Ringo Starr - Photograph

PHOTOGRAPH DE RINGO STARR:

 

Un 24 de septiembre de 1973 el sello Apple aún de los Beatles lanzó al mercado de USA (en UK sería publicado el 19 de octubre del mismo año) el exitoso single de Ringo Starr, “Photograph” compuesta por él y George Harrison a mediados de 1971 quien además le hace los coros y toca las guitarras en el tema) y como  lado B se encuentra la canción “Down And Out” también  co-escrita con el Beatle George.

 

La canción fue producida por el experimentado Richard Perry que ya había trabajado con Harry Nillson y además la canción formaba parte del álbum “Ringo” (publicado en UK el 23 de noviembre de 1973) y fue grabada en Sunset Sound Recorders por marzo de 1973 con los mismos  músicos que participaron en el álbum.

 

Y para promocionarlo Ringo Starr filmó un video sin guión (que fue dirigido por Michael Hurll, el productor de Top of the Pops) teniendo como locación  su recientemente adquisición la mansión de Tittenhurst Park en Ascot que anteriormente perteneciese a John Lennon y fue en ese el lugar en donde por última se tomaran la última sesión de fotos los Beatles en setiembre de 1969.

Nirvana - Lithium

NIRVANA “LITHIUM” DEL NEVERMIND:

 

El 24 de septiembre de 1991 se publica el segundo disco  de la banda Grunge  Nirvana, el  ya clásico “Nevermind”, que fue producido por Butch Vigg (quien se hizo famoso luego como creador y baterista del grupo Garbage) y que fue el que dio álbum  la fama mundial a trío que  lideró el desaparecido Kurt Cobain, como esa canción “Smells like teen Spirit” y otras oscuras letras que los hicieron los abanderados de los jóvenes melancólicos de franela, este tema es un clásico y por la letra uno tuvo que darse cuenta de la bipolaridad que padecía el desaparecido guitarrista, cantante y compositor.

 

 

"LITHIUM"

 

I'm so happy 'cause today

I've found my friends...

They're in my head

I'm so ugly, but that's okay, 'cause so are you...

We've broken our mirrors [Alt: We broke our mirrors]

Sunday morning is every day for all I care...

And I'm not scared

Light my candles, in a daze

'Cause I've found god

 

Yeah, yeah, yeah [6x]

 

I'm so lonely, but that's okay, I shaved my head...

And I'm not sad

And just maybe I'm to blame for all I've heard...

But I'm not sure

I'm so excited, I can't wait to meet you there...

But I don't care

I'm so horny, but that's okay ...

My will is good

 

Yeah, yeah, yeah [6x]

 

I like it - I'm not gonna crack

I miss you - I'm not gonna crack

I love you - I'm not gonna crack

I killed you - I'm not gonna crack

 

I'm so happy 'cause today

I've found my friends ...

They're in my head

I'm so ugly, but that's okay, 'cause so are you...

We've broken our mirrors [Alt: We broke our mirrors]

Sunday morning is everyday for all I care...

And I'm not scared

Light my candles in a daze ...

'Cause I've found god

 

Yeah, yeah, yeah [6x]

 

[2x]

I like it - I'm not gonna crack

I miss you - I'm not gonna crack

I love you - I'm not gonna crack

I killed you - I'm not gonna crack

Screaming Trees - All I Know

SCREAMIN TREES “ALL I KNOW”:

 

El grupo alternativo  de Ellensbburg, Washington  “Screamin’ Trees” fue formado en el año 1985 años antes de la eclosión de la moda “Grunge” noventera  por  el ya fallecido Mark Lanegan en las potentes  voces y los hermanos  Gary Lee Conner en las guitarras y Van Conner en el bajo y el último en llegar  fue Mark Pickerel en la batería.

 

 Hicieron su primer disco en 1986 llamado “Clairvoyance”, pero su mejor obra de lejos, lo hicieron una década después llamado “Dust” (1996), donde el tema “All I Know” es un clásico de la composición sobre todo cuando el guitarrista alterna la acústica y eléctrica a la vez.

LA BANDA CALETA INCREDIBLE HOG:

LA BANDA CALETA

INCREDIBLE HOG:

 

Incredible Hog fue un buen grupo de inicios de los 70, en pocas palabras, un power trío  Londinense  que mezcló el pop melódico con mucho rock pesado y con  letras a la altura de su demoledor sonido, la banda estuvo formada por el guitarrista, vocalista y compositor Ken Gordon, el bajista Jim Holmes y el baterista de origen sudafricano Tony Awin y el peculiar nombre es una derivación del comic  "The Incredíble Hulk”.

 

Empezaron a ser conocidos en conciertos que brindaban en su propio club, The Pig Sty, sin llamar la atención de alguna compañía discográfica que se soluciona cuando un determinado Ken Gordon  entra a las oficinas de Dart Registros y se niega a salir hasta que alguien  escuchase el demo de su banda. Después de esperar todo el día, y de haber sido amenazado de expulsión por la policía, se las arregló para conseguir la cinta escuchada y dentro de dos semanas, Increíble Hog se firmaron por el sello discográfico.

 

Así nace el único disco que graban, "Volumen I" (DART 65.372)  a mediados de 73, recibiendo grandes elogios de la crítica, pero estaba demasiado adelantado a su tiempo para generar la aceptación del público en general. Sin embargo, la banda llegó a dar de gira por UK para promocionar el álbum, e incluso comenzó a grabar un seguimiento, antes de una mezcla de apatía compañía discográfica y la falta de éxito comercial llevó a la banda a separarse a fines de 1973.

 

Luego de la disolución del grupo se supo que Ken Gordon (el guitarrista, vocalista y compositor) volvió a trabajar como músico de sesión y colaboró en las grabaciones de  músicos de la talla de The Rubettes, Los Tremeloes y los Metal Kids pesados, hoy en día, todavía sigue escribiendo canciones, pero es más conocido por su carrera como actor, apareciendo en programas de televisión como "The Bill" y "Burning de Londres". Tony Awin (baterista) trabajó con The Crazy World de Arthur Brown y James Last, y hoy en día todavía está implicado en el trabajo directo y sesión y el bajista, Jim Holmes entró en trabajo de producción y creó  la Bufanda Estudios y también dirige una exitosa compañía de producción teatral.

 

EL TEMA INMORTAL DE LA BANDA: LAME

“SIMON COWE” DE LINDISFARNE:

“SIMON COWE” DE LINDISFARNE:

 

El  que fuera el guitarrista “Simon Cowe” de padres escoceses nació en la región de  Newcastle  un 1 de abril de  1948 y fue uno de los fundadores del grupo folk progresivo “Lindisfarne” junto al tecladista y vocalista Alan Hull donde además de la guitarra solista tocaba otros instrumentos y permaneció en el grupo durante dos etapas entre 1970 hasta 1973 y en su reagrupación desde 1978 hasta su partida definitiva en 1993, luego se fue a radicar a Canadá donde falleció el 30 de setiembre del 2015 luego de padecer una prolongada enfermedad.

 

La canción “Lady Eleanor” fue escrita por el cantante y tecladista de la banda Lindisfarne Alan Hull para el primer  álbum del grupo llamado “Nicely Out of Tune” de 1971 (antes ya había aparecido como single sin éxito en las listas).

 

Las letras están basadas en el cuento corto "La caída de la casa Usher”, escrita en  1839 de las Narraciones Extraordinarias de Edgard Alan Poe  y la Lady Eleanor del tema es nada menos que Madeleine la hermana de Roderick Usher, el protagonista del relato.

 

El tema está narrado en tercera persona y trata sobre la belleza y la fragilidad de esta dama y como  la vida  se puede escapar a través de los  brazos de la muerte.

 

NEVERMIND DE NIRVANA:

NEVERMIND DE NIRVANA:

 

El 24 de septiembre de 1991 DGC Records (disquera de propiedad del conocido magnate de la música David Geffen)  publicó el segundo disco  en estudio de la banda del movimiento “Grunge”  Nirvana, el  ya clásico “Nevermind” (Nunca más), que fue producido por Butch Vig (quien se hizo famoso luego como creador y baterista del grupo noventero semi pop Garbage.

 

 Y fue este  álbum el que le da fama mundial a trío que  lideró el desaparecido Kurt Cobain, como esa canción “Smells like teen Spirit” con su riff ahora archiconocido  que los catapultó a la fama  y que además contiene otras oscuras letras que provenían de los delirios bipolares de Cobain que hizo de Nirvana los abanderados de los jóvenes melancólicos vestidos con camisa de franela.

 

El disco es el primero que cuenta con la participación del  baterista Dave Grohl, que sustituye a  Chad Channing  que había tocado  en el disco debut  Bleach (1989), el disco se grabó entre los meses de mayo a junio de 1991 en los estudios Sound City y  Van Nuys de  California y Devonshire, North Hollywood y lanzaron 4 singles exitosos y está clasificado en el puesto 4 de los 500 mejores discos de todo los tiempos de la revista Rolling Stone.

BRETT ANDERSON:

BRETT ANDERSON:

 

Un 29 de setiembre de 1967 nació el cantante Brett Anderson  en el condado de West Sussex (UK), quien fuera  vocalista de la banda brit pop “Suede” que formó  en 1989.

 

Lo particular de este cantante es que como tantos jugó con sexualidad para tener más prensa y logró un personaje andrógino que fue la característica de sus presentaciones con la banda, que fue un respiro ante tanto Grunge depresivo venido de USA.

 

Pero aunque hecho  declaraciones polémicas como "Soy un bisexual que nunca ha tenido una experiencia homosexual" lo real es que no tiene nada de gay ya  que en los inicios de Blur su chica (quien fuera luego guitarrista y cantante de Elástica Justine Frischmann”) lo deja por el cantante de Blur y actualmente está casado con una médico naturista con la que vive actualmente con sus dos hijos en Nothing Hill, allá quienes buscaban a un sucesor del Bowie setentero o del insoportable Morrisey, pero el escándalo vende.

 

Lo cierto es que la música de “Suede” sigue siendo de calidad.

 

 

MARK FARNER:

MARK FARNER:

 

El cantante y guitarrista “Mark Frederick Farner” nació un 29 de setiembre de 1948 en Flint, estado del noreste de USA  Michigan y será recordado por haber sido el líder y voz principal  de la banda de hard rock “Grand Funk”.

 

Junto a Don Brewer, en la batería y voces (ex compañero del grupo Terry Knight and the Pack)   Mel Schacher en el bajo (ex Question Mark & the Mysterians) y con el patrocinio  de su ex compañero musical Terry  Knight, ahora como manager crean  el grupo  “Grand Funk Railroad” a fines de 1968  donde él se hizo cargo de las guitarras, armónica y voz.

 

El grupo fue popular con la gente desde un inicio, aunque la crítica siempre les dio duro pero el tiempo ha rescatado su valía y su permanencia en la banda fue hasta el año 1976 en que se desbandó y decidió no volver a ninguna de sus reencarnaciones, hasta la década del 90 pero por poco tiempo,  actualmente se volvió cristiano y participa en la música esporádicamente tocando aún sus viejos temas.

 

Farner, aunque rubio de nacimiento no rechaza sus raíces indígenas (su abuelo materno era indio cherokee) y contribuye filantrópicamente con sus ascendientes y sus causas y luego que se separara definitivamente de la banda que creara en 1998 sigue en vigencia ya como solista o como parte de banda de estrellas y sus creencias cristianas y sigue haciendo giras y volviendo a tocar sus temas históricos y hace poco estuvo de  gira por Sudamérica y además de temas cristianos volvió a repasar los temas de su antiguo grupo.

Jerry Lee Lewis

JERRY LEE LEWIS “THE KILLER”:

 

Un 29 de setiembre de 1935 nació el gran “Jerry Lee Lewis” unos de los pioneros del Rock and roll y el  Rockabilly en un poblado pobre  de Elmo y Mamie Lewis en Ferriday, Concordia Parish, al este de Louisiana y sería conocido por su particular forma de tocar el piano como “The Killer”.

 

Jerry Lee de costumbres afrancesadas por la locación de su nacimiento tuvo el apoyo de sus padres para desarrollar su carrera musical ya que hipotecaron la casa para comprarle un piano a su talentoso hijo que debutó profesionalmente a fines de 1949 en una banda de country  y en el mundo del rock and roll será conocido como “The Killer”, por las contundentes actuaciones que daba en vivo, la forma como aporreaba el piano y a veces los espectáculos pirotécnicos con el mismo, además de esa voz inconfundible que hizo de él un pionero del Rock and roll.

 

En 1956 debuta en Sun Records y empieza su leyenda, con  esas canciones ya celebres  que se publicaron en la década de los cincuentas como "Whole Lot of Shakin' Going On""Great Balls of Fire" y You Win again (1957) "High School Confidential", “Lewis Boogie”,  (1958), “Little Queenie (1959), "What'd I Say” entre otras canciones.

 

Los tiempos han cambiado en este nuevo siglo “paramétricamente correcto” si se hubiese descubierto su romance con su prima de apenas 13 años (que luego fue su tercera esposa, Myra Gale Brown) con la  que se casa en diciembre de 1957 lo hubiesen metido preso pero eran otras épocas jurídicamente hablando pero el escándalo  si hizo mella en su carrera en los cincuentas para reaparecer a mediados de los sesentas donde ya no tuvo la repercusión de sus inicios  y el   personaje de la referencia sigue con su calidad musical intacta y aunque no fue un compositor prolífico, el tema "Great Balls of Fire” lo identificará de por vida.

RECORDANDO A OTIS RUSH:

RECORDANDO A OTIS RUSH:

 

El que fuera el guitarrista  y cantante de blues  “Otis Rush Jr.” nació en la ciudad de  Philadelphia, estado de Mississippi  USA un 29 de abril de 1934 y el Jr. es porque su padre se llamaba Otis C. Rush.

 

En su temprana adolescencia ya dominaba la guitarra y su particularidad es que era zurdo y tocaba la guitarra sin cambiar el orden de las seis cuerdas, es decir como si fuera para un diestro y esto tuvo repercusión en su sonido peculiar dominando la técnica del glissando que hacía que el sonido de su guitarra pasara de un agudo a grave o viceversa o el uso de su dedo meñique para más efectos siendo imitado por otros músicos como Michael Bloomfield, Peter Green o Eric Clapton, además tenía una potente voz con tonos hasta de tenor.

 

Inició su carrera en Chicago, por el año 1949 y sus primeras y más clásicas grabaciones datan de 1958 en Cobra Records donde graba cerca de ocho singles y está el tema de Wille Dixon "I Can't Quit You Baby"  que Led Zeppelin versionaría  hasta el cansancio y sus composiciones “All your Love” y “Double Trouble” que John Mayall haría también covers, pasando en 1960 a la legendaria Chess Records donde haría menos singles y no tan populares.

 

Otis Rush grabó su primer álbum en 1968 en el sello Blue Horizon de Mike Vernon y su último disco fue publicado en 1998, haciendo paralelamente presentaciones, siendo la última en el 2016 ya  que falleció un 29 de setiembre del 2018 debido a un infarto.

RECORDANDO A OTIS RUSH:

RECORDANDO A OTIS RUSH:

 

El que fuera el guitarrista  y cantante de blues  “Otis Rush Jr.” nació en la ciudad de  Philadelphia, estado de Mississippi  USA un 29 de abril de 1934 y el Jr. es porque su padre se llamaba Otis C. Rush.

 

En su temprana adolescencia ya dominaba la guitarra y su particularidad es que era zurdo y tocaba la guitarra sin cambiar el orden de las seis cuerdas, es decir como si fuera para un diestro y esto tuvo repercusión en su sonido peculiar dominando la técnica del glissando que hacía que el sonido de su guitarra pasara de un agudo a grave o viceversa o el uso de su dedo meñique para más efectos siendo imitado por otros músicos como Michael Bloomfield, Peter Green o Eric Clapton, además tenía una potente voz con tonos hasta de tenor.

 

Inició su carrera en Chicago, por el año 1949 y sus primeras y más clásicas grabaciones datan de 1958 en Cobra Records donde graba cerca de ocho singles y está el tema de Wille Dixon "I Can't Quit You Baby"  que Led Zeppelin versionaría  hasta el cansancio y sus composiciones “All your Love” y “Double Trouble” que John Mayall haría también covers, pasando en 1960 a la legendaria Chess Records donde haría menos singles y no tan populares.

 

Otis Rush grabó su primer álbum en 1968 en el sello Blue Horizon de Mike Vernon y su último disco fue publicado en 1998, haciendo paralelamente presentaciones, siendo la última en el 2016 ya  que falleció un 29 de setiembre del 2018 debido a un infarto.

jJOVANOTTI:)

JOVANOTTI:

 

Un  27 de septiembre de 1966 nace en la ciudad de  Roma con el nombre de “Lorenzo Cherubini”, que desde pequeño tuvo la vocación musical y  quien luego al desarrollar su carrera sería conocido con el apelativo de “Jovanotti”.

 

 Y es considerado como uno de los precursores del rap y hip hop italianos, aunque no comulgue mucho con esa movida, pero el tema "El ombligo del mundo" me parece de lo mejor, con una interesante letra y una fotogénica “llama”, quizás den alusión que el lugar sería el Cuzco.

RECORDANDO A “CLIFF BURTON”:

RECORDANDO A “CLIFF BURTON”:

 

Quien fuera el bajista  de la banda Metallica “Cliff Burton” nació en el condado de Castro Valley, California el 10 de febrero de 1962 y falleció en Kronoberg, Suecia en un fatídico accidente de carretera un 27 de septiembre de 1986.

 

Burton creció en un hogar liberal y desde pequeño sus padres le inculcaron su amor por la música aprendiendo primero el piano clásico, pero cuando muere su hermano decide ser el mejor bajista del mundo practicando hasta seis horas por días  y una de sus primeros grupos es la EZ-Street y por su destreza en el instrumento es contratado por Metallica en 1982, donde fue pieza fundamental sobre todo en el disco “Master of Puppets”.

 

Y parece cierto el refrán de que nadie muere en “la víspera”, ya que en la noche del día 26  en el bus que los transportaba en su gira por Suecia de 1986, Cliff Burton le había ganado en una partida de cartas al guitarrista Kirk Hammett para elegir el  lado de la cama que le había tocado y le dice a Kirk  “que él la iba a ocupar su lugar”, y ese cambio fue fatal, pues pasada la madrugada se va a descansar y es en esos instantes que  el bus se accidenta en la carretera y Burton salió expedido por la ventada, circunstancia  que  fuera mortal para él.

Status Quo Pictures of matchstick men 1968 Remastered With Real 2 Tra...

STATUS QUO “PICTURES OF MATCHSTICK MEN”:

 

"Pictures of Matchstick Men" fue el primer single del grupo inglés “Status Quo” que fue publicado el 5  de enero de 1968 y que meses después fuera incluido como el  último track  de su disco debut “Picturesque Matchstickable Messages “publicado por Pye records el 27 de setiembre del mismo año.

 

Se dice que la canción fue compuesta por Francis Rossi que fuera  el  cantante, guitarrista y líder de la banda  Francis Rossi en su adolescencia  y que se trató en un principio sobre su ex mujer y el error de casarse muy joven y la escribió en el  baño de la casa de su suegra ubicado cerca de un  pantano terminando de hacerla en el  estudio de grabación y referente al término usado como  “Matchstick Men”  es acerca delas pinturas del artista  Laurence Stephen "L.S." Lowry cuyas figuras humanas que pintase fueron denominadas por la crítica como "Matchstick Men" por ser panorámicas y alargadas que en conjunto estas personas parecen a la distancia como grupos de palos de fósforos.

 

La canción al principio iba a ser el lado  B del que iba a ser el single  "Gentleman Joe's Sidewalk Cafe" pero al final se decide invertirse el orden y afortunadamente se le puso como lado “A”  llegando hasta el puesto número 7 de las listas de su país, en Canadá hasta el puesto 8 y llegó hasta el número 12 del Billboard Hot 100 de USA (su único Hit en ese país) y que con el paso del tiempo ha quedado como un clásico de la música por los efectos del phasing en el sonido tipo eco  y la wah wah de las guitarras.

 

The Who - The Beat Club 1969 - Tommy Special

THE WHO PRESENTA TOMMY EN LA TELEVISIÓN ALEMANA:

 

Beat Club fue un programa alemán de la cadena de televisión “Radio Bremen” cuya  primera emisión fue a fines de 1964 y el  último programa fue en el año  1971 y  por ello  dicho show televiso permaneció en el aire más de seis años y se presentaban en su hora de emisión entre reportajes y noticias a las mejores y más representativas bandas de rock de su época,  sobre todo performances en directo de solistas y bandas de  USA  y UK y además era un medio de  promoción y difusión del rock local y sus representantes como el caso de la naciente corriente progresiva llamada  "Klautrock" (Can, Kraftwerk, Amon Dul II entre otras) y por supuesto de las estrellas internacionales “The Who” desde 1965 era un grupo asiduo al show.

 

Y en el programa  correspondiente a la emisión del  27 de setiembre de 1969, justo cuatro meses después de la publicación de su primera “ópera rock” el álbum doble Tommy (23 de mayo del mismo año) presentaron el sociedad algunos temas de los que iba a ser un clásico de la música contemporánea, la historia del muchacho ciego, sordo y mudo  y su auge y caída.

RECORDANDO A “JIMMY MCCULLOCH”

RECORDANDO A “JIMMY MCCULLOCH”:

 

El guitarrista Jimmy McCulloch nació en Glasgow, Escocia un 4 de junio del año de 1953 y desde pequeño mostró una gran habilidad para tocar la guitarra y se hizo mundialmente  conocido a mediados de los 70s por haber tocado la guitarra solista en la mejor encarnación del grupo “Wings” de Paul McCartney desde 1974 hasta 1977 en que se fue de la agrupación  para tocar  con Steve Marriott en los reformados Small Faces.

 

Pero antes de tocar con Maca, inició su carrera de forma precoz en los grupos The Jaygars y en 1969 a los dieciséis años fue integrante del  heterogéneo grupo producido por Pete Towshend llamado “Thunderclap Newman” que obtuvieron un “one hot wonder” con el single  “Something in the air” para luego formar parte a los dieciocho años de “Stone the Crows”, la banda bluesera de la cantante “Maggie Bell” donde reemplazó al guitarrista Les Harvey, que había muerto electrocutado.

 

Irónicamente McCulloch murió de una sobredosis de heroína a los 26 años  un 27 de septiembre de 1979 en su apartamento de Maida Vale, Oeste de Londres pues anteriormente, había compuesto dos canciones “contra las drogas”, la primera llamada “Medicine Jar” del álbum de Wings Venus and Mars, y la otra “Wino Junko”, del disco Wings at the Speed of Sound los dos únicos discos en que participó en esa banda.

EN RECUERDO DE MARTY BALIN:

EN RECUERDO DE MARTY BALIN:

 

El que fuera el cantante y compositor “Marty Balin”, tuvo el mérito que de la nada creó a la banda más representativa del hippismo en la costa oeste de USA, (es decir, San Francisco),  los “Jefferson Airplane” y por ser el impulsor de éste  grupo que fue la mejor representación de  la contractura yanqui  y que ha pasado con creces la historia de la música.

 

 Podemos decir que nació el 30 de enero de 1942 como  Martyn Jerel Buchwald en Cincinnati, Ohio con ascendencia judío y a los 20 años cambia su apellido a Balin más occidentalizado, tiene algunas canciones como solista, forma un bar y allí se da la génesis  del aeroplano Jefferson cuyo nombre lo da el guitarrista Jorma Kaukonen.

 

En los primeros discos él se encargaba de la primera voz y composición de los temas, pero con el ingreso de Grace Slick y la evolución de su compañeros empieza a tener un papel secundario en la banda hasta dejarla en 1970 (y es recordado también al haber sido gomeado por los Hells Angels cuando bajó a defender a las personas del público en el infausto concierto de Altamont organizado por los Rolling Stones), luego de disolverse el grupo colabora en su segunda encarnación Jefferson Starship con algunas buenas canciones como “Caroline”, “Miracles” o “Count on me” y como solista se hizo de cierta fama con las nuevas generaciones con la  meliflua pero efectiva canción Hearts dentro de un álbum que en el contexto tenía además muy bueno temas.

 

En 1989 participó del reencuentro de los antiguos Jefferson Airplane donde graban un respetable disco y luego siguió, lo último que se supo es que le otorgaron un Grammy en el 2016 por su carrera y ese mismo año le operaron mal del corazón demandando al hospital y cesaron sus  actividades musicales hasta que un jueves 27 de setiembre del 2018  falleció Marty Balin en su hogar de Tampa Florida  a los 76 años.

RECORDANDO A “LINDA EASTMAN”:

RECORDANDO A “LINDA EASTMAN”:

 

Un 24 de septiembre de 1941 nació Linda Eastman (hija de un prestigioso abogado judío de origen ruso que al emigrar a USA hizo fortuna en Nueva York y nada que ver con la familia de las célebres  cámaras fotográficas ya que el apellido original de su padre era Epstein) y Linda al casarse con Paul en 1969  pasa a apellidarse “McCartney”.

 

Fue una figura clave en los 60s ya que de sus colaboraciones con la revista Rolling Stone a mediados de los sesentas adquiere una gran destreza como fotógrafa, haciendo notables fotografías  de las estrellas de los 60s como a los Jefferson Airplane, Jimi Hendrix Experience (cuyas tomas aparecen en el interior de su disco Electric Ladyland), Traffic, Doors, Rolling Stones, Eric Clapton entre otros.

 

 Y a inicios de la década de los 70s luego que por le enseña las notas básicas pasa a apoyar a su esposo como tecladista de la nueva banda llamada  “Wings”, para luego ser una activista por la comida vegetariana falleciendo de cáncer en la madrugada del 17 de abril de 1998 en brazos de Paul y rodeada de sus cuatro hijos en su rancho de Tucson, Arizona.

 

 Quizás el mejor homenaje en esta fecha es recordando la canción “Maybe I'm Amazed” compuesto por Paul de su  disco para homenajearla  por el  profundo amor que le brindara Linda en su etapa de depresión post Beatles.

Tim Rose

TIM ROSE:

 

El cantautor conocido en el mundo de la música folk como “Tim Rose” nació con el nombre de Timothy Alan Patrick Rose en el estado de Washington, DC un 23 de setiembre de 1940 y  fue criado por su familia materna en una zona militar donde conoce a Scott Mckenzie (el del tema San Francisco) de quien se hace su amigo, luego se alista a la Fuerza aérea y cuando lo licencian se empieza a dedicar a la música.

 

Y  a inicios de la década de los sesenta la primera banda que forma parte fue The Singing Strings junto a su amigo Scott Mckenzie, luego Rose se va a tocar con The Feldmans que se renombra como Tim Rose and the Thorns, en 1962 conoce a Cass Eliot y John Brown con los que forma el trío The Triumvirate que cuando James Hendricks reemplaza a Brown pasan a ser “The Big 3” de onda folk con los que graba dos álbumes y el single The Banjo Song, composición de la autoría de Rose que se basa en el clásico del siglo XIX Oh Susana que años después la melodía fue copiada por los holandeses de “Shocking Blue” para el hit “Venus”.

 

A partir de 1965 inicia su carrera como solista y su primer álbum se publica en 1967 donde son memorables sus versiones de los temas “Morning Dew” y “Hey Joe” (el single de Jimi Hendrix está inspirado en la versión de Rose), en 1969 publica otro álbum ya sin éxito, se muda a Londres donde graba tres aceptables álbumes con temas propios y su carrera irregular la desarrolló en esporádicas actuaciones en Europa.

 

Tim Rose cuya  voz rota fue  comparado a veces con la de Ray Charles o  Joe Cocker, falleció a los 62 años en el Hospital Middlesex de Londres después de un ataque al corazón durante una segunda operación por un problema del intestino inferior al día siguiente de su nacimiento un 24 de septiembre de 2002.

Joan Jett

 JOAN JETT:

 

Y un 22 de setiembre de 1958  nace en Filadelfia, USA, bajo el real nombre de Joan Larkin, quien sería más conocida  en el mundo de la música como la cantante y guitarrista “Joan Jett”.

                             

Empezó en el mundo de la música como co fundadora de la agrupación femenina “The Runaways”, una banda de adolescentes creada  en realidad por el productor discográfico  Kim Fowley  que buscaba un grupo solo formado por solo mujeres que tocaban y cantaban sus  propios temas y así pasaron a la historia y además de tocar la guitarra, cuando se fue Cherie Currie se convirtió en la vocalista de la agrupación hasta su disolución.

 

Luego como solista,  lideró a su grupo  “The Black Hearts”, cuyo mayor éxito fue el tema que no es de su autoría “I Love rock and roll”, uno de sus canciones de su  coautoría “I hate myself for Loving you” fue también un éxito además de covers que han mantenido su vigencia musical.

 

“DAVID COVERDALE”:

 “DAVID COVERDALE”:

 

El cantante, creador  y líder del grupo “Whitesnake” David Coverdale nació  en Yorkshire, UK un 22 de setiembre de 1951 y su primera incursión importante en la música es en su adolescencia incursionó en los grupos Vintage 67 (1966 - 68) con el grupo The Government estuvo cuatro años (1968 -1972) pero será  conocido por haber sido el co vocalista de voz ronca de Deep Purple junto al bajista Glenn Hughes entre 1973 y 1976 y además de ser el creador de la banda hard rock  “Whitesnake” en 1978 y el nombre del grupo  lo tomó del título de su primer disco solista de 1977 “David Coverdale Whitesnake”, luego que se desbandaran los Purple y que heredara la herencia hard rock del grupo disuelto.

 

Y respecto a la agrupación Whitesnake prefiero los discos editados hasta 1984 donde era el clásico sexteto y su sonido hard bluesero con dos buenos guitarristas como Mickey Moody (quien además fue su colaborador creativo de esos años) y  Bernie Marsden, otro grande y sobre todo contaban con el maestro Jon Lord en los teclados entre otros competentes músicos de los setentas.

 

 Luego de disolver el grupo en 1985 y ansiado quizás más dinero  fama y llegar a las masas adecúa su imagen y sonido al “estilo Glam metal de moda ” con integrantes más jóvenes y con mejor shampoo que los anteriores integrantes  y la de 1987 me parece otra agrupación  y pueden ser buenos músicos quienes lo acompañan en esos años  pero me sabe más al “Glam hair metal ochentera”, sobre todo por el “tintan” tan rubio del cantante y sus disfuerzos por dejar de lado su fuerte estilo vocal por imitar en alguno temas la voz de Robert Plant.

 

En 1993 hizo un buen disco junto a Jimmy Page con buenas canciones pero  seguía imitando el timbre vocal  Plant y luego de la gira del disco reforma Whitesnake se plancha la cara aunque sigue arrugado  y continúa  tocando en la actualidad con los nuevos  Whitesnake del siglo XXI.

Grey Cloudy Lies

RECORDANDO A GEORGE Y EL GREY CLOUDY LIES DE EXTRA TEXTURE:

 

La canción “Grey Cloudy Lies” escrita por George Harrison y que saliese publicada el 22 de setiembre de 1975 como parte del disco “Extra Texture” (noveno surco) y aunque no fue bien recibido por la crítica el álbum en su conjunto el tema es una de las mejores letras introspectivas que haya compuesto el maestro quizás influenciado por las canciones de Leonard Cohen y Townes Van Zandt, los cuales estaban en la cabecera de Harrison.

 

Se dice que la creó en Los Angeles cuando estaba en un largo periodo depresivo luego de sus vapuleados conciertos de la gira a  USA  de 1974 que realizara acompañado de Ravi Shankar donde la voz le jugó una mala pasada además que su álbum “Dark Horse” fuera destrozado por la crítica y la cocaína fue su compañera en esos meses en que Harrison tuvo una crisis de fe consigo mismo donde muchos autores veían hasta signos de grave crisis existencial. 

 

La canción fue grabada un 24 de abril de 1975 acompañado instrumentalmente por David Foster en el piano, Jesse Ed Davis en la guitarra en el efecto Leslie con el pedal wah wah, Jim Keltner en la batería y Klaus Voorman en el bajo que no dejó conforme a Harrison por lo que reemplazó su pista por un bajo tocado por él en un  sintetizador Moog.

 

El paso del Tiempo le ha hecho Justicia a Grey Cloudy Lies siendo una de las mejores baladas y letras que haya creado el maestro George.

 

GREY CLOUDY LIES LYRICS

 

And I thought to close my mouth

With a padlock on the night

Leave the battlefield behind

Stay out the fight

Not lose my sight

 

Now I only want to be

With no pistol at my brain

But at times it gets so lonely

Could go insane

Could lose my aim

 

Now I only want to live

With no teardrops in my eyes

But at times it feels like no chance

No clear blue skies

Grey cloudy lies

 

No clear blue skies

Grey cloudy lies

 

GEORGE HARRISON EXTRA TEXTURE (READ ALL ABOUT IT):

GEORGE HARRISON EXTRA TEXTURE (READ ALL ABOUT IT):

 

Un 22 de setiembre de 1975  el aún sello  discográfica de los Beatles “Apple Records” publicó  en UK  su último álbum antes de disolverse y correspondió al ex Beatle George Harrison tener dicho “Honor” con su sexto disco en estudio llamado  Extra Texture (Read All About It) y el título del álbum era en referencia a su “ingeniosa portada”.

 

Este álbum es quizás el  más introspectivo de la carrera del ex Beatle debido a que lo realizó luego de un  largo periodo depresivo que se inicia con el divorcio de su esposa Pattie Boyd y  luego de soportar  sus vapuleados conciertos de la gira que realizó a USA de 1974 que realizara acompañado de Ravi Shankar y una troupe de consagrados músicos y donde el punto débil fue su voz  que le jugó una mala pasada por esa pasajera ronquera que le impidió cantar bien y por ello  fuera catalogada como un desastre por la prensa.

 

 Además su anterior álbum “Dark Horse” fue también destrozado por la crítica y por ello la cocaína fue su compañera en esos posteriores meses en que Harrison tuvo una crisis de fe consigo mismo donde muchos autores veían hasta signos de grave crisis existencial y aunque no fue bien recibido por la crítica el álbum en su conjunto el tema es una de las mejores letras de su carrera.

 

El disco fue grabado en Los Ángeles, California  durante los meses de abril y mayo de 1975  en los estudios del sello “A&M  Records” debido más que todo a motivos contractuales con  su sello “Dark Horse” (de reciente creación) y contó con la colaboración de  músicos amigos de Harrison como Gary Wright, Jesse Ed Davis, Klaus Voormann, Jim Horn, Jim Keltner,  Tom Scott entre otros y la mayoría de las canciones que forman parte del disco las grabó allí, aparte de completar el antiguo tema “You” que en 1970 había compuesto para Ronnie Spector y que se animara a lanzarlo como single.

 

El disco finalmente fue mezclado en los estudios Abbey Road en Londres y pese a la crítica, no le fue mal en los charts llegando al puesto 16 de las listas de UK y al puesto 8 de los Billboard 200.

 

 

SOBRE LA CARÁTULA:

 

La portada del álbum fue un diseño elaborado por el artista gráfico de “Capitol Records” Roy Kohara, que previamente había ganado un premio Grammy y se puede observar sobre  un fondo de textura de piel de naranja estaba escrito en azul el nombre del cantante y en la parte central  un relieve con el título  del disco y donde se distingue en la parte interna  una foto del músico.

               

Harrison le había proporcionado a Kohara bocetos para cada parte  de la portada con algunas indicaciones y al final queda diseñada una portada  de  color naranja donde se encuentra en forma troquelado la palabra " EXTRA TEXTURE" y a través del cual se veía una imagen de Harrison teñida de azul que era en la funda interior y en la primera edición el  sobre delgado usado para la portada del LP era similar en textura a la "piel de animal usada en una pelota de fútbol".

THE BAND “THE BAND”

THE BAND “THE BAND”:

 

Un 22 de setiembre de 1969 la compañía discográfica Capitol Records de Nueva York publicó el segundo álbum del grupo canadiense “The Band” llamado al igual que la agrupación “The Band” y que fue considerado por la crítica como mejor elaborado que su  disco debut de 1968 y ser unánimemente considerado como uno de los discos más relevantes de la historia del rock y tal como lo dijo el  crítico musical M.E. Cooper: “Quizás el mejor álbum de cualquier grupo de rock and roll. Atemporal, conmovedor, sin fisuras”.

 

Luego de haberse publicado el álbum  Music from Big Pink en julio de 1968 muchos promotores buscaban a “The Band” para contratarlos para que brindaran conciertos en USA porque el disco pese a no haber sido favorecido en las listas estaba influenciando a muchos músicos y a la gente que los empezó a admirar, pero Rick Danko sufrió un accidente automovilístico que le dejó muchos huesos rotos y el manager Albert Grossman se le acercaba indicando que cada vez ofrecían más dinero para que presentaran su disco debut pero se negaban sin el quinteto original y además a dar entrevistas a la prensa  y una vez recuperado Danko deciden grabar su segundo material a partir de enero de 1969.

 

Los muchachos querían lograr un sonido parecido al que lograron en  "Big Pink", que era  una casa rosada de cuatro habitaciones  localizada en los bosques de West Saugerties, a cinco millas de Woodstock en Nueva York y en el medio de la nada como refirió el organista Garth Hudson donde grabaron el primer disco, pero el estudio  en esta ocasión los alejó d Nueva York y rentó  la mansión de Sammy Davis, Jr. que estaba ubicada en 8850 Evanview Drive en Los Ángeles, Hollywood Hills California ​ y convirtieron su  sala de billar en un estudio de grabación improvisado y en las demás habitaciones se hospedó el grupo y familia terminadose de grabar a inicios de abril y solo 3 canciones (Up on Cripple Creek, Jemima Surrender y Whispering Pines) se grabaron en los estudios Hit Factory  en Nueva York.

 

La particularidad de este disco es que el guitarrista Robbie Robertson había tomado el liderazgo compositivo de la banda colaborando en los 12 temas y coescribiendo 2 de las canciones además parecía un disco conceptual por las materias tocadas en tercera persona y tocando tópicos históricos y de la sociedad de norte américa, la carátula era una foto en blanco y negra sobre fondo marrón por eso se le conoce como “The Brown album”.