Robert Plant - 'Tall Cool One

ROBERT PLANT & “TALL COOL ONE”:

 

Robert Anthony Plant quien fuera la voz de Led Zeppelin y el típico arquetipo de un cantante de rock  nació un 20 de agosto de 1948 en  la región de West Bromwich, Staffordshire en UK,  hijo de un ingeniero y una ama de casa y desde temprana edad tuvo inclinaciones por la música sobre todo por el blues y la música folk, deja la escuela para participar  en varios grupos como The Band of Joy  donde conoce a John Bonham (baterista) con quien tuvo empatía desde un principio.

 

Se hizo famoso apenas cumpliendo  los 20 años cuando el guitarrista Jimmy Page quería encontrar nueva gente para los Yardbirds y su primera elección fue el cantante Terry Reid que al declinar lo recomienda y al escucharlo queda sorprendido por su voz y decide crear un nuevo grupo  que se llamó Led Zeppelin y luego reclutan a Bonham a sugerencia de Plant y el cuarteto hace historia en la música.

 

Si la canción del disco "Now and Zen"  publicado un 29 de febrero de 1988 "Tall Col One" suena a Led Zeppelin, es que Jimmy Page toca las guitarras en él y al final los samplers de estos temas escuchamos: Black Dog", "Dazed and Confused", "Whole Lotta Love", The Ocean" y "Custard Pie" y algo de "Black Dog" "When the Levee Breaks" en las letras.

Sunday Bloody Sunday (Live From Red Rocks Amphitheatre, Colorado, USA / ...

U2 WAR Y “SUNDAY BLOODY SUNDAY”:

 

Un 28 de febrero de 1983 el sello discográfico “Island Records” publicó el tercer Long Play en estudio de la banda irlandesa U2  llamado  “War”  que como se sobrentiende del título del disco, tiene varias canciones de protesta y de contenido político  y que contrariamente fue un paso importante para su internacionalización.

 

Y el tercer single que fue lanzando el 11 de marzo llamado “Sunday Bloody Sunday” llegó a los primeros lugares de algunos países europeos y de USA y a pesar de ser un tema de protesta que trataba sobre la masacre del Domingo Sangriento de 1972, en el que murieron 14 personas en Irlanda del Norte , se hizo un himno por el riff creado por The Edge, el violín eléctrico tocado por Wickham  y sobre todo el sonido de batería y el “click track” de la batería de Mullen Jr. hicieron de esta canción un tema que siempre ha sido tocado en vivo debido a su contundencia.

davy jones

RECORDANDO A DAVY JONES:

 

El actor y cantante David Thomas Jones  nació en el barrio de  Openshaw en  Manchester UK el 30 de diciembre de 1945 y desde pequeño tuvo condiciones para la actuación y canto e inició su carrera como actor de televisión a los 15 años en  la serie Coronation Street en un episodio de 1961, luego de la muerte de su madre deja el arte para volverse jockey pero luego su manager Basil Foster le consigue el  papel de Artful Dodger en el musical Oliver que se llevó a cabo en Londres en 1963.

 

Y al año siguiente repite su papel en Broadway y hace una aparición en “The Ed Sullivan Show” y se gana el cariño de la gente de USA  y en agosto de 1965 graba el single What Are We Going To Do? Que entra a los charts de los Billboard 100 y por ello cuando  Bob Rafelson y  Bert Schneider crean el proyecto de los Monkees (una parodia de una serie sobre un  grupo musical), Jones era el único fijo y se hizo casting para los demás  personajes que fueron  Micky Dolenz, Michael Nesmith & Peter Tork  y en su primer año de creados vendieron más que lo Beatles debido a todo el aparato logístico, musical y creativo tras ellos.

 

Los muchachos al cabo de un par de años quisieron ser creativos ya que se les consideraba una banda de segunda, un producto prefabricado para pre adolescentes  e imitadores de los Beatles, pero el paso del tiempo ha demostrado que los arreglos de sus canciones siguen  de gran calidad y su música pasa de generación a generación y entre las canciones en que Jones fue voz solista  destacan "I Wanna Be Free", "When Love Comes Knockin' (at Your Door), ”Look Out (Here Comes Tomorrow)", "Daydream Believer, "Forget That Girl", She Hangs Out", "Cuddly Toy", "Star Collector",  "Valleri, "Daddy's Song", "The Girl I Left Behind Me” entre otras.

 

 Pero  la salida de Tork y Nesmith, entre los años 1969 y 1970 llevó  a la disolución de la banda y luego de los Monkees, Jones siguió en la música y trabajó como actor en películas y series de televisión, además de estar en todos los reencuentros de los Monkees hasta que un  29 de febrero de 2012, luego de un paseo con uno de sus caballos Davy Jones falleció en su residencia de Florida a  los 66 años a causa de  un ataque al corazón,

Joe South Hush

“JOE SOUTH”:

 

Un 28 de febrero de 1949 nació en Atlanta, Georgia (USA) Joseph Alfred Souter, quien sería conocido en el mundo de la música como “Joe South” y que destacara como cantante, compositor y luego productor y su época más productiva fue entre las décadas de los sesentas y los setentas.

 

Empezó su carrera en 1958 formando parte del staff de with the National Recording Corporation como músico de sesión y luego su reputación creció haciendo canciones para artistas tan diversos como   como Marty Robbins, Eddy Arnold, Aretha Franklin, Wilson Pickett, Bob Dylan (“Blonde on Blonde”) y Simon & Garfunkel entre otros.

 

Y quizás su canción más conocida para la gente del rock sea “Hush” que escribiera para Billy Joe Royal y lo lanzara en single en setiembre de 1967 y que los  Deep Purple hicieran un exitoso cover en junio de 1968, otro éxito fue “‘(I never promised you a) Rose Garden’ que cantara Lynn Anderson , pero la que compusiera en diciembre de 1968 y que además interpretara South será su tema más representativo la canción  “Games People Play" que lo hace ganar un Grammy en 1970 como tema del año y que años después sería un éxito en su versión reggae por Inner Circle.

 

El suicidio de su hermano en 1971 afectó mucho a Joe South y se retiró por un tiempo de la música volviendo brevemente cuatro años después del hecho pero sin mucho éxito y en los siguientes años se dedicó esporádicamente  a la actividad musical  falleciendo años después  a los 72 años un 5 de setiembre del 2012.

URIAH HEEP JULY MORNING 1972

RECORDANDO A “DAVID BYRON”:

 

“David Byron” quien fuera el vocalista principal del grupo  “Uriah Heep” nació bajo el nombre de “David Garrick” en Epping, UK un 29 de enero de 1947 y falleció en la localidad de Reading UK el 28 de febrero de 1985 a los 38 años por complicaciones hepáticas debido a su alcoholismo que arrastró por años.

 

Este cantante inglés será recordado en la historia de la música por ser la indiscutible “voz” de la original banda “Uriah Heep, que fundara con su ex compañero del grupo Spice, el guitarrista  Mick Box y el ex tecladista y cantante de The Gods, Ken Hensley en 1969.

 

Él se inició en la música a mediados de los sesentas haciendo coros en un estudio musical, donde conoce al bajista Paul Newton, luego pasó a integrar el grupo The Stalkers por 1966 donde conoce al guitarrista Mick Box y al año siguiente Byron, Box y Newton forman el grupo Spice que en 1969 al contratar a un tecladista llamado Ken Hensley que había coincidido con Newton en la banda The Gods, se cambian de nombre como un personaje de Dickens, “Uriah Heep”.

 

Diría que con él se puede ubicar la etapa gloriosa de la banda (1969 -1976) donde en los diez discos en que participó (sin contar las recopilaciones) se encuentra  lo mejor de la agrupación y aunque Uriah Heep aún siguen en actividad bajo el liderazgo de Box  en sus conciertos tocan en su mayoría el  material de la era Byron, quizás seas porque el maestro tuvo un peculiar registro vocal llegando a altas notas de tenor añadiendo unos coros agudos que recuerdan a sonidos del averno que le daban un marco especial a los temas y una marca registrada del grupo.

 

Su carrera solista se inicia cuando aún era parte de Uriah Heep con el disco  Take No Prisoners  (1975) que contó con los miembros de la banda pero al año siguiente por problemas con el alcohol que repercutieron en las relaciones con los demás integrantes hicieron que la dejara en 1976 (otros dicen que fue expectorado) y  al año siguiente crea el  grupo Rough Diamond con los que graba un único disco que no trascendió, , como solista graba el incomprendido álbum   Baby Faced Killer (1978) y hasta el último año de sus días había grabó  dos álbumes más con su banda de acompañamiento “The Byron band”.

 

La historia (y quien lo escuche) lo considera (rá)  como una de las mejores cantantes de su tiempo y esto puede apreciarse en su magnitud en el disco  grabado en vivo del año 1973 y en el video recopilatorio oficial de la banda “The Byron Years”.

Paint it Black "Brian Jones

EN RECUERDO DE BRIAN JONES:

 

Me gustó y atrapó el sonido de los Rolling Stones sobre todo en el período en que “Brian Jones” formó parte de la banda pero una vez expectorado no fue lo mismo ya que con Taylor o Wood es más de lo mismo a lo largo de sus posteriores 40 años de existencia, sin la magia de la experimentación del pequeño genio los Rolling Stones perdieron su esencia, es mi opinión.

 

El que fuera el multinstrumentista de los R. Stones “Lewis Brian Hopkin Jones” nació en Park Nursing Home de Cheltenham, Gloucestershire al suroeste de UK un 28 de febrero de 1942 y desde niño padeció de asma y desarrolló su pasión por la música y además por las mujeres, hecho que le ocasionó en el futuro problemas legales y aún no había cumplido los 21 años y ya había engendrado casi media docena de hijos.

 

Ya instalado en Londres en 1962 formó parte de varios combos de blues como el grupo The Rooster con Paul Jones como cantante y al abandonar el  grupo (lo reemplazó un joven Eric Clapton) decide crear uno propio, el cual pueda dirigir y ser manager y parte del mismo.

 

 El 2 de mayo de 1962 este multi instrumentista pone un anuncio en el Jazz News para que los músicos adicionen para su nueva Banda de R & B  y así nace la leyenda, siendo los primeros en llegar Jagger y Richard, luego los demás y cuando por teléfono estaba cerrando su primer contrato y le preguntan cómo se llama su grupo,  al ver en el suelo un disco de “The Best of Muddy Waters ”y uno de los temas era Rollin' Stone Blues les dice que se llaman los  Rolling Stones.

 

Él fue durante los primeros años la imagen de la banda, el que introdujo la guitarra bottleneck (Little Red Rooster), la citara  en el inolvidable “Paint it Back” y demás instrumentos  y su punto débil es que los tiempos cambiaron y los grupos no solo interpretaban los clásicos blues tradicionales sino empezaban a componer sus propios temas que lo hicieron Jagger Richards y el no pudo aportar, así empezó su declive, el excesivo consumo de drogas, las rencillas con Richards por su ex mujer y su depresión hace que lo expulsen de la banda y lo reemplacen por Mick Taylor .

 

Lo demás es historia, en la autopsia oficial  se indicó que Brian Jones  falleció ahogado en su piscina en la medianoche de un 3 de julio de 1969 a los 27 años, su pareja una sueca llamada Anna Wohlin  halló su cadáver en la esquina de su piscina y empezará la es prensa especulativa, pero sin Brian Jones los Stones perdieron su magia y para mi humilde opinión se volvió otro grupo.

 

ADRIAN SMITH Y FLIGHT OF ICARUS:

ADRIAN SMITH Y FLIGHT OF ICARUS:

 

Esta canción la  co escribieron entre el  vocalista de Iron Maiden Bruce Dickinson y el guitarrista Adrian Smith que nació en Hackney Londres  27 de febrero de 1957 que en su adolescencia se hizo amigo del guitarrista Dave Murray que años después  le pidió en 1980 que se uniera a Iron Maiden para remplazar a Dennis Stratton y al aceptar, luego de idas y regresos sigue siendo un miembro esencial de la banda debido a su técnica y calidad compositiva.

 

El tema llamado  “El vuelo de Ícaro”, o en su idioma original  "Flight of Icarus", es una canción que lanzaron como single del álbum Peace of mind, un 13 de abril de 1983 y  que se basa  en el mito griego del ingenioso inventor Dédalo y su huida del laberinto de Creta junto a su hijo Ícaro con un par de alas mecánicas y que muriese por acercarse mucho al sol pese a las advertencias de padre  que le dijo que no se acercara mucho al sol pues podrían derretirse sus alas y así ocurrió cayendo al mar y nunca salir de él.

neal schon

NEAL SCHON:

 

El guitarrista Neal Joseph Schon de ancestros alemanes, nacIó en una base aérea de Tinker en Oklahoma  USA un 27 de febrero de 1954 y desde muy joven se destacó y se dedicó a tocar la guitarra y era tan bueno tocando los blues que se lo querían llevar a UK pero sus padres se opusieron.

 

 Y por ello no es de extrañar  que ya  a los 16 años  formaba parte de la banda de Carlos Santana  y su estilo destaca en el disco que comúnmente se conoce como Taboo y  luego de la grabación del disco casi conceptual Caravanserai  (1973) se aleja de la agrupación para formar su propia banda  llamada Journey, aún en actividad y que tuvo éxito masivo en los ochentas sobre todo cuando Steve Perry reemplazara a Greg Rollie  en las voces  para luego hacerla de solista pero Schon sigue con su banda hasta la fecha.

Steve Harley

EL GRAN STEVE HARLEY:

 

El músico Steve Harley nacido con el nombre de  Stephen Malcolm Ronald en Deptford, Londres un 27 de febrero de 1951 empezó como periodística empírico en el Daily Express, pero desde su adolescencia escribía poesía (sufrió de polio y hasta recuperarse escribía y tomó clases de violín) hasta que decide probar suerte como músico a partir de 1971 tocando en bares y pubs.

 

Este cantante y compositor londinense pasará  a la historia de la música por crear y liderar a los Cockney Rebel en 1972, grupo que aún sigue vigente y que con los que ocasionalmente salen de gira.

 

 Aquí el tema por el cual será recordado siempre “Make Me Smile” (Come Up and See Me).

CARL ANDERSON EL ETERNO “JUDAS” DE JESUCRISTO SUPERSTAR:

CARL ANDERSON EL ETERNO “JUDAS” DE JESUCRISTO SUPERSTAR:

 

El gran Carlton Earl o más conocido como Carl Anderson nació en una numerosa familia en Lynchburg, Virginia un 27 de febrero de 1945 y  fue un cantante y actor estadounidense que se hizo inmortal por su interpretación de Judas Iscariote en el musical de Broadway y la correspondiente versión en el cine de la ópera rock de Andrew Lloyd-Webber, “Jesucristo Superstar”. (Recuérdese que en el álbum el cantante inglés Murray head fue quien lo interpretara en el álbum y el Single Superstar de 1970).

 

 Y para los que vimos la película del director Norman Jewison y que produjo Robert Stigwood, prácticamente le robó el protagonismo a Ted Neely (quien hacía el papel de Jesucristo) con su atormentado e histriónico Judas, Anderson en otras ocasiones volvió a recrear su personaje y falleció de leucemia cuatro días antes de cumplir  los 59 años un 23 de febrero del 2004.

 

Sandie Shaw

“SANDY SHAW”:

 

Un 26 de febrero de 1947 nació en Dagenham, Essex Sandra Ann Goodrich cantante británica de melodiosa voz que será más conocida como “Sandy Shaw” que inició  su carrera a los 17 años con su versión de la canción (There's) Always Something There to Remind Me" de la dupla  creativa Bacharach-  David que llegó a ser número uno en UK (1964) y quizás fue su mejor década ya que tuvo una serie de éxitos como  la y clásica “Puppet on a String” (1967).

 

 La particularidad de esta esbelta cantante que en el año 2013 se  retiró del show business y en el 2017 le fue otorgado un MBE por sus servicios a la música era que en la mayoría de sus presentaciones en los inicios de su carrera era que aparecía en el escenario descalza.

Buddy Miles

EN MEMORIA DE “BUDDY MILES”:

 

El desaparecido baterista, guitarrista y cantante conocido como “Buddy Miles” nació un 5 de setiembre de 1947 con el nombre de “George Allen  Miles Jr.” en Omaha, estado de Nebraska y su padre fue el reconocido músico George Miles quien fuera  bajista de Duke Ellington, Count Basie, Charlie Park entre otros y por ello a partir de los 12 años empezó a acompañar a su padre en sus giras y por tocar la batería su tía lo empieza a  llamar “Buddy” en honor al legendario baterista “Buddy Rich”.

 

Ya de adolescente toca en diversos grupos de Rhythm & blues  como Ruby & the Romantics, the Delfonics, Wilson Pickett entre otros conociendo en 1964 a Jimi Hendrix con quien entabla amistad y en  1967 junto a Mike Bloomfield y Nick Gravenites forma la banda  Electric Flag que debutan en el Monterey Pop Festival a su  disolución forma  “The Buddy Miles Express” y a lo largo de su carrera ha colaborado con numerosos músicos, como Santana, John mc Laughlin, entre otros y es recordado por haber formado junto a   Jimi Hendrix y Billy Cox  Power  el Black Power trío   “Band of Gypsys “, con un célebre disco grabado en vivo.

 

El baterista y cantante Buddy Miles falleció en su residencia situada en Austin Texas por los problemas cardíacos que padecía  un 26 de febrero del 2008.

BOB HITE

EN RECUERDO DE  BOB  EL “OSO” HITE:

 

Bob Hite, el que fuera el  voluminoso cantante de la banda de boogie rock “Canned Heat” nació con el nombre de  “Robert Ernest Hite” en Torrance, California un 26 de febrero de 1945  y fue su portentosa voz que contrastaba con la voz aguda del guitarrista “Alan el búho Wilson” la característica principal del grupo que lideró hasta el día de su fallecimiento.

 

Este  grupo californiano fue una banda de blues y boogie por excelencia, creada por Hite y Wilson en 1965 y que tenían la particularidad de rehacer temas de los antiguos cantantes originarios de blues y recrearlos a su estilo con sus letras (una buena manera de maquillar un plagio), Hite era  llamado “The Bear” (el oso) por su corpulencia y compartía las voces y armónica con Wilson que tenía una n voz más aguda que él pero murió en 1970).

 

Luego asumió el liderazgo total del grupo y bajó de peso considerablemente a mediados de los setentas,  la muerte de Bob Hite  puede ser considerada como accidental y absurda ocurriendo en un descanso de una tocada en el Club Palomino de North Hollywood cuando un fan le dió heroína a Bob Hite para que lo esnifara y el pensando que era cocaína lo hace y colapsa  falleciendo horas después en su domicilio  un 5 de abril de 1981.

 

Sobre el tema de Canned Heat “Lets work Together” de 1970 si escuchan bien el solo de slide guitar  de Wilson, ¿No le ven un gran parecido al riff inicial de “In my Time of Dying” de Led Zeppelin? (1975).

Johnny Cash

“JOHNNY CASH O EL MAN IN BLACK”:

 

El 26 de febrero de 1932 nació en Kingsland, Arkansas quien fuera el cantante y compositor country  “Johnny Cash” (John R. Cash), más conocido como el “hombre de negro” quizás uno de los íconos musicales no solo de la  música country estadounidense sino de la historia de la música, que dentro de su prolífica carrera  también transitó por el Rock & roll, Rockabilly, blues, folk, y el  góspel, entre otros géneros musicales.

 

Cash tenía ascendencia escocesa, irlandesa y algo de cherokee por línea paterna  y desde los doce años se inicia en la música tocando la guitarra y componiendo sus propias canciones, tocando en su escuela  y en algunos cafés, pero en 1950 se alista en la Fuerza Aérea y ya cuando le dieron de baja en 1954 decide dedicarse a la música.

 

se muda con su primera mujer a Memphis, Tennessee y se presenta a Sun Records  y en 1955 realiza sus primera grabaciones y es célebre que en 1956 hizo  una improvisada sesión con Elvis Presley, Carl Perkins y Jerry Lee Lewis  que fue grabado por Sam Phillips y que hoy se conoce bajo el título Million Dollar Quartet .

  

Su potente voz barítono influenció a muchos músicos posteriores, además de ganarse al público en general, con esos conciertos gratuitos que daba en las cárceles presentándose él mismo como  "Hello, I'm Johnny Cash, “seguido de su tema emblemático  "Folsom Prison Blues".

 

Cuando se casó con la compositora y cantautora  country June Carter, Johnny Cash se volvió más prolífico como músico haciendo presentaciones, colaboraciones y álbumes hasta la fecha de su fallecimiento un 12 de setiembre del  2003 debido a unas complicaciones con su diabetes y quizás también a que no se sobrepuso a la muerte de su esposa fallecida 4 meses antes.

 

Pero la leyenda del “hombre de Negro”. (Así se vestía en la mayoría de sus presentaciones) cobraría más vigencia, luego de su desaparición.

LED ZEPPELIN & “PHYSICAL GRAFFITI”:

LED ZEPPELIN  & “PHYSICAL GRAFFITI”:

 

Un 24 de febrero de 1975 fue editado el sexto Long play de Led Zeppelin “Physical Graffiti” en la que fuera su recién inaugurado sello discográfico propio llamado  “Swan Song Records” (algo así como “Discos canto del cisne”) el sexto álbum de estudio  y para muchos el mejor álbum de los maestros de la música  hard rock, siendo su primer disco doble, (el otro sería The Song Remains The Same)  presentando canciones más extensas en duración (In the Light, In my Time of dying), sonidos más elaborados en la producción, nuevos ritmos musicales (Kashmir) y además fue número uno tanto en la listas de UK y USA y en otros países también llegó hasta los primeros lugares de los charts.

 

Sobre la grabación se puede decir que más de la mitad de las canciones fueron escritas en Headley Grange, esa casona antigua que muchos músicos decían que estaba embrujada y  las sesiones fueron entre los  meses de enero y febrero de 1974 (aunque el proyecto se empezó en diciembre de 1973) además le agregaron material de anteriores grabaciones que fueron hechas en los meses de  julio y diciembre de 1970 (época del Led Zeppelin III), enero y marzo de 1971 y mayo de 1972 (época del disco Houses of the Holly) en diversos estudios de grabación, para una mejor comprensión de las fechas de grabación los temas no grabados en 1974 se señalan con asterisco.

 

LA CURIOSA PORTADA:

 

La carátula del disco fue encargada al diseñador gráfico, Peter Corriston, que buscó un  edificio que tenga formas simétricas a la idea que se había planteado y lo encontró  en la dirección  de 96 and 98 East 8th Street en  St. Mark's Place en Manhattan, New York en medio de Greenwich Village y fueron tomadas tomas en la mañana para la portada delantera y por la noche para la contra carátula  y estas fotos fueron modificadas para que puedan ser adecuadas al concepto de lo que quería el grupo  y que pasó a la historia.

 

Cactus Big Mama Boogie,Parts 1 & 2

CACTUS  & “BIG MAMA BOOGIE”:

 

“Cactus” fue un grupo de hard rock  yanqui que podría considerarse de “culto” porque no gozaron  de la popularidad de otros grupos de su tiempo que fueron masivos pero sin la calidad de esta banda y lo paradógico que aún sigue en actividad.

 

Y quizás su potencia se debió a la  sección rítmica conformada por los geniales Tim Boggert y Carmine Appice (quizás se encuentran entre los mejores bajistas y bateristas de la historia de la música), ambos provenían de la ecléctica banda  Vanilla Fudge “cuyo original estilo de recrear canciones pop en largas epopeyas musicales fue copiado por muchos grupos ingleses como Spooky Tooth y Deep Purple entre otros”.

 

La canción bluesera llamada “Big Mama Boogie I y II” es un ejemplo de su potencia y creatividad, sobre todo la segunda parte del desenfreno musical donde el desaparecido maestro de las cuatro cuerdas Tim Bogert se roba la canción con ese bajo desenfrenado y potente que le gana el duelo al guitarrista Jim McCarthy y el finado Rusty Day para tocar la armónica creo que no tenía rivales, para revisar su discografía.

 

.C̤A̤C̤T̤ṲS̤ ̤ ̤O̤n̤e̤ ̤W̤a̤y̤ ̤or another ..1971 -- Full Album

CACTUS  & SU “ONE WAY …OR ANOTHER”:

 

Un 24 de febrero de 1971 el sello “ATCO  Records” de la división vanguardista de ATlantic COrporation publicó el álbum “One Way…or Another”  (Un camino u otro) que el segundo disco de la banda de hard rock de Long Island “Cactus” y quizás pueda ser considerado como el mejor  de su carrera.

 

Cactus fue una agrupación  de hard rock  yanqui que podría considerarse de “culto” porque no gozaron  de la popularidad de otros grupos de su tiempo que si fueron masivos y más populares  pero sin la calidad de esta banda que fue admirada por los integrantes de Led Zeppelin y otros, tanto por su potente propuesta musical.

 

Y quizás su potencia se debió  a la  sección rítmica conformada por los geniales Tim Boggert y Carmine Appice (quizás entre los mejores bajistas y bateristas de la historia de la música), ambos músicos provenían de la ecléctica banda  Vanilla Fudge “Cuyo estilo de recrear canciones pop en largas epopeyas musicales fue copiado por muchos grupos ingleses como Spooky Tooth y Deep Purple entre otros.

 

Así que disuelto Vanilla Fudge deciden hacer un trió con Jeff Beck, pero este se accidente y rápidamente lo reemplazan por dos compatriotas y debutan con el disco homónimo en junio de 1970, ya con una fama consolidada editan este clásico que fue grabado en los  Electric Lady Studios de Nueva  York y producido por los muchachos en los últimos meses de 1970 y recurren a temas clásicos del blues y propios donde las canciones pesadas predominaban y donde el finado cantante Rusty Day mostraba su destreza con la armónica como ejemplo la  canción llamada Big Mama Boogie I y II  un ejemplo de su potencia y creatividad, sobre todo la segunda parte del desenfreno musical donde el desparecido maestro Tim Boggert se roba la canción con ese bajo que le gana el duelo al guitarrista Jim McCarthy y con el fondo de armónica tocado genialmente por el también fallecido Rusty Day .

 

George Thorogood & The Destroyers - Night Time

GEORGE THOROGOOD:

 

El gran guitarrista de voz aguardientosa “George Thorogood” nacido en Wilmington, Delaware como George Lawrence Thorogood un 24 de febrero de 1950 inició su carrera haciendo covers acústicos de clásicos de los maestros Robert Johnson y Elmore James y luego forma con su amigo de secundaria el baterista  Jeff Simon los “Delaware Destroyers” nombre que se acortará a Destroyers y luego de un extenso camino graban su primer álbum en el año de 1977.

 

Y George Thorogood pasará a la historia de la música por haber recreado en un principio clásicos del blues tradicional con su sonido “boogie rock particular” junto a su grupo y compinches “The Destroyers” por más de 40 años, para muestra basta un botón.

 

George Harrison - What is Life

EN RECUERDO DEL MAESTRO “GEORGE HARRISON”:

 

Un 24 de febrero de 1943 (y no el 25 de febrero como erróneamente señala su partida de nacimiento) a las 11:42 horas de la noche (además lo confirmó el mismo Harrison en una entrevista a la revista Billboard en 1993 donde señala que al conseguir una copia de su  registro médico de nacimiento aparece la real hora y fecha de su nacimiento y además lo señala el libro de Barry Miles y de otras recientes biógrafos) en el barrio de Arnold Grove, en el puerto de Liverpool, Inglaterra, nace el menor de los Beatles, el maestro “GEORGE HARRISON”  que también fue el menor y cuarto hijo del matrimonio de clase trabajadora formado por Harold Harrison y Louise French, pero como fue registrado al día siguiente y su padre no se acordaba bien las horas y nunca se objetó ante los registros, quedó como fecha oficial de su nacimiento por la partida el día 25 de febrero de 1943.

 

A George Harrison el “cáncer” se lo llevó tempranamente a la edad de  58 años un nefasto 29 de noviembre del 2001 a la una y treinta horas de la madrugada en la residencia de USA en los Angeles California del ex beatle Paul y a su lado se encontraban su  esposa Olivia y su hijo Dhani que cumplieron horas después su último deseo  “Que luego que lo cremen  sus cenizas sean esparcidas  en el río Yamuna en la India y así se hizo”.

 

El mérito de George es que de un ser humano que estuvo siempre en constante crecimiento, tanto como músico, como autor y como ser humano sobre todo en el plano espiritual y práctico, así  si uno repasa su interesante biografía y discografía  desde sus tímidos inicios con los "BEATLES" hasta el final de su carrera comprobará que se convirtió en un maestro de la guitarra slide y  que ningún tema que compuso pueda calificarse intrascendente, pues todas sus canciones son de una calidad extraordinaria que el tiempo ha hecho justicia al darle el lugar que les corresponde.

 

Harrison sin poses ni egoísmos de por medio demostró su calidad como músico con el paso de los años y a base de esfuerzo logró crear grandes canciones con los Fab four, sobresaliendo del monopolio creativo que ejercían Lennon y McCartney en la repartición de canciones por disco.

Comenzando los 70s realizó el triple Long play solista ALL THINGS MUST PASS" que sobresalió en calidad sobre los que editaron en esa época sus ex compañeros.

 

En la década de los 80s formó parte de  una Superbanda de íconos de la música los  "TRAVELLING WILBURYS", quedando registrados dos discos históricos que han sabido resistir el paso del tiempo. Además sobresalió en el mundo del automovilismo y cinematografía financiando algunas películas y sobre todo la aclamada comedia “Life of Brian” de los Monty Phyton" y  otros proyectos independientes que colaboró.

 

De acuerdo al documental “Living in the material World” de Martin Scorsese, Harrison  se estuvo preparando largo tiempo  espiritualmente para abandonar esta dimensión por sus enorme fe en la religión hinduista, donde practicó la meditación que le dio esa paz que irradiaba pero que no le eximía de esa humanidad donde manejaba a perfección el sarcasmo y siendo “tan pasional y carnal como cualquier ser humano” pero con dosis de la espiritualidad que  profesara y que lo condujo para abandonar esta dimensión y por ello donde esté  una oración para el " maestro".

Five to One (New Stereo Mix)

LIBRO RECOMENDADO

DOORS “NADIE SALE VIVO DE AQUÍ”:

 

“Nadie Sale vivo de aquí” es el nombre que se le dio en la versión en español (traducción hecha por Gil y Manzano) del libro escrito por el periodista Jerry Hopkins y el ex asistente de Jim Morrison, Danny Sugerman en el año 1980 “No One Here Gets Out Alive” (frase del primer párrafo de la canción “Five to one”), donde en más de 300 páginas se describen los excesos del fallecido cantante y su paso fugaz pero perecedero en los Doors, reflejando la dicotomía entre ser un rock Star o un poeta maldito.

 

Como dato adicional se puede agregar que la película noventera del director  Oliver Stone protagonizada por Val Kilmer  se queda chica ante las anécdotas del libro.

George Harrison - Blow Away (Official Music Video)

GEORGE HARRISON Y SU LP “HOMÓNIMO”:

 

Un 20 de febrero de 1979 el sello “Dark Horse Records” publicó en USA  el octavo disco en estudio de George Harrison llamado igual que el músico “George Harrison” y en UK  fue publicado tres días después un 23 de febrero del mismo año, llegando hasta el puesto 14 de los charts de la Billboard Top 200 y 34 en su país de origen.

 

Luego de más de dos años sin publicar discos, (el último que había realizado fue el 33 1/3 de noviembre de 1976) George Harrison volvió a su  estudio de grabación en su casa de Friar Park con un nuevo impulso y entre marzo y octubre de 1978 se llevaron  a cabo las sesiones de este disco bajo la producción de George y Rus Titellman, que fue realizado con  una dualidad de sentimientos por parte del guitarrista además de haberlo co  producido con el estadounidense Russ Titellman  quien ya había trabajado con Steve  Winwood y Clapton.

 

Las circunstancias fueron que a principios de 1978 murió el padre de Harrison pero a los pocos meses la felicidad llega nuevamente a su vida con el nacimiento de su único hijo Dhani (agosto 1978) que tuvo con Olivia  Trinidad con quien se casa un mes después, es más de transición como un volver a empezar utilizando  antiguas composiciones de la época de los Beatles   (Not Guilty, Here comes the Moon) y nuevas canciones que se reparten en los diez surcos del mismo  con tres singles como Loves Comes to Everyone, Faster que es un homenaje a los pilotos de Fórmula Uno que era una de sus nuevas aficiones y Blow Away que fue el más exitoso de los tres.

 

 Además contó con la colaboración de músicos amigos como  Andy Newmark  en la batería, Willie Weeks  en el bajo, Neil Larsen en los teclados y  mini Moog, el oportuno Ray Cooper en la Percusión, el ex Traffic Stevie Winwood con el Polymoog, Harmonio, Mini Moog y coros, Emil Richardsen la Marimba, Gayle Levant en la armónica, Del Newman en vientos y  Eric Clapton  en la guitarra inicial de "Love Comes To Everyone".

 

RUSTY YOUNG:

RUSTY YOUNG:

 

Norman Russell "Rusty" Young  nació en Long Beach, California un 23 de febrero de 1946 y empezó a  tocar la guitarra steel desde su adolescencia  actuando  en diversas  bandas de country y psico-rock durante su juventud.

 

 Young fue considerado uno de los mejores guitarrista Steel de la historia y su fama se remonta cuando  toca ese instrumento en el tema “Kind Woman” de la mítica banda “Buffalo Springfield”  e  hizo amistad con los integrantes, sobre todo con  Richie Furay (compositor de ese tema) y Jim Messina  y cuando se desbandan los  “Buffalo  Springfield” crean al poco tiempo el grupo “Poco” a mediados de 1968 grabando más de veinte álbumes  y Young era  el único miembro original que seguía  en la banda hasta su retiro en el 2017.

 

Un comunicado oficial publicado por su compañía discográfica señaló que Rusty Young falleció el 14 de abril del 2021 de un ataque al corazón en su casa en Davisville, Missouri.

 

ROSE OF CIMARRON:

 

La fuente de inspiración para crear la canción Young la tomó de un afiche que encontró  mientras la banda estaba de gira por Oklahoma en 1973  y era  sobre la leyenda de  una bandida  del “Far West”  que se llamaba Rose Dunn y que la apodaban “Rose of the Cimarron” que tuvo un romance a los 15 años con otro forajido del siglo XIX George "Bittercreek" Newcomb.

 

Rose of Cimarron  se volvió en un himno al poco tiempo de ser editada  debido a su intensa melodía, los arreglos orquestales  y las intensas interpretaciones intercaladas por parte del guitarrista  Paul Cotton y el bajista Timothy B. Schmidt (futuro Eagle) y sobre todo la guitarra steel de Young es cierto luego de escucharse por primera vez dan ganas de hacerlo nuevamente, sobre todo ese final orquestado por violines que se puede escuchar al final de la canción.

Carl Anderson

CARL ANDERSON EL ETERNO JUDAS DE JESUCRISTO SUPERSTAR:

 

El gran Carlton Earl o más conocido como Carl Anderson nació en una numerosa familia en Lynchburg, Virginia un 27 de febrero de 1945 y  fue un cantante y actor estadounidense que se hizo inmortal por su interpretación de Judas Iscariote en el musical de Broadway y la correspondiente versión en el cine de la ópera rock de Andrew Lloyd-Webber, “Jesucristo Superstar”. (Recuérdese que en el álbum el cantante inglés Murray head fue quien lo interpretara en el álbum y el Single Superstar de 1970).

 

 Y para los que vimos la película del director Norman Jewison y que produjo Robert Stigwood, prácticamente le robó el protagonismo a Ted Neely (quien hacía el papel de Jesucristo) con su atormentado e histriónico Judas, Anderson en otras ocasiones volvió a recrear su personaje y falleció de leucemia cuatro días antes de cumplir  los 59 años un 23 de febrero del 2004.

 

Johnny Winter -

RECORDANDO AL GRAN “JOHNNY WINTER”:

 

 El que fuera el guitarrista John Dawson Winter III, más conocido en el mundo de la música como “Johnny Winter” nació en la localidad de Beaumont, Texas un 23 de febrero  de 1944 y al igual  que su hermano menor Edgard nació albino y  desde muy pequeños  fueron inducidos en la música por su padre John Dawson Winter II, que era cantante y músico de festividades  que dominaba el saxo  y la guitarra y que le enseñó a sus hijos, destacando Johnny en la guitarra y su hermano Edgard en los teclados complementándose uno al otro.

 

Y ya a los 15 años Johnny se hizo cantante y guitarrista profesional y además un dotado para el dominio de la técnica del “slide guitar” donde fue un maestro, al igual que en  la mandolina y armónica y en 1959 graba con su grupo  Johnny and the Jammers  el tema "School Day Blues" en un sello discográfico de Houston y a los pocos años se hace solista.

 

En 1967 graba su primer single como solista llamado  “Tramp” y al año siguiente su álbum debut llamado “The Progressive Blues Experiment” en un sello pequeño, al año siguiente firma por Columbia Records y con el álbum Johnny Winter  (1969) despega su carrera musical que constó de más de 15 discos en estudio y media docena en directo además de haber sido un competente productor de blues y un buen trabajo hizo con álbumes de Muddy Waters.

 

En directo mostró ser un gran intérprete de la música blues y de las improvisaciones con una técnica incomparable del uso de la slide guitar y las actuaciones que dejó registradas son el  testimonio de su arte y destreza musical, pero el maestro Johnny Winter murió en la habitación de un hotel en Suiza un 16 de julio del 2014  justo dos días después de haber dado un concierto.

DAVID CROSBY (1971) - Laughing

DAVID CROSBY & “LAUGHING”:

 

El mejor álbum  de David Crosby  a ojos cerrados  fue el primero como solista llamado  “If I Could Only Remember My Name” (Si yo pudiera recordar mi  nombre) que fue publicado por Atlantic Records el 22 de febrero del  año 1971 y la mejor canción de este clásico de la música es quizás el irónico tema “Laughing” que cierra el lado dos del mencionado álbum.

 

Como conocerán los fans del desaparecido Crosby el álbum estaba dedicado a la memoria de Christine Hinton, quien fuera la novia del músico  (a quien le había dedicado la canción Guinevere del álbum CS&N) y que falleciera en un accidente automovilístico en  Marin County  un 30 de setiembre de 1969 lo que dejó al músico desbastado y deprimido viviendo en un bote y solo trabajando  en la música todas las horas se olvidaba de lo ocurrido.

 

Y la canción Laughin le tomó un buen tiempo en crearla y su primera maqueta data del 11 marzo de 1970 y lo retoma en las grabaciones del disco “If I Could Only Remember My Name” y para lograr el sonido le ayudó el joven ingeniero de sonido Stephen Barncard y se grabó en los estudios Wally Heiders de San Francisco por setiembre de 1970 y contó con el apoyo musical de medio Grateful Dead como Jerry Garcia en la guitarra pedal steel, Phil Lesh en el impresionante bajo, Bill Kreutzmann  en la batería y el apoyo de Graham Nash y  Joni Mitchell en  los coros de la parte in the Sun.

 

Y por supuesto Crosby en la guitarra rítmicas y la voz y solamente esta  canción sea un motivo por el que muchos consideren al viejo Dave un genio.

 

 

 

David Crosby - If I only could remember my name. [ Full Album 1971]

DAVID CROSBY & “IF I COULD ONLY REMEMBER MY NAME:

 

Un 22 de febrero del  año 1971 el sello  Atlantic Records publicó el primer álbum  como solista del que fuera el icónico  cantautor californiano  David Crosby llamado “If I Could Only Remember My Name” (Si yo pudiera recordar mi  nombre) que es considerado  el mejor de su autoría y hoy en día es considerado una joya musical que en su tiempo llegó hasta el puesto 12 de las listas de su país  en el Billboard 200.

 

El álbum fue dedicado a su fallecida novia Christine Hinton que había muerto en un accidente automovilístico un 30 de setiembre de 1969  y forma parte desde el 2010 en la lista de los “Diez Top discos de todos los tiempos” nada menos que del “fundamentalista Vaticano” y el periódico del mismo  Vaticano L'Osservatore Romano lo declara como el segundo mejor disco de la historia luego del Revolver de los Beatles.

 

El disco se grabó en diversos periodos de tiempo entre fines de 1970 e inicios de 1971 en los estudios Wally Heiders de San Francisco y los  A&M Studios de Hollywood y fue producido por el mismo Crosby contando  con la participación de Graham Nash, Neil Young, Joni Mitchell (quien fuera su pareja por 1968) y algunos miembros de Jefferson Airplane como el guitarrista Jorma Kaukonen y el bajista Jack Casady, Jerry García y otros integrantes del Grateful Dead y del grupo Santana entre otros y por la cantidad de gente que colaboró se les puso el apodo informal de “The Planet Earth Rock and Roll Orchestra”.

 

Con el paso del tiempo se ha convertido en un clásico de la música, figura en las listas de álbumes de todos los tiempos y  por la calidad de las composiciones y de quienes participaron en ellas algo irrepetible  “Music is Love”…

 

Genesis - The Silent Sun (1968)

THE SILENT SUN: EL TEMA “BEE GEE” DE GENESIS:

 

Cuando eran los primeros días de la banda Genesis, sus integrantes motivados por el instinto comercial de su primer representante y productor, escribieron canciones pop a los estilos imperantes de esos tiempos con toda la parafernalia de la orquestación influenciados por  el beat y el pop  de los grupos de moda.

 

Y una muestra es este tema que sería la canción “Bee Gees de Genesis” (Es notorio cuando Gabriel  imita  el vibrato vocal de Robin Gibb)  años más tarde el mismo Gabriel admitiría que usó  el estilo del fallecido Gibb para este tema a sugerencia de su ex manager King) y la canción fue  co escrita por el mismo  Peter Gabriel y el tecladista Tony Banks y que fuera producido por el luego comprobado pedófilo y otrora pop Starr el mencionado Jonathan King.

 

 Fue publicado como su primer e histórico single un 22 de febrero de 1968 y que un año después fuera el tema de apertura de su primer álbum que no tenía nada de progresivo el folk pop “From Genesis to Revelation” (marzo de 1969).

 

Andy Warhol

RECORDANDO A ANDY WARHOL Y LOS 15 MINUTOS DE FAMA:

 

El artista Andy Warhol nacido con el nombre de Andrew Warhola un 6 de agosto de 1928 en Pittsburgh, Pennsylvania de un matrimonio entre dos inmigrantes judíos en lo que hoy es Eslovaquia y que emigraron a USA luego de la  primera guerra mundial y el cuarto hijo del matrimonio fue Andy que sufrió de escarlatina que le dio un pálido pigmento a su piel y como era enfermizo  en las horas que pasaba en cama desarrolló el arte de la pintura, diseño y escultura.

 

Warhol estudió arte comercial en el Instituto de Tecnología Carnegie  en la década del cincuenta incursiona en el mundo de la pintura publicitaria, desarrolla una técnica de pintura borrosa, luego nace su fama y celebridad hasta que  un domingo  22 de febrero de 1987 murió el pintor, videasta que fuera uno de los  creadores del arte pop en un hospital de Nueva York tras lo que iba a ser una simple  operación en la vesícula.

 

Fue mecenas de los artistas que surgieran en la escena neoyorquina de los sesentas en su famoso taller llamado “The Factory” y allí, bajo su padrinazgo se crea el grupo “The Velvet Underground”, además fue el que predijo proféticamente que todo el mundo buscará y tendrá sus “Quince minutos de fama”, como acertadamente lo predijo de esta manera;

 

“En el futuro todo el mundo será famoso durante quince minutos. Todo el mundo debería tener derecho a quince minutos de gloria".

 

 ¡Muy cierta la frase del maestro y más  ahora con el auge de  las redes sociales y nuestra incesante búsqueda de notoriedad!