floyd por la crítica

 

Luego a inicios de 1979 Waters  presentó a la banda dos ideas, la ya descrita y otra que fue rechazada y fue el posterior material de su primer disco como solista y el disco se empieza a grabar con plazos establecidos  entre los meses de abril a noviembre de 1979 en estudios de grabación de Francia y USA respectivamente y fue producido por el canadiense Bob Ezrin (el que trabajaba con Kiss y además era músico profesional que aportó muchas de sus ideas al proyecto), David Gilmour y Roger Waters y coproducido por James Guthrie.

 

 Fue publicado en esta fecha presentando en temas entrelazados el auge, caída y locura dl alter ego de Waters y Syd Barrett, insania solo derrumbando el muro que lo aísla del exterior puede logar su auto redención.

 

Cabe mencionar que la participación de Rick Wright en el proyecto fue casi nulo ya que en el ínterin de la grabación se le comunicó por intermedio de Steve O' Rourke (manager de la banda) que ya no formaba parte de Pink Floyd (muchos de los teclados fueron tocados por el productor y músicos de sesión), por eso en la gira de promoción del año siguiente participó sólo como músico de asalariado y lo paradójico es que no corrió con las deudas que ocasionó a los integrantes del grupo la gira.

 

Cabe agregar que los dibujos interiores y el diseño de la carátula estuvo a cargo del connotado caricaturista Gerald Scarfe quien  está casado con la ex de Paul McCartney , la actriz Jane Asher y que realizara unos icónicos dibujos que fueron material indispensable en la película que se realizó sobre el álbum casi dos años después.

 

Confortably Numb colaboración de Gilmour (la base instrumental sobre un tema inconcluso)  y Waters (la letra) es quizás la mejor canción del disco.

 

SHUGGIE OTIS Y SU “SWEET THANG”

SHUGGIE OTIS Y SU “SWEET THANG”.

 

Johnny Alexander Veliotes, Jr., más conocido en el mundo de la música como “Shuggie Otis” nació en Los Angeles un 30 de noviembre de 1953  y fue hijo del empresario musical  y pianista de origen griego, Johnny Otis, conocido  como el "Godfather of Rhythm and Blues", por su impulso a la carrera de muchos músicos negros de la forma en que viese conveniente a sus intereses.

 

 Su pequeño “Shuggie” fue otro  de los  llamados “niños prodigios de la música”, y realmente lo fue pero fue infravalorado en su tiempo pero  demostró un gran talento para la guitarra y otros instrumentos (recomiendo el lp que grabó con Al Kooper “Kooper Session en 1970” y tan sólo tenía quince años), aquí un ejemplo de su técnica con las cuerdas en este tema  “Sweet Thang"  grabado en 1971 y coescrito con su padre  que luego de años formara parte de la banda sonora del film “Dallas Buyers Club”.

 

Y aún sigue en actividad con la calidad de siempre.

MOTORHEAD & “I AM THE SWORD”:

MOTORHEAD & “I AM THE SWORD”:

 

Esta canción es del disco “Bastards” que fue publicado un 29 de noviembre de 1993 por la que era la nueva encarnación de  Motörhead con el ya inmortal Lemmy en el bajo, Phill Campbell y  Würzel a las guitarras y Mickey Dee a la batería.

 

Fue  el primero disco producido por Howard Benson (Un buen productor hace notar la diferencia caso George Martin y los Beatles) y la banda  volvió  a los sonidos de  sus orígenes y Lemmy canta como nunca  con ese  fuerte estruendo en los instrumentos  y letras con contenido contundente y crítico, aquí una perla: "I Am the Sword"-

SEE DE LOS “RASCALS”:

SEE DE LOS  “RASCALS”:

 

Los Rascals, liderados y fundados en 1965 por el tecladista, vocalista y compositor de Nueva York Felix Cavaliere  anteriormente se hacían llamar “The Young Rascals” y en sus inicios practicaban un soul blanco que gustaba bastante y entre sus admiradores se encontraba Paul McCartney quizás los temas más famoso del  cuarteto de Nueva Jersey fueron  Groovin´, Good Love  y en menor medida Mustang Sally de fuerte sonido rockero.

 

Pero, quizás uno de las mejores composiciones de la etapa que se podría considerar experimenta de la banda,  fue un sencillo publicado  y extraído del disco del mismo nombre “SEE”  y aunque no fue recibido en su época como sus canciones anteriores, el tiempo le ha dado el valor que merece,  editado en diciembre de 1969 y sigue cautivando con su magia.

RECORDANDO AL GRAN ARTURO “ZAMBO” CAVERO:

RECORDANDO AL GRAN ARTURO “ZAMBO” CAVERO:

 

El fabuloso cantante de música criolla, Arturo el “Zambo Cavero” nació en los movidos Barrios Altos, cuna del criollismo limeño  un 29 de noviembre de 1940 y desde joven destacó por su portentosa voz y tocar como los dioses el cajón, que ahora le llaman “cajón peruano” y además fue profesor de profesión difundiendo nuestra música y cuando hizo dupla con el maestro guitarrista óscar Avilés la música, sobre todo las compuestas por Polo Campos trascendieron  la  barrera del tiempo  por una septicemia que se le complico, debido a la diabetes y su obesidad  falleció en el hospital un  9 de octubre del 2009, hace algunos años.

 

Y si hubiese nacido en USA, UK  u otro país del continente  estaría en el podio más alto de aquellas voces bluesera de todos los tiempos que estremecen y escucharlo es una forma de tenerlo presente.

 

¡Aquí haciendo dupla de oro con el maestro Oscar Avilés ambos hoy ya en la gloria!

Almendra - Color Humano (OfficiALMENDRA Y LA EPOPEYA LLAMADA “COLOR HUMANO".al Audio)

ALMENDRA Y LA EPOPEYA LLAMADA “COLOR HUMANO".

 

De acuerdo a diversas fuentes, la fecha de publicación del disco debut del grupo argentino Almendra, uno de los primeros en su país en cantar rock en castellano  fue un 29 de noviembre de 1969 a tevés del sello  RCA Víctor.

 

Y si hay un “solo de guitarra del rock sudamericano” que me impactara desde la primera vez que lo  escuchara y mi opinión no ha cambiado al paso de los años, sigue siendo mi preferido, es el de este tema que es el de mayor extensión del disco debut de la banda de rock argentino  “Almendra” conformada por Spinetta, Molinari, Del Guercio y García (1969).

 

Y  fue casi el único que compuso para ese disco el guitarrista principal  Edelmiro Molinari (la mayoría de las canciones del disco fueron firmados por el cantante, guitarrista y líder de la banda, Luis  Alberto Spinetta y que es el segundo surco del lp con una duración de un poco más de nueve minutos que pasó a la historia  por ese solo de guitarra eléctrica ejecutado con sentimiento por  Molinari con más  5 minutos de duración, que lo hace un clásico del rock pesado.

 

La estructura del tema es el siguiente, comienza con un ligero riff  de Molinari  dando paso a una distorsión eléctrica y luego a una secuencia de cuatro acordes (si menor-mi mayor-fa sostenido mayor-do mayor), a cargo de Spinetta, de forma repetitiva a lo largo del tema que solo es interrumpido por un breve estribillo seguido  por el extenso solo de Molinari que culmina con otra parte cantada que  cuestiona la naturaleza humana en los siguientes breves versos:

 

 Beso mares de algodón

Sin mareas, suaves son

Sublimándonos, despertándonos

Somos seres humanos

Sin saber lo que es hoy

un ser humano

Vida y sangre sin ardor

No hace falta, hay calor

No miremos hoy, descansemos hoy

Vemos todos colores

Sin saber lo que es hoy un color.

 

El título de este temón más adelante sería utilizado para denominar a la banda de rock “Color Humano”, creada por Molinari, luego de la separación de Almendra en 1970 y liderada por el mismo Edelmiro Molinari, pero ya es otra historia.

FELIX CAVALIERE:

FELIX CAVALIERE:

 

El músico Felix Cavalieri  nació en Pelhan, Nueva York en el seno de una familia de origen italiana  un 29 de noviembre de 1942 y a petición de su madre empezó a estudiar el piano desde los seis años y a los 14 años cuando ella fallece ya era todo  un  músico profesional formando parte del grupo The Stereos en los sesentas, luego estuvo brevemente en el grupo   Joey Dee and the Starliters donde se hace amigo del cantante Eddie  Brigati y el guitarrista canadiense Gene Cornish y cuando conocen al baterista Dino Danelli (que tenía una técnica insuperable) deciden en 1965 formar un grupo de rhythm and blues  y soul  que lo llamarían  “The Young Rascals”.

 

El nombre del grupo es en homenaje a  “The Little Rascals” esas seriales  de televisión de la década de los 30 y 40 y en sus primeras presentaciones se vestían a la usanza de esos pequeños traviesos y en marzo de 1966 graban su primer homónimo álbum que está lleno de covers donde Brigati y Cavalieri se turnaban la voz solista y dejaban a Cornish un par de canciones para que cante y una característica del grupo era el  sonido del Hammond B-3 organ que Cavalieri tocaba como los dioses y el tema que los hizo famosos fue el “Good Lovin'" que  cantaba Cavalieri  y llegó a ser número uno , luego vino el disco Collections (enero 1967) donde Brigati y Cavalieri componían casi todos los temas  y paralelamente lanzaron el single “You Better Run” también a su cargo en la voz y su tercer disco Groovin de julio de 1967 los hace famosos en ambas costas y el single del mismo nombre fue otro número uno.

 

Luego de ese disco acortan el nombre de la banda como “The Rascals como aparece en el cuarto disco del grupo “Once Upon a Dream” (enero de 1968)  que el paso del tiempo ha establecido como su mejor obra pero no le fue tan bien en su tiempo, quizás por dejar el lado el soul y concentrarse en los arreglos orquestales y los coros donde participó también el hermano de Eddie Brigati, en 1969 lanzan el disco doble y conceptual “Freedom Suite”  donde se encuentra el éxito “ People Got to Be Free" y en  diciembre de ese año  lanzan el incomprendido disco See (que es excelente) y en 1971 publican Search and Nearnessel último disco del cuarteto original.

 

Luego Cavalieri asume el liderazgo del grupo y lanzan Peaceful World (mayo 1971) y  The Island of Real (1972) sin Brigati ni Cornish y ante las pocas ventas el grupo se disuelve, luego de actuaciones en directo lanza el disco   Treasure (1977),lanza en  1980 un single como solista llamado "Only a Lonely Heart Sees" sin mucha repercusión y hasta el 2010 ha publicado más de cinco álbumes donde mantiene su estilo y magia en los teclados y también estuvo con los All Stars de Ringo y en el 2012 reunificó a los miembros originales de The Rascals para una pequeña gira y aún sigue en actividad este grande de la música.

 

DEDICADO A “DENNY DOHERTY

DEDICADO A “DENNY DOHERTY”:

 

Recordando al gran vocalista llamado Dennis Gerard Stephen Doherty, más conocido como “Denny Doherty” nacido en  Canadá un 29 de noviembre de 1940 e inicia su carrera musical con un grupo vocal llamado “The Hepsters”, luego estuvo con el grupo Folk The Hallifax 3  con quienes graba dos discos a inicios de los sesentas.

 

 En 1963 conoce a la adiposa cantante Cass Elliott (futura Mama Cass) quedando ella prendada de él y con el futuro Loving Spoonful  Zal Yanovsky forman un efímero grupo  y luego de una itinerante periplo por USA en 1965 conoce al guitarrista, cantante y compositor  John Phillips y a su esposa Michelle que formaban el trío “The Journeymen” y al cancelarlo  estaban buscando gente para una nueva agrupación vocal y al reclutarlo él les sugiere agregar a Cass Elliott y la unión  de los cuatro son el núcleo del grupo the Mamas and the Papas.

 

Este grupo fueron los primeros símbolos del hippismo de los sesentas con su tema California Dreamin´y la voz tenor de Doherty es patente en el tema “Monday Monday”  ambos éxitos alrededor del mundo  y el  momento de gloria del grupo fue el Festival de Monterey que organizara  John Phillips junto al productor Lou Adler en junio de 1967 donde su banda cierra el festival de la referencia, pero luego que Doherty arrasara con las dos mujeres de la banda y el grupo se disuelve a inicios de los 70s, para tener una intermitente carrera como solista  para fallecer de insuficiencia renal un 19 de enero de 2007.

RECORDANDO AL PADRINO DEL BLUES DE UK: JOHN MAYALL:

RECORDANDO AL PADRINO DEL BLUES DE UK: JOHN MAYALL:

 

El padrino del blues inglés  “John Mayall” nació en Macclesfield, Cheshire un 29 de noviembre de 1933  en Macclesfield, Cheshire y  fue hijo del guitarrista de jazz Murray Mayall, quien le inculcó su amor por la música y da de adolescente empezó a gustar de pioneros del blues de USA  como  Leadbelly, Albert Ammons, entre otros  y   además empieza a tocar  la armónica, órgano y guitarra y es considerado uno de los precursores  del blues inglés junto a otro grade como Alexis Korner.

 

Luego de estar tres años en Corea por su Servicio militar estudió diseño gráfico en Manchester   pero sin dejar de   lado la música y ya en  1955 crea con su compañero de universidad  Peter Ward su  primer grupo llamado  “The Powerhouse Four” donde cantaba  y además tocaba las  guitarras y el teclado, luego forma parte del Sexteto “Blues Syndicate” donde uno de los integrantes era el baterista Hughie Flint.

 

En 1963 aconsejado por Alexis Korner decide mudarse a Londres para dedicarse profesionalmente a la música y crea su más famosa banda: “The Bluesbreakers”, que se inicia por ese mismo año  y fue prácticamente el maestro de un  semillero de futuras estrellas de la música  como Eric Clapton, Peter Green, Mick Taylor, John McVie, Andy Fraser. Hughie Flint,  entre otros.

 

En los setentas se muda a Laurel Canyon en California, USA dando su música un giro hacia nuevos sonidos como el jazz y tocando con músicos de la región  por los ochentas resucita a los Bluesbreakers y esporádicamente ha seguido grabando y haciendo presentaciones en vivo, este maestro que aún sigue dando batalla  y publicando aún nuevos discos demostrando su creatividad y vitalidad.

 

George Harrison - What is life (lyrics)

EN RECUERDO DEL MAESTRO “GEORGE HARRISON”:

 

Un 24 de febrero de 1943 (y no el “25 de febrero” como erróneamente señala su partida de nacimiento) a las 11:42 horas de la noche (además lo confirmó  George Harrison en una entrevista a la revista Billboard en 1993 donde señala que al conseguir una copia de su  registro médico de nacimiento aparece la real hora y fecha de su nacimiento y además lo señala el libro de Barry Miles y otros recientes biógrafos) en el barrio de Arnold Grove, en el puerto de Liverpool, Inglaterra, nace el menor de los Beatles, el maestro “GEORGE HARRISON”  que también fue el menor y cuarto hijo del matrimonio de clase trabajadora formado por Harold Harrison y Louise French, pero como fue registrado al día siguiente y su padre no se acordaba bien las horas y nunca se objetó ante los registros, quedó como fecha oficial de su nacimiento por la partida el día 25 de febrero de 1943.

 

A George Harrison un “cáncer maldito”  se lo llevó tempranamente a la edad de  58 años un nefasto 29 de noviembre del 2001 a la una y treinta horas de la madrugada en la residencia de USA en los Angeles California del ex beatle Paul y a su lado se encontraban su  esposa Olivia y su hijo Dhani que cumplieron horas después su último deseo  “Que luego que lo cremen  sus cenizas sean esparcidas  en el río Yamuna en la India y así se hizo”.

 

El mérito de George es que de un ser humano que estuvo siempre en constante crecimiento, tanto como músico, como autor y como ser humano sobre todo en el plano espiritual y práctico, así  si uno repasa su interesante biografía y discografía  desde sus tímidos inicios con los "BEATLES" hasta el final de su carrera comprobará que se convirtió en un maestro de la guitarra slide y  que ningún tema que compuso pueda calificarse intrascendente, pues todas sus canciones son de una calidad extraordinaria que el tiempo ha hecho justicia al darle el lugar que les corresponde.

 

Harrison sin poses ni egoísmos de por medio demostró su calidad como músico con el paso de los años y a base de esfuerzo logró crear grandes canciones con los Fab four, sobresaliendo del monopolio creativo que ejercían Lennon y Mc McCartney en la repartición de canciones por disco.

Comenzando los 70s realizó el triple Long play solista ALL THINGS MUST PASS" que sobresalió en calidad sobre los que editaron en esa época sus ex compañeros.

 

En la década de los 80s formó parte de  una Superbanda de íconos de la música los  "TRAVELLING WILBURYS", quedando registrados dos discos históricos que han sabido resistir el paso del tiempo. Además sobresalió en el mundo del automovilismo y cinematografía financiando algunas películas y sobre todo la aclamada comedia “Life of Brian” de los Monty Phyton" y  otros proyectos independientes que colaboró.

 

De acuerdo al documental “Living in the material World” de Martin Scorsese, Harrison  se estuvo preparando largo tiempo  espiritualmente para abandonar esta dimensión por sus enorme fe en la religión hinduista, donde practicó la meditación que le dio esa paz que irradiaba pero que no le eximía de esa humanidad donde manejaba a perfección el sarcasmo y siendo “tan pasional y carnal como cualquier ser humano” pero con dosis de la espiritualidad que  profesara y que lo condujo para abandonar esta dimensión y por ello donde esté  una oración para el " maestro".

LOS BEATLES GRABAN EL TEMA CHRISTMAS TIME (IS HERE AGAIN):

LOS BEATLES GRABAN EL TEMA CHRISTMAS TIME (IS HERE AGAIN):

 

La canción “Christmas time (is here again)” fue el quinto disco navideño que los Beatles realizaron para su “Fan Club” y  fue grabado bajo la producción del maestro  George Martin teniendo a Geoff Emerick como Ingeniero de Sonido en el estudio 3 de la  EMI situados en  Abbey Road el 28 de noviembre de 1967.

 

El tema que dura originalmente seis minutos con treinta y seis minutos tiene como compositores a los cuatro Beatles y fue grabado en una sola toma, teniendo a Paul McCartney en el piano, George Harrison  a la guitarra acústica, Ringo Starr en la batería y John Lennon usando el  bombo, luego los cuatro agregan las voces repitiendo el estribillo “Christmas time is here again” como nueve veces   y además Ringo  agrega su voz repitiendo  "O-U-T spells 'out'" terminando de forma instrumental y el saludo final de los Beatles deseando a sus fans Una feliz navidad y además fue el último disco navideño que harían para sus fans,

Jefferson Airplane - We Can Be Together

JEFFERSON AIRPLANE & VOLUNTEERS:

 

Según unas fuentes  el 28 de noviembre de  1969 (otras señalan en 22 de noviembre) el sello “RCA Victor” publica el sexto álbum del grupo hippie y psicodélico por excelencia “Jefferson Airplane” llamado “Volunteers”  (Voluntarios)  y pese a todos los reparos por su tinte político y contestatario  el álbum recibió un disco de oro al poco tiempo de ser lanzado por sus buenas ventas llegando al puestos 13 de los Billboard 200 de los charts de USA.

 

La temática del álbum era casi totalmente política antibélica y sobre todo anti  Nixon y el  título original del disco era “Volunteers of Amerikkka” (la triple k en alusión al Ku klux Clan) y la inspiración de título provenía de un camión de basura de propiedad de “Volunteers of America” una especie de ejército de salvación que pasaban por la ciudad y Balin al ver su “logo se inspiró para la canción y posterior título del album y  para no tener problemas posteriores legales con ese grupo y el Ku klux Klan de la triple k  suprimieron el “Of Amerikkka”.

 

Volunteers fue el  vinilo  de más larga duración del grupo, cerca de 44 minutos de pura música que fuera  grabado en los estudios Wally Heider de San Francisco (California) entre el 28 de marzo al 12 de junio de 1969 bajo la producción de su gurú y amigo “Al Schmitt” y fue uno de los primeros álbumes en ser registrados en una consola de 16 pistas y contó con la colaboración de músicos adicionales que enriquecieron el sonido de las canciones como Jerry García y David Crosby en guitarras(además amigos de la banda), Nicky Hopkins, Stephen Stills, las Ace of Cup en coros, Joey Covington en congas (que reemplazaría a Dryden poco después como  baterista).

 

La publicación se vio envuelta en una cierta controversia debido a los mensajes antibelicistas de sus letras coincidiendo con las masivas protestas contra la guerra de Vietnam que había creado una brecha generacional entre los jóvenes en contra de la guerra y los mayores a favor de esa innecesaria invasión.

 

El sello RCA Records que distribuía los discos de Jefferson Airplane  para no tener problemas con el establishment censuró algunas expresiones que se consideraron ofensivas como  la frase “Up Against the Wall, Motherfuckers” (es decir “contra la pared hijo de puta”, frase con que la policía reprimía tanto a delincuentes como cualquier ciudadano que alzaba su voz de protesta) y que aparecía  en el tema  de Kantner “We Can Be Together” pero la compañía hizo que el Motherfuckers se cambiara por el nombre “Fred”.

 

También hubo censura en la canción de Grace Slick & Kantner “Eskimo Blue Day” donde la letra original decía la frase “Doesn't mean shit” ( me importa una mierda) que cambiaron por  tree” (árbol) , pero pese a todo el disco ha pasado la prueba del tiempo y más en los momentos en que vivimos, es el disco más maduro tanto en letras como melodía, Kaukonen muestra su maestría en Good Shepherd y Casady y Dryden están imparables como la base rítmica del grupo y como referencia la revista Rolling Stone lo sitúa en el  lugar 370 en la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

 

SOBRE LA PORTADA DEL ÁLBUM.

La ya icónica e irónica foto de la portada  del álbum no es del año de 1969 fecha en que fue grabado el Volunteers sino corresponde a mediados de 967 donde la banda  estaba disfrazada para el rodaje de la película promocional para el single  "Martha" que formara además parte del álbum “After Bathing At Baxter’s”:

Prelude Nothin To Hide

SPIRIT & LOS DOCE SUEÑOS DEL DOCTOR SARDÓNICO:

 

Un 27 de noviembre de 1970 (otras fuentes señalaban el 7 de noviembre  de 1970), el sello Epic Records de California publicó el cuarto disco del ecléctico y gran quinteto de los Angeles, el grupo “Spirit” llamado “Twelve Dreams of Dr. Sardonicus” (o los 12 sueños de Dr. Sarcástico) que con el paso del tiempo ha sido considerado como uno de los mejores álbumes de la historia de la música rock y que en la época de su lanzamiento sólo llegó hasta el puesto 63 de la Billboard 200 de su país.

 

La banda Spirit eran  originarios de Los Angeles, California y pasará a la historia de la música, como un grupo de culto, aquel que adquirió  fans más por el “boca a boca” que por la difusión radial y ahora con el paso de los años ha tenido cierta fama por el proceso que los herederos del guitarrista Randy California siguieron a Page y Plant por el plagio de “Stairway to Heaven”.

 

Es quizás la banda más copiada e ignorada, que estaba  formado por el vocalista Jay Ferguson, el bajista Marc Andes, el tecladista John Locke, el que fuera “niño prodigio de la guitarra y vocalista "Randy California" (ya desaparecido y su leyenda señala que tocó la guitarra a los quince años en la banda del no menos célebre Jimi Hendrix) y su padrastro el desaparecido baterista de formación jazzística Ed Casady que publicaron en el lapso de dos años cuatro discos fundamentales para los amantes de la buena música y del contenido de éstos se nutrieron diversas bandas que sí tuvieron éxito masivo que no pudo alcanzar Spirit.

 

Cuando se lanza al mercado esta maravilla musical no tuvo mucha repercusión favorable por parte del público y la crítica provocando la separación del grupo e  irónicamente  el  paso de los años le ha hecho justicia y hoy es considerado como su obra maestra y uno de los 500 mejores LPS de la historia, además  es el disco póstumo de su primera formación, el clásico quinteto  conformado por  Randy California (guitarra y voz) nacido el 20 de febrero de 1951, Mark Andes (al bajo), Jay Ferguson (en la voz principal y percusión), el  padrastro de Randy el pelado  Ed Cassidy más conocido como MR. SKIN, (a la batería), y el tecladista John Locke.

 

La particularidad de este disco que demoró más de un año para su elaboración debido a un accidente que sufrió el guitarrista Randy California  fue producido por David Briggs entre los meses de abril a octubre de 1970 y quien estaba en la cresta de la ola por sus colaboraciones con Neil Young, desgraciadamente no le fue bien en  las listas de álbumes de USA, lo cual generó la crisis de los muchachos que terminan abruptamente esta primera encarnación  del grupo , hoy considerada de gran creatividad, hay canciones emblemáticas como "Prelude -  Nothin' to Hide" “Nature´s Way”, “Mr. Skin”, “Morning will come”, “Animal Zoo” entre otras.

 

FUCK IT!

Elton John & John Lennon - Whatever Gets You Thru The Night (Live at Mad...

JOHN LENNON, EL CONCIERTO DE ELTON JOHN & “WHATEVER GETS YOU THROUGH THE NIGHT”:

 

El tema “Whatever Gets You Through the Night” fue el primer single del quinto disco solista de John Lennon llamado Walls and Bridges que fue publicado en USA el 23 de setiembre de 1974 y el 4 de octubre de 1974  en Uk y que tuvo como lado B la canción Beef Jerky.

 

El título de la canción se debe a la televisión, ya que como cuenta en May Pang en el 2005 es que a Lennon le encantaba estar con el televisor prendido y hacer zapping siempre  estaba con un lápiz y papel a la mano y así cuando se detiene en un canal religioso ve a un famoso evangelista negro “Reverendo Ike”, que decía a su feligreses: “Permítanme contarles a ustedes chicos, no importa, qué es lo que obtienes a través de la noche…” (Whatever Gets You Through the Night) a Lennon le impactó  la frase apuntándola de inmediato  y al día siguiente escribir esta famosa canción.

 

Lo interesante del tema es que fue su único  single que llegó el número uno en las listas de Billboard de USA estando en vida  y en la grabación del mismo participa en  los coros y piano el músico “Elton John”  y  culminada la grabación, Lennon le confesó a John que  temía que el tema no tuviese éxito pero el pianista le apostó que si llegara a ser número uno debería  aparecer en un concierto que brinde y  le ganó a Lennon  porque el 16 de noviembre de 1974 llegó al número uno y Lennon aparecería por última vez ante el público en el concierto de Elton John ofrecido en el Madison Square Garden del 28 de noviembre de 1974.

 

El 28 de noviembre John Lennon tuvo que actuar en vivo con Elton John, cumpliendo con la promesa que le había hecho a Elton que aparecería en el escenario con él si  es que el single "Whatever Gets You Through the Night" llegara al número uno  en las listas y así lo hizo y tocaron  tres canciones en el concierto de “Acción de Gracias de Elton John en el Madison Square Garden: "Whatever Gets you Through the Night", "Lucy in the Sky With Diamonds" y "I Saw Her Standing There” y en este concierto "Yoko, que aún estaba separada de John, se encontraba  en la audiencia y  de acuerdo al libro de May Pang John le había conseguido las entradas y luego ambos  se encuentran entre bastidores después del concierto, comenzando el proceso que resultará en su eventual reconciliación.

Rory Gallagher - I'm Not Awake Yet.wmv

DEUCE, EL SEGUNDO DE  “RORY GALLAGHER”:

 

Un 28 de noviembre de 1971 el sello Polydor Records  publica en UK el  segundo disco  en estudio del guitarrista y cantante  irlandés Rory Gallagher llamado “Deuce” y nuevamente recurre a un Power trío para la intención de lograr el sonido parecido a una presentación en directo y aunque el disco es de gran calidad recibió tibia crítica en su época de lanzamiento y sólo llegó hasta el puesto 39 de los charts de UK.

 

Este genio de la guitarra y que además tenía una gran voz, nació un 2 de marzo de 1948 en Ballyshannon, Irlanda  y falleció los 47 años un 14 de junio de 1995, inicia su carrera musical  desde que formara su primer grupo a la edad de 15 años,  con su inseparable Fender despintada que lo acompañaría en toda su carrera, pero fue después, con el trío de rythm'n blues Taste que adquirió celebridad fuera de las fronteras su natal Irlanda, principalmente después del disco On the boards (1970) y su portentosa actuación en el festival de la isla de Wight.

                                                  

Al quedarle pequeño el grupo Taste decide iniciar una carrera como solista a inicios  de la década de los  70s y que fueran  sus años más prolíficos en cuanto a la elaboración de discos y actuaciones en conciertos con su trío y cuarteto respectivamente.

 

Este disco se grabó a mediados del año 1971 bajo la producción del mismo Gallagher en los estudios Tangerine en Dalston, Londres, donde persistió con la fórmula del Power trio, es decir él en las guitarras y voces,  Gerry McAvoy en el bajo y Wilgar Campbell en las batería siendo producido por el mismo Rory que busca que dé la impresión en el oyente como si fuera un disco en vivo y lo logra, pues es directo el sonido.

 

Un dato interesante es que el experimentado Mick Rock tomó la foto de la portada y uno de los mejores temas de este disco es "I'm Not Awake Yet”, una hermosa balada folk con guitarras acústicas, donde sobresale la hermosa voz de Rory. "

RECORDANDO A TINA TURNER:

RECORDANDO A TINA TURNER:

 

El 26 de noviembre de 1939 nace con el nombre de Anna Mae Bullock, en el pueblo de Nutbush, Tennessee, USA, cantante quien sería conocida en el mundo de la música como “Tina Turner”, hoy de nacionalidad suiza, ciudad en la que  reside actualmente con su  esposo de esa nacionalidad.

 

Que no la tuvo fácil en la vida es un hecho, hija de Selma Currie y de Floyd Richard Bullock y tuvo una hermana mayor, Ruby Aillene que se separaron y vivió con su abuela, fue empleada doméstica, al morir la abuela volvió a vivir en St. Louis con su madre empezó a estudiar enfermería pero le gustaba frecuentar los clubs nocturnos y empezó a cantar de forma aficionada y es  conocida con el nombre artístico de Little Ann.

 

A fines de los 50 cuando inicia su carrera de cantante como integrante del grupo que dirigía Ike Turner, luego se casa con él y formaron el dúo Ike and Tina Turner, que desde 1959 hasta 1973 desarrollaría una exitosa carrera artística. Ya en 1959 lanzaron sus primeros temas, pero hasta 1961 ninguna de sus canciones logró entrar en listas nacionales, pero en  1966 el tema “River Deep, Mountain high”, producido por el mago de la pared de sonido “Phil Spector”, les da su primer éxito a nivel mundial y los siguientes sencillos mantuvieron la calidad del dúo, además era un espectáculo verlos en vivo por la figura y “piernas” de Tina y la gracia de sus bailarinas y coristas llamadas The Ikettes, logrando más éxitos  como por ejemplo “Proud Mary”, en 1971 o “Nutbush City Limits”, en 1973. Tina e Ike se separan, debido a los continuos maltratos  y golpes  y humillaciones a las que la sometía el abusador de Ike Turner.

 

En 1975 trató de alcanzar nuevamente el éxito participando en la película Tommy cantando “The Acid Queen” (1975) pero nada y todo parecía que no volvería a despegar hasta que en los 80 ya libre de su sombra con el patrocinio de David Bowie es contratada por EMI y comienza su despegue grabando  su mejor disco, Private Dancer (1984), con canciones  como What's Love Got To Do With It, Better Be Good To Me y el Private Dancer,  en 1985 vuelve a los primeros lugares  con el tema de la película "Mad Max", Beyond Thunderdome y posteriormente con We don't Need Another Hero, además de ser considerada como las “mejores piernas del rock” y el resto es historia….

Fleetwood Mac The Chain Live in 12 12 1987

RECORDANDO A JOHN MCVIE:

 

El 26 de noviembre de 1945 nació en Ealing, UK, John Graham "Mac" McVie quien es el bajista histórico del grupo  “Fleetwood Mac” quien también fuera el de los primeros “Bluesbreakers” de John Mayall  que grabaron el clásico disco con  Eric Clapton “Beano” y el “A hard road” donde se hace amigo del guitarrista Peter Green que al crear a fines de 1967 su grupo de blues con “Mick Fleetwood”  (otro ex Bluesbreakers, aunque de efímera permanencia ) le llaman “Peter Green Fleetwood Mac” le hace ver que ese Mac era por él y que al unirse nace la leyenda bluesera de su primera encarnación.

 

Luego graban el clásico primer disco de la banda que ya es legendario, y  el resto es historia, tienen una etapa gloriosa bluesera, luego se va del grupo Peter Green y los años setentas hay un  constante recambio de integrantes, como el ingreso de la que era  su esposa (se casaron en 1968  la pianista y cantante Christine Perfect y luego a partir de 1975 con la inclusión del  que fuera matrimonio yanqui de Lindsay Buckingham y Stevie Nicks el grupo logró su estabilidad de integrantes y logra el éxito comercial cambiando su esencia bluesera a algo más pop y masivo.

 

 A lo largo de los años  y más de 40 años con su agrupación junto a Mick Fleetwood han cimentado su leyenda y en los últimos años ha podido superar un cáncer al colon que suspendió la gira de reencuentro de su banda y en los últimos meses sin Buckingham el grupo con nuevos integrantes sigue en la carretera.

 

EL GRAN “KEEF HARTLEY”:

EL GRAN “KEEF HARTLEY”:

 

El baterista Keith "Keef" Hartley nació en Preston en la provincia de Lancashire, UK  un 8 de abril de 1944 y entrando a su adolescencia opta por la música aprendió a tocar la batería con el prestigioso Lloyd Ryan quien también fue maestro de Phil Collins entre otros.

 

​ El debut de Hartley ocurrió cuando reemplaza a Ringo Starr como  baterista de la banda de “Rory Storm & The Hurricanes” a mediados de 1962, haciéndose de una buena reputación como músico de sesión por su precisión, tocando luego para “The Artwoods”, John Mayall en los discos “Crusade”, The Blues Alone entre otros ya clásicos entre los años 1967 a 1968 para luego formar su propia banda.

 

Con el apoyo de John Mayall funda su banda llamada “The Keef Hartley's Big Band” a fines de 1968 publicando su primer disco en 1969 llamado “Halfbreed” (o Mestizo) que combinaba el hard rock, con el blues y el jazz  y a los pocos meses se  presentan  en el Festival de Woodstock en agosto de 1969 donde destaca el mismo Hartley por su movimientos y  vestimenta como indio americano (tomó partido por ellos) con su cara maquillada con pintura de guerra mientras el guitarrista Miller Anderson cantaba los temas.

 

Luego que graba cerca de cinco discos con el grupo, se desbandan y Hartley publica su único disco como solista llamado Lancashire Hustler (1973) para crear luego  la banda Dog Soldier que realiza un solo disco (1975) y luego Keef Hartley se retiró de la actividad musical para luego brindar una que otra actuación  esporádica, publicar su autobiografía en el 2007 y  falleció el 26 de noviembre de 2011 a los 67 años.

“FRAGILE” DE YES:

“FRAGILE” DE YES:

 

Un 26 de noviembre de 1971 el sello Atlantic Records publicó en UK (en USA sería editado el 2 de enero de 1972) el cuarto disco de la banda progresiva inglesa Yes llamado “Fragile” y que por sus buenas ventas llegó hasta el puesto séptimo de los charts de UK  y hasta el octavo de la Billboard 200 de USA.

 

Éste disco tiene la particularidad de ser el primero con el nuevo integrante “Rick Wakeman” (procedente del grupo folk Strawbs) que remplazó a Tony Kaye en los teclados agregando otros sonoridades provenientes del melotrón, mini Moog, y piano eléctrico y además fue el penúltimo en estudio con Bill Bruford en la batería.

 

El álbum fue grabado durante el mes de setiembre  de 1971 en los estudios Advision en el centro de  Londres con la co producción de la banda y el ingeniero de sonido Eddy Offord quien produjo el disco anterior “The Yes album” (1970).

 

De los nueve cortes  del Fragile hay cinco temas  individuales, pero una de las canciones co escrita por Jon Anderson y el guitarrista Steve Howe “Roundabout” de más de ocho minutos y treinta segundos de duración sería el tema más conocido del álbum y que salió además como single en enero de 1972 (pero editado a solo 3 minutos y algo de longitud) cuya cara “b” fue la canción Long Distance Runaround del álbum en mención, llegando hasta el puesto 13 de las listas Billboard 200 de USA.

 

SOBRE LA CARÁTULA DEL FRAGILE:

Tiene la particularidad de ser la primera colaboración del artista plástico  Roger Dean con la banda  y la portada plasma el concepto del título del disco pues muestra  una frágil embarcación espacial de madera en el medio de un convulsionado mundo que se fraccionaba en dos partes y parece les gustó a los integrantes de Yes  y sobre todo el logo que creara y que sería lo que los distinguiría y  ser a partir de  ese momento el dibujante oficial de sus portadas, que el día de hoy son consideradas como obras de arte.

 

Screaming Trees - All I Know

 “MARK LANEGAN”:

 

El cantante y compositor Mark Lanegan nació en Ellensburg, Washington un 25 de noviembre de 1964 y luego de haber  sido parte de un hogar disfuncional y padecer fuertes adicciones a las drogas antes de cumplir los 18 años  decide dedicarse a la música como vocalista, ya que posee una potente voz de un alto registro calificada como barítono.

 

En 1984 forma el grupo  “Screaming Trees” con los hermanos  Gary Lee Conner en las guitarras y Van Conner en el bajo y el último en llegar  fue Mark Pickerel en la batería, fue muchos  antes de la eclosión de la moda “Grunge”, como años después fueron tipificados.

 

 Publicaron su primer disco en 1986 llamado “Clairvoyance”, pero su mejor obra de lejos, lo hicieron una década después llamado “Dust” (1996), donde el tema “All I Know” es un clásico de la composición sobre todo cuando el guitarrista de la banda alterna la acústica y eléctrica a la vez al momento del solo, un clásico.

Eddie Boyd - Five Long Years

EDDIE BOYD & “FIVE LONG YEARS”:

 

“Five Long Years”  es una canción  que compusiera el  bluesero  sureño “Eddie Boyd”  que nació con el nombre de “Edward Riley” un 25 de noviembre de  1914  y que falleciese en Helsinki, Finlandia un 13 de julio de 1994 y fue  un pianista negro nacido en el Mississippi y  que hizo mejor su carrera en Europa donde lo veneraban como una estrella en contraste  ante la  marginación en su país de origen (USA) se va primero a Bélgica para luego trasladarse, radicar, casarse y morir en la tierra de los Mil lagos “Finlandia”.

 

Pero el tema de la referencia lo grabó por primera vez en los estudios de del sello JOB situados en el estado de Chicago un 19 de junio de 1952 y existen varias versiones posteriores de este tema como la clásica de “Muddy Waters” o la de los “Yardbirds” entre otros intérpretes.

RECORDANDO A PERCY SLEDGE

RECORDANDO A PERCY SLEDGE:

 

El 25 de noviembre de 1941 nace en Leighton, en el sureño estado de Alabama, USA, “Percy Tyrone  Sledge”, que fuera el primer y original cantante en interpretar la canción “When a Man Loves a Woman" (No confundir la versión edulcorada del melifluo ex metalero y luego crooner Michael Bolton y su Soft pop cover de 1991).

 

Este tema fue escrito por los compositores y miembros del grupo The Esquires “Calvin Lewis y Andrew Wright” pero años después Sledge diría que tuvo que ver con la autoría del tema pero les cedió los derechos y la grabó en los estudios del sello Atlantic bajo la producción de Marlin Greene, Quin Ivy por febrero de 1966 y fue publicados un mes después y ya por abril de ese mismo año  llegó al puesto número uno del ranking Billboard Hot 100, aunque Sledge en los años sesenta grabara otros temas como 'Warm and tender love', 'It Tears me up' (1966) y 'Take time to know her' (1968) nunca pudo superar ese tema.

 

El tema original cobró inusitada vigencia en 1992 cuando el director irlandés Neil Jordan lo toma como tema de apertura de su controvertida película “The Crying Game”, Sledge volvió a los escenarios y falleció  de cáncer al hígado en su hogar de Baton Rouge, Lousiana  un 14 de abril del 2015.