JUNIOR CAMPBELL:

JUNIOR CAMPBELL:

 

Un 31 de mayo de 1947 nació en Glasgow, Escocia el guitarrista, pianista y cantante “Junior Campbell”, y desde adolescente aprendió a tocar la guitarra y aunque  nació zurdo la tocaba la como diestro y  más adelante  fue uno de los líderes del grupo "The Marmalade"  y uno de los  compositores  de grandes canciones de este grupo  como “Rainbow”,  “I See the Rain, "Loving Things"  o  el clásico “Reflections of my life” entre otras.

 

The Marmalade o la “mermelada” originariamente  nació  como los Gaylords en  Glasgow, Escocia (UK), en 1961  y  los Gaylords  formado por el núcleo original  Pat Fairley y Billy Johnston y con la incorporación del cantante Dean Ford se empezó a llamar “ Dean Ford and the Gaylords” para que finalmente llamarse como  “The Marmalade” en 1966.

 

En 1967 fueron fichados por el sello EMI Columbia y aunque tuvieron buenas canciones como  "I See The Rain", escrita por Junior Campbell y Dean Ford (Una de las preferidas de Hendrix) no despagaba su carrera y recién tuvieron su primer número uno con  un cover de los Beatles "Ob-La-Di, Ob-La-Da “.

 

A inicios de los setentas cambian al sello “Decca Records” donde no tienen un número uno  sino obtienen dos singles que llegan hasta el número 3 de las listas de éxitos de UK “Reflections of my life (1969) y Rainbow (1970) que se convirtieron en himnos de su generación.

 

“Reflections of My Life” fue escrito por el guitarrista principal Junior Campbell y el cantante  Dean Ford y se grabó en solo tres días en el mes de octubre de 1969 luego el arreglista  Keith Mansfield le añade vientos y un cuarteto de cuerdas y Campbell añade su solo que es grabado con las cinta al revés, por eso su particular sonido  siendo  publicado finalmente por el sello Decca  el 14 de noviembre de ese año no llegando al número uno pero siendo una de las canciones más versionadas hasta el día de hoy.

Donovan - Hurdy Gurdy Man

DONOVAN Y SU “HURDY GURDY MAN”:

 

“Hurdy Gurdy man” o el “hombre de la zanfona” es un tema clave en la carrera musical del trovador y cantautor escocés Donovan Philips Leitch que  nació en Glasgow un 10 de mayo de  1946 que fue publicado como single en UK según algunas publicaciones el 31 de mayo de 1968 y en USA  en octubre de ese mismo año y fue un cambio de giro en su carrera de trovador folk a lo Dylan  en sus inicios y a cambiar radicalmente  hacia la psicodelia y llegó hasta el puesto 4 de las listas de UK y hasta el número 5 en la Billboard 100 de USA.

 

Esta canción de ese estilo fue controvertida desde el momento de su concepción (se dice que la compuso en la  India, durante su estadía a principios  de 1968 con otros famosos como los Beatles, Mike Love entre otros) y en homenaje  al “Maharishi Mahesh Yogi”, su maestro de meditación trascendental  y que Lennon pensara que  acosó sexualmente a las hermanas “Farrow” y  su estribillo es parecido a la canción “Green Circles” de los Small Faces que compusieron un año antes en 1967, tema también con marcada influencia hindú por la instrumentación.

 

Originalmente fue grabado a principios de Abril de 1968 bajo la producción de “Mickie Most” (quien fue básico para el éxito de Donovan a mediados de los sesenta) y fue publicado un mes después en UK como single y en USA en el mes de octubre, una de las controversias legendarias referente a este tema  radicaba en que famosos acompañaron como músicos de sesión al poeta en la grabación de la canción pero el tiempo y las fuentes han ido descubriendo quienes realmente participaron en las sesiones y dejar de lado las fantasías y rumores que se generaron del boca a boca, pues se creía que Jimmy Page y Alan Holdsworth tocaron las guitarras (y no lo hicieron), de acuerdo a John Paul Jones  Page tocó en una toma que fue descartada y  Holdsworth ni pasó por el estudio y quien si participó fue un guitarrsita poco conocido llamado “Alan Parker” quien hace el famoso solo y lo mismo respecto a quien tocó la batería, pues el mito infería que fue el fallecido John Bonham pero se ha comprobado que fue el músico de sesión “Clem Cattini” (aún vivo y reclamando su participación) y del único que se tiene total certeza  que realmente tocó es del productor del single el bajista “John Paul Jones”, así que el 75% de lo que posteriormente iba a ser “Led Zeppelin”,  no participó en este clásico tema.

JOHN “BONZO” BONHAM (1948-1980): THE OCEAN

JOHN “BONZO” BONHAM (1948-1980): THE OCEAN

 

Una de las  mejores maneras  de recordar al gran baterista  John “Bonzo” Bonham con este temón de Led Zeppelin, “The Ocean” (que  forma parte del álbum House of The Holy de 1973 y fue uno de los autores) y la particularidad de esta versión en vivo, es el inicio de la canción donde interviene vocalmente dando las pautas para dar inicio a la canción y marcar el ritmo de esta versión entrañable.

 

¡Un grande e irrepetible músico!

RECORDANDO A “JOHN HENRY O BONZO BONHAM”:

RECORDANDO A “JOHN HENRY O BONZO BONHAM”:

 

En Redditch a diez millas del sur de  Birmingham, en pleno ambiente campirano inglés  nació un 31 de mayo de 1948, el gran “John Henry  Bonham” el eterno baterista de Led Zeppelin” hijo mayor de un carpintero dedicado a la construcción y que por su carácter hiperactivo  y que desde los cinco años había decidido ser baterista y a los 10 años su madre le regala sus primeros tambores que el implementa para que a los 15 su padre le regala un kit completo de Premier Percussion,  su primera batería completa, iniciando su leyenda ya que en la escuela del díscolo muchacho  el director dijo que ni para basurero iba a servir y como de costumbre la vida le respondió  a sus detractores  y desde  pequeño  le decían “Bonzo” en alusión a  su parecido con “Bonzo the Dog” un dibujo animado de los años veinte sobre un perro de raza terrier blanco y regordete con una ojos expresivos caídos y travieso  como el aludido.

 

De adolescente formó parte de los  grupos “Terry Webb and the Spiders”,  “A way of life” con el ahora Fairport Convention David Pegg, The Crawling King Snakes (donde conoció a su futuro socio Robert Plant), grupo que abandona al embarazar a su novia Pattie, casarse y tener a su hijo Jason casi a los 18 años volviendo al ruedo con el grupo The Band of Joy donde coincide nuevamente con Plant con quien entabla una gran amistad, el resto es leyenda,  Plant le recomienda a Page que ve en él potencial y a fines de 1968 se vuelve el baterista oficial de Led Zeppelin y   en mi opinión el baterista más poderoso y potente (entre los mejores) de la historia del rock, los discos de Led Zeppelin y bootlegs son su testamento.

 

Desde la primera vez que escuché a Led Zeppelin me llamó más la atención, el sonido de la potente batería de doble bombo desordenado pero efectivo de  Bonham hasta el día de hoy será mi batero preferido (aunque habrán otros  más técnicos o innovadores)  que  falleció prematuramente en la residencia de Mr. Crowley Page atragantado en sus vómitos víctima de una borrachera sobre todo con vodka en plenos ensayos para su futura gira a USA y se dice que la banda había  de ensayar ya en altas horas de la noche y luego se retira a descansar en la vieja casa de Page, la del molino en Clewer, Windsor y después de la medianoche del jueves 25 de septiembre se quedó dormido y otro asistente lo llevó y coloca en la cama y, pero pocas horas después en la mañana Benji LeFevre, manager de gira de Led Zeppelin y John Paul Jones  encontraron muerto a John Bonham  y solo tenía 32  años y como consecuencia  marcó el fin de una era y sus  restos  fueron cremados y sus cenizas enterradas un 12 de octubre de 1980, en la parroquia de Rushock, Worcestershire.

 

Los miembros restantes de Led Zeppelin deciden disolver  la banda, el manager Peter Grant que lo veía como un hijo concluye sus funciones  por considerarlo irremplazable y lo manifiestan en un comunicado de prensa de 04 de diciembre de 1980 que decía:

 

"Queremos dar a conocer la pérdida de nuestro querido amigo y  el más profundo respeto y consideración  para su familia, junto con el pesar de  nosotros mismos y de nuestro manager, nos ha llevado a tomar la decisión  que ya no podemos seguir como estábamos." Que hasta aquí llegó "Led Zeppelin".

 

PAUL MCCARTNEY & WINGS VENUS & MARS SE PUBLICA EN USA

PAUL MCCARTNEY & WINGS VENUS & MARS SE PUBLICA EN USA:

Un 27 de mayo de 1975 el sello “Capitol Records” publicó en UK y 3 días después en USA (30 de mayo) el cuarto álbum de la agrupación que lideraba Paul McCartney, “Wings” llamado “Venus & Mars” (Venus Y Marte) y que siguió el mismo rumbo exitoso de su predecesor, Band on the Run (1973) llegando a ser número uno en las listas de USA, UK, Canadá, Noruega, España y también obteniendo los primeros lugares en otros países.

Luego de grabar el disco “Escape de la banda”, que prácticamente fue una aventura que casi le cuesta la vida a Paul en Nigeria, decide rearmar Wings contratando al ex Stone The Crow y Thunderclap Newman , el joven Jimmy McCullough y al baterista Geoff Britton con los cuales en noviembre de 1974 graban bajo la misma producción de Paul, tres temas en los estudios Abbey Road, Letting Go", "Love In Song" y el "Medicine Jar" del guitarrista McCullough que además era el intérprete del mismo.

  Ya  en enero de 1975  a Paul se le ocurre nuevamente ir a grabar lo que resta del disco en otro país y viajan al  estado de New Orleans en USA para sentir la vibra de los músicos de ese lugar e  inspirarse en el Carnaval o “Mardi Gras” pero apenas llegando  a los estudios Sea Saint en Louisiana,  se presenta  un choque de personalidades entre  el baterista y el joven guitarrista por lo que el primero  se va de la banda y de inmediato se hacen  pruebas a bateristas de la región  contratando al amable y competente Joe English con quien terminan de grabar el disco en los Wally Heider's Studio de  Los Ángeles, California.

Lo interesante del disco es que se volvió prácticamente el material que utilizaría casi por completo en sus giras sobre todo la de 1976 por USA y sería la conformación más clásica del grupo funcionando realmente como tal, lástima que solo duró un par de exitosos años, pues pudo consolidarse esta alineación.  

SOBRE LA CARÁTULA DEL DISCO:

Fue a partir de una foto de Linda  dos bolas de billar, el grupo Hipgnosis de Storm Thorgerson la diseña, sobre un fondo negro dándole la connotación de la alineación de los planetas Venus & Marte y hubo también buen merchandising de por medio  pues se publicó como libro, con un póster desplegable grupal y una foto central también de la banda en el  desierto de Mojave en Carolina del Norte.

ANTONIO FLORES:

ANTONIO FLORES:

 

El desparecido cantautor español Antonio González Flores nació en Madrid el 14 de noviembre de 1961 y fue hijo de la ya mítica y legendaria cantaora gitana “Lola Flores” llamada  “La Faraona” y el experimentado guitarrista flamenco Antonio González “El Pescaílla”.

 

 Su primer álbum llamado “Antonio” lo publicó en el año 1980, le siguió “Al caer el sol” (1984), y tras el tercero, “Gran Vía” (1988), luego no publica nada hasta  el interesante  “Cosas mías” en 1994, el primer álbum con el que obtuvo el éxito masivo  siendo apreciado por el público como compositor e intérprete, pero su dependencia a las drogas, pastillas y la depresión le pasaron factura cuando estaba en la cresta de su popularidad pues un 30 de mayo de 1995 se suicidó  de una mezcla de alcohol y pepas  15 días después del fallecimiento de su madre a quien idolatraba y no soportó su irreparable pérdida.

 

El tema que acompaña a la crónica llamado “No puedo enamorarme de ti” fue publicado como single en 1982  y fue cuestionada en su melodía por ser muy parecida en el estribillo al de Dylan "Knocking On Heavens Door" pero la letra es de una sinceridad única y brutal que el paso del tiempo no ha podido desmentir cuando has tenido un tormentosa relación, la versión más conocida paradójicamente es la de Joaquín Sabina, pero la del difunto es más emotiva.

 

TOM MORELLO:

TOM MORELLO:

 

Un 30 de mayo de 1964 nació en el picante Harlem en New York el guitarrista Tom Morello que se hiciera famoso como uno de los líderes de la banda “Rage Against The Machine”  contestataria pero tirando para naif por su total desconocimiento de confundir los conflictos internos de algunos países como en una de las canciones de RAM confundir a viles terrucos asesinos de Sendero Luminoso y MRTA con guerrilleros pero su propuesta de potente rock destacó en los noventa.

 

Y aunque las letras del grupo suenen panfletarias en su mayoría, el tipo vivió la discriminación en carne propia por ser mestizo (hijo de keniano con una blanca) y cuenta que desde su temprana  niñez sufrió el bullyng por parte de sus compañeros de escuela y barrio debido al color de su piel y eso refleja a  USA con su sociedad doble cara.

 

Y de allí con otro que las pasó igual que él Zack de La Rocha crean este grupo con letras contestarías que en algunos aspectos idealizada ideologías genocidas panfletarias como la del Che o hacerle una canción a los genocidas de Sendero Luminoso, bueno obviando las letras como guitarrista es muy bueno y las melodías buenas tenía que expresar su opinión ya que detenta una carrera de politólogo.

 

Pero como guitarrista son muy buenos sus riffs y la manera en que hace sonar la guitarra en sus solos tanto en RATM como el fenecido Audioslave, por algo la revista Rolling Stone lo considera en el puesto 40 de los mejores guitarristas del rock y además tiene bastante actividad en producciones de cine y televisión como su aparición y producción en la película “Metal Lords” de Netflix.

GEORGE HARRISON & LIVING IN THE MATERIAL WORLD:

GEORGE HARRISON & LIVING IN THE MATERIAL WORLD:

 

Un 30  de mayo de 1970 el sello “Apple Records” que crearon los Beatles  publicó en USA  y casi un mes después un 22 de junio se editó en UK, el cuarto álbum en estudio como solista del guitarrista  George Harrison llamado “Living in the Material World” algo así como viviendo en el mundo material que pese a no ser tan perfecto  como el disco que le precedió  “All Things Must Pass” (de lejos el mejor álbum del ex beatle)  es un gran disco  con buenas letras y elaboradas melodías con un acompañamiento de instrumentistas de lujo  y que llegó hasta el número 2 de las listas de UK , en cambio en USA, Canadá, Bélgica y otros países de Europa llegó a ser número uno.

 

Luego de la publicación de su obra maestra el triple álbum “All Things Must Pass” (noviembre de 1970) un año después se publica  el triple álbum  del concierto para los refugiados de Bangladesh  (diciembre de 1971) y ambos fueron producidos por Phil Spector y para inicios de 1972 George Harrison prácticamente se había auto impuesto una valla muy alta de superar y por lo que se tomó su tiempo en elaborar su nuevo disco en estudio.

 

Por ello el disco “Living in the Material World” que ya no contó con los servicios de Phil Spector como productor (aunque hay un tema de 1971 de su producción, el “Try Some, Buy some»  se empezó a grabar bajo la producción del mismo Harrison en los estudios Apple de Londres en los primeros días de octubre de 1972 contratando a algunos músicos que habían participado en el Concierto para los refugiados de Bangladesh como Pete Ham, Jim Keltner, Klaus Voorman y otros de su entorno como Nicky  Hopkins, Gary Wright o el mismo Ringo Starr entre otros y las sesiones continuaron en las instalaciones de grabación de la casa de Harrison en  Friar Park hasta fines de noviembre de ese año, luego de una pausa retomaron las sesiones en enero de 1973 nuevamente en los estudios Apple y Abbey Road hasta marzo de 1973 y fue mezclado por Doug Sax en el Laboratorio Mastering de USA.

La mayoría de canciones tienen temática espiritual inspirada en su nuevo Gurú  Swami Prabhupada, el fundador del movimiento Hare Krishna  pero en sí eran eso canciones de esa temática en un músico que venía atravesando problemas maritales y haber recibido su segunda suspensión de su permiso para conducir por un accidente con otra de sus pasiones materiales lo autos y el gesto de desprendimiento del e Beatles es que donó  los derechos de autor para nueve de las once canciones de este álbum.

El único single de promoción fue la canción, '”Give Me Love (Give Me Peace on Earth)” que fue publicada  el 7 de mayo de 1973 en USA  y dos semanas después en UK  y fue u único tema que sacó del primer lugar a un tema de McCartney y Wings  es decir a “My Love” de la cima del Billboard Hot 100.

 

SOBRE LA PORTADA:

Para realizar la carátula del disco Harrison recurrió a Tom Wilkes y a su  socio Craig Baun y la portada es una  fotografía Kirlian (efecto de plasmar en una imagen el efecto corona de cualquier objeto u organismo al aplicar un campo eléctrico sobre una placa) de la mano de Harrison sosteniendo un medallón hindú y la foto fue tomada en el departamento de parapsicología de la UCLA  y el disco se abre (gatefold) y se ve una foto  de una parodia de la última cena donde en medio del jardín de su mansión de Friar Park aparece Harrison al centro vestido de negro tipo monje  con una copa en la mano y a su alrededor en medio del ágape se ve a los músicos Starr, Horn, Voormann, Hopkins, Keltner y Wright - en una mesa larga, cargada de comida y vino y a l fondo se distingue un chofer, un auto deportivo un coche de bebe con niñera y una silla de ruedas vacía quizás la parte material y espiritual a la vez del contradictorio músico y la contraportada la misma mano y una broma muy inglesa para el baterista Jim Keltner.

 

BEATLES “SE PUBLICÓ EN UK COMO SINGLE LA BALADA DE JOHN & YOKO”

BEATLES “SE PUBLICÓ EN UK COMO SINGLE LA BALADA DE JOHN & YOKO”:

 

Un 30 de mayo de 1969 se publicó en Inglaterra bajo el sello “Apple Records” el single "The Ballad of John & Yoko y en USA fue publicada su sucursal y distribuido por “Capitol Records” un 4 de junio de 1969 , canción compuesta por John y grabada por él y Paul  14 de abril de 1969 en los estudios de la EMI situados en la calle Abbey Road bajo  la producción de George Martin sin la intervención de los demás Beatles que se estaban en otras actividades, George de viaje visitando a su madre que se encontraba bien enferma y Ringo que estaba grabando la película “The Magic Christian” o El Cristiano Mágico con Peter Sellers como co protagonista, por lo que John tuvo que  ocuparse de las guitarras, voz y percusión y Paul de los coros, bajo, piano  y la batería.

 

Como anécdota la canción se iba a llamar  “The ballad of John and Yoko (they're gonna crucify me)” que se acortó el nombre por hacer la alusión a la crucifixión de Cristo y  para no volver a tener problemas con los fundamentalistas religiosos y evitar lo que sucedió en 1966 en USA que causó la suspensión perenne de las giras de la banda.

 

En la carátula del single aparecen los cuatro Beatles y la foto fue tomada de una de una sesión llevada a cabo un 19 de abril de 1969 en la casa de Paul en Cavendish Avenue donde estuvo presente Yoko Ono y  la fotógrafa fue la reciente esposa de McCartney, Linda Eastman y como lado "B" se encontraba el roquero tema de George "Old Brown shoe" y es el primer single de los Beatles grabado en Stereo, ser número 1 por dos semanas y su alusión sarcástica a Cristo en el estribillo "They gonna crucify me".

 

 

PINK FLOYD & “PULSE

PINK FLOYD  & “PULSE”

 

Un 29 de mayo de 1995 el sello “EMI Records” publicó en  formato de CD, vinilo y cassette  en UK  el decimoséptimo álbum del grupo Pink Floyd llamado “Pulse” que el 5 de junio fue publicado en USA  por el sello  “Capitol Records “y que básicamente es un disco doble en vivo que recopiló diversas presentaciones del grupo (que con el regreso oficial de Wright era un trió)  durante la gira  europea de presentación de “The Division Bell”  en 1994 y el álbum llegó a ser número uno tanto en UK , USA  y diversos países europeos  y Canadá.

 

Luego de la publicación del disco “The Divison Bell” en marzo de 1994 el grupo Pink Floyd decide promocionarlo con una gira llamada “The Division Bell Tour”  cuyo promotor fue  el empresario de conciertos canadiense Michael Cohl y se convirtió en la gira más taquillera en la historia de la música rock y donde la banda toca  la totalidad del álbum  “The Dark Side of the Moon” en algunas de las fechas.

 

El inicio de la gira fue el 30 de marzo de 1994 en Miami USA  y que incluyo más de 110 shows por varios estados de USA, Canada  varios países de Europa y que concluyó en el auditorio de Earl Court de Londres el 29 de octubre de 1994  y fue en el estado de Michigan donde tocan todo el álbum de “The Dark Side of The Moon” que luego se convirtió en el set principal de la gira, sobre todo en Europa y otro hito importante de la gira es el rescate del tema “Astronomy Domine” de “Syd Barrett” que no la tocaban desde los años setenta y el set se completaba con algunas canciones de “The Wall” y de los nuevos temas entre cinco a siete canciones por noche.

 

Y el material del álbum es de diversos conciertos brindados en Europa grabados entre el 17 de agosto al 29 de octubre de 1994 y se trató de grabar y mezclar con Sound sin regrabaciones en estudio como en el Delicate Sounds of Thunder y desde su aparición fue acogido favorablemente por la crítica y los fans y es considerado uno de los mejores álbumes en vivo de la banda y a pesar de su precio por el arte y aditamentos se vendió bien en ambas costas y llegó a los primeros lugares, este ya clásico de Pink Floyd de la era Gilmour.

EN RECUERDO DEL GENIAL DENNIS HOPPER:

EN RECUERDO DEL GENIAL DENNIS HOPPER:

 

Aunque algunos lo recuerden  como el debutante  actor que hizo del hijo del dúo protagónico (el enclosetado  “Rock Hudson” y la diva Elizabeth Taylor”  dela  película "Gigante" (donde además actúo James Dean) como el joven médico que se casó con su asistente la enfermera mexicana trigueña que incomoda a su familia o también como el asesino psicópata asmático con su clásico respirador  donde realizó quizás su mejor papel en la genial película “Blue Velvet” del director David Lynch o quizás como el demente periodista que le pusiese humor a la película “Apocalipsis Now” del célebre Francis Ford Coppola.

 

Pero cuando escucho el nombre del desaparecido “Dennis Hopper” nacido un  17 de mayo de 1936 Siempre lo asociaré a “Billy” el bigotón motociclista traficante compañero de Wyatt papel interpretado por Peter Fonda la película que dirigió con poco presupuesto y que además  actúa y que es un clásico de los “Road movies” y que en su tiempo de estreno el 14 de julio de 1969 desnudó el pensamiento primitivo de los habitantes de USA  y la intolerancia hacia los que no pensaban igual que el resto de la ciudadanía (nada ha cambiado hasta nuestros días) me refiero a la película "Easy Rider".

 

Esta película contiene una gran banda sonora que refleja el clima de su época con las canciones de Roger McGuinn, The Byrds, The band entre otros y  con los clásicos temas de “Steppenwolf” como The Pusher (You know I've smoked a Lot of grass O' Lord) y el Born to be wild (que introduce el término Heavy metal Thunder) que se escuchan en los primeros minutos del inolvidable film.

 

 ¡Todo un grande que falleciera el 29 de mayo del 2010!

Melissa Etheridge -

BRING ME SOME WATER “MELISSA ETHERIDGE”

 

Esta canción la escuché hace ya buen tiempo  por primera vez en una radio de Lima llamada doble 9 o 99 (que pasaba buena música rock de esos años y del recuerdo) y la interprete me pareció de un gran registro vocal y la canción de gran factura.

 

 Aunque mi adolescente ingenuidad me impidió “reconocer un doble discurso lésbico en sus letra” luego supe que quien la  compuso  además cantaba el tema y se llamaba “Melissa Etheridge” nacida un 29 de mayo de 1961  y que la canción Bring me some  Water” es la penúltima canción de su disco debut homónimo publicado el 2 de mayo de 1988 y  aunque la cantante  sigue en la ruta,  creo que aún no superó esta que considero su mejor canción:

 

Tonight I feel so weak

But all in love is fair

I turn the other cheek

And I feel the slap and the sting of the foul night air

And I know you're only human

And I haven't got talking room

But tonight while I'm making excuses

Some other woman is making love to you

 

Somebody bring me some water

Can't you see I'm burning alive

Can't you see my baby's got another lover

I don't know how I'm gonna survive

Somebody bring me some water

Can't you see it's out of control

Baby's got my heart and my baby's got my mind

But tonight the sweet Devil's got my soul

 

When will this aching pass

When will this night be through

I want to hear the breaking glass

I only feel the steel of the red hot truth

And I'd do anything to get it out of my mind

I need some insanity that temporary kind

Tell me how I will ever be the same

When I know that woman is whispering your name

 

Somebody bring me some water

Can't you see I'm burning alive

Can't you see my baby's got another lover

I don't know how I'm gonna survive

Somebody bring me some water

Can't you see it's out of control

Baby's got my heart and my baby's got my mind

But tonight the sweet Devil's got my soul

 

Oh, the Devil's got my soul

 

Somebody bring me some water

Can't you see I'm burning alive

Can't you see my baby's got another lover

I don't know how I'm gonna survive

Somebody bring me some water

Can't you see it's out of control

Baby's got my heart and my baby's got my mind

But tonight the sweet Devil's got my soul

 

NOEL GALLAGHER:

NOEL GALLAGHER:

 

Un 29 de mayo de mayo de 1967 nació en Manchester, UK “Noel Thomas David Gallagher”, el mayor de los hermanos Gallagher y quien fuera guitarrista y compositor de la banda “OASIS”, grupo  creado por su hermano menor el vocalista Liam Gallagher en 1991 y la bronca era real entre ambos hermanos y no fruto del marketing y hace que se desbanden  y Lima tiene el honor de ser la última ciudad en donde brindaron  su último concierto como “Oasis” a nivel mundial.

 

“Dont Look Back in Anger” es quizás  la canción más beatle y bella  de ellos (grupo que los inspiró en la creación de sus temas) y que canta de maravilla  el díscolo guitarrista.

POCO & “ROSE OF CIMARRON ALBUM”:

POCO & “ROSE OF CIMARRON ALBUM”:

 

Un 29 de mayo de 1976 el sello ABC Records publicó el álbum  “Rose of Cimarron” el noveno disco en estudio del grupo folk rock californiano “Poco (cuyo significado es lo mismo que en castellano) y el tema que da título al Long play fue compuesto por el  desaparecido maestro de la guitarra Steel e  integrante y fundador de la banda “Rusty Young” (quien había sido antes parte  de los Flying Burrito Brothers que lideraba Gram Parsons).

 

La fuente de inspiración para crear la canción que da título al vinilo, su autor, Rusty Young la tomó de un afiche que encontró  mientras la banda estaba de gira por Oklahoma en 1973  y era  sobre la leyenda de  una bandida  del “Far West”  que se llamaba Rose Dunn y que la apodaban “Rose of the Cimarron” que tuvo un romance a los 15 años con otro forajido del siglo XIX George "Bittercreek" Newcomb.

 

El disco fue producido por la misma banda y Mark Harman en lo Burbank Studios de California a fines de 1975 e inicios de 1976 con Doug Rider como ingeniero de sonido, dando un sonido cristalino a las composiciones de este álbum, uno de los mejores de la banda

 

La canción “Rose of Cimarron” tuvo vida propia y se volvió en un himno al poco tiempo de ser editada  debido a su intensa melodía, los arreglos orquestales  y las intensas interpretaciones intercaladas por parte del guitarrista  Paul Cotton y el bajista Timothy B. Schmidt (futuro Eagle) y sobre todo la guitarra steel de Young es cierto luego de escucharse por primera vez dan ganas de hacerlo nuevamente, sobre todo ese final orquestado por violines que se puede escuchar al final de la canción.

 

RECORDANDO A GARY BROOKER

RECORDANDO A GARY BROOKER

 

El que fuera el tecladista y cantante de Procol Harum,  Gary Brooker nació el 29 de mayo de 1945 en el Hospital Hackney de Londres y se crió en Southend-on-Sea en Essex Middlesex, su padre que era músico profesional y le enseñó a tocar diversos instrumentos como el trombón, corneta y piano, antes de cumplir años se mudan a Southend-on-Sea en Essex donde estudia la primaria y su padre fallece cuando Gary tenía 11 años y en la adolescencia deja los estudios para dedicarse a la música.

 

En 1962 su amigo de  escuela, el guitarrista Robin Trower formó  el grupo The Paramounts al que se une meses después Gary Brooker como vocalista y tecladista, luego ingresaría el baterista B.J Wilson  y solo tuvieron un single en los charts con una versión de "Poison Ivy" que llegó hasta el puesto 35 y luego sin más éxitos el grupo se desbanda en 1966 y Trower se dedicó a otros proyectos y en abril de 1967 Brooker creó Procol Harum junto a su otro amigo, el  poeta  Keith Reid quien haría la letra de las canciones), el tecladista de órgano Hammond, Matthew Fisher, el  guitarrista Ray Royer y el bajista David Knights y luego de la publicación del exitoso single “A whiter Shade of Pale” en mayo de 1967 y el 8 de junio fue número uno en UK  y para hacer más potentes sus presentaciones en vivo Brooker decide reclutar a sus dos ex compañeros de The Paramounts Wilson y Robin Trower.

 

El problema del grupo fue el inmenso éxito de ese single que no repetirían en sus siguientes nueve álbumes que aunque eran de calidad por la calidad de sus melodías no eran ya del gusto de os charts , luego de la publicación de “A Salty Dog” (1970) se va por diferencias musicales el tecladista Matthew Fisher y luego del Broken Barricades (1971) se va el guitarrista Robin Trower que quería hacer hard rock y no rock sinfónico como el que hacia la banda y luego de publicarse el álbum “Something Magic” (1977) el grupo se separa.

 

Brooker inició su carrera en solitario con el álbum “More Fear of Flying” (1979) con letras esta vez de otro poeta, Pete Sinfield y aunque el tema 'Say It Ain't So, Joe fue de gran calidad el cover que hizo Daltrey fue más conocido, al año siguiente participó como pianista y compositor en la grabación del álbum “Another Ticket” de Eric Clapton, en 1982 se publicó su segundo álbum como solista , Lead me to the Water (1982) y a pesar de los músicos de lujo como Clapton, Harrison, Albert Lee y Phil Collins tampoco fue exitoso y en 1985 publica su tercer y último disco como solista Echoes in the night (1985) que es su mejor trabajo con temas como Ghost train, Mr. Blue Day 'y' Saw The Fire" y ese mismo año participa en el disco Stereotomy de Alan Parsons Project.

 

En 1991 se reagrupó “Procol Harum” con Brooker, Fisher, Trower y Reid (Wilson había muerto en 1990) y se publicó el álbum “The Prodigal Stranger” con modestas ventas  pero las ventas fueron modestas, en 1997 y 1999  se une a los All Starr band de Ringo Starr , también toca con Bill Wyman participó en el musical “Evita”, en el homenaje a George Harrison (2002) y vuelve  grabar con Procol Harum   y publican "The Well's On Fire" (2003) y ese año recibe un MBE,y en el 2009 Procol Harum brinda  concierto con la Danish National Concert Orchestra & Choir, pero en el 2012 Brooker tuvo un accidente en el cráneo que lo hace retirarse por un tiempo y volvió  a los escenarios pero en el 2017 luego que publicar con Procul Harum el álbum “Novum” volvió a lesionarse y lamentablemente un sábado 19 de febrero del 2022 el gran Gary Brooker falleció en su hogar a los 76 años debido a un cáncer que venía padeciendo.

 

 

EN RECUERDO DE “JOHN CIPOLLINA”

EN RECUERDO DE “JOHN CIPOLLINA”:

 

John Cipollina fue quizás uno de los guitarristas más virtuosos de su generación pero ignorado  por las masas y por su legado merece un mejor lugar en la  historia de la música pudiéndose comprobar su calidad al ver  los  videos de sus actuaciones en vivo o escuchando las grabaciones del o grupo que co fundara en San Francisco, la legendaria banda “Quicksilver Messenger Service”.

 

Cipollina nació en Berkeley, California un 24 de agosto de 1943 dentro de  una familia de concertistas  de piano  (su madre y su tío), el pequeño John tenía futuro como pianista clásico pero a los 12 años su padre le cambia la vida al regalarle una guitarra, instrumento que dominó al poco tiempo con gran destreza y no dejaría de tocar.

 

Cipollina es considerado uno de los padres del sonido de San Francisco usando su guitarra Gibson SG  con unos amplificadores de tubo que le daba un sonido especial a su instrumento en los conciertos que daba con los “Quicksilver Messenger Service” con los que  grabó seis y álbumes y dejó la banda en 1975 luego pasó efímeramente por el grupo Copperhead, Man y otros grupos y proyecto solistas.

 

En década de los ochenta hizo un dúo con  el ex “Electric Flag”  Nick Gravenites  con el que grabó dos álbumes y hace memorables presentaciones en Europa y como ejemplo está su presentación en el “Rockpalast” de alemán, luego tocó con Terry and The Pirates pero a fines de la década tuvo que parar su carrera debido a que padecía de deficiencia de alfa-1 antitripsina (trastorno genético hereditario que puede agravarse en la tercera y cuarta década de vida de una persona le causó una enfermedad pulmonar obstructiva crónica) y  John Cipollina agravó su salud debido a que era un consumado fumador ocasionando que su enfermedad se expandiera por todo su cuerpo falleciendo  un 29 de mayo de 1989.

 

La revista “Rolling Stone” lo sitúa en el puesto número 32 de la lista de los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos  y en mí parecer entre los diez mejores.

 

 

 

 

CROSBY, STILLS & NASH Y SU “ÁLBUM DEBUT”:

CROSBY, STILLS & NASH  Y SU “ÁLBUM DEBUT”:

 

Un 29 de mayo de 1969  el sello “Atlantic Records” de los hermanos Ertegun y Herb Abramson publicó el primer disco del que sería el súper trío “Crosby, Stills &  Nash” llamado igualmente “Crosby, Stills & Nash” luego se les uniría Neil Young (pero es otra historia) y  el disco alcanza  el puesto 6 de la lista Billboard 200.

 

 El disco fue un hito musical de su tiempo, pues es un contrapunto ante  la arremetida de los sonidos hard o los progresivos tan elaborados y de moda, ellos van contra la corriente fueron a las raíces de la música de su país utilizando los sonidos folk, country, blues hasta algo de armonías de jazz y fueron los pioneros del movimiento que surgiría en los setentas de los cantautores, al dejar cátedra en las armonías vocales que eran trabajo de Crosby que desde la época de los Byrds dirigía.

 

El trío nace  en un momento clave de sus integrantes, Crosby había sido expectorado de los Byrds en plena grabación del disco “The Notorious Byrds Brother”, Stills acabada de dar fin a Buffalo Springfield y Nash había dejado a los Hollies para cruzar el Atlántico y establecerse en Lauren Canyon en California y mediante el intermedio de Joni Mitchell se hace amigo de Crosby que ya tenía la amistad de Stills (cantó en Monterey en Buffalo Springfield) que al tener afinidad deciden hacer este disco.

 

El álbum fue grabado entre el 26 de junio de 1968 hasta el  3 de abril de 1969 en los estudios “Wally Heider's Studio” III de  Los Ángeles California bajo la producción  de  los mismos  Crosby, Stills & Nash y con el técnico Bill Halverson como ingeniero de sonido, se extrajeron dos singles del disco  «Marrakesh Express» de Nash  y «Suite: Judy Blue Eyes» (de Stills), que alcanzaron los puestos 28 y 21 respectivamente en la lista “Billboard Hot”.

 

El álbum resultó muy influyente en muchos niveles de la escena musical de Norteamérica durante la década de 1970. El éxito del álbum generó gravitas para el grupo dentro de la industria, y promovió el interés por contratarles en diferentes actos, muchos de los cuales quedaron bajo la administración del equipo formado por Elliot Roberts y David Geffen. Las fuertes ventas, combinadas con el énfasis del grupo en confesiones personales de sus composiciones, allanaron el camino para el éxito del movimiento cantautor de los años setentas.

 

JOHN FOGERTY:

JOHN FOGERTY:

 

John Cameron Fogerty nació en Berkeley, California un  28 de mayo de 1945 pero se cría en  el Cerrito también en California y es conocido en el mundo de la música por haber sido el compositor, arreglista, cantante y primera guitarra de la ya clásica banda californiana, “Credence Clearwater Revival”, o más conocidos como “CC Revival”, grupo que junto a dos compañeros de secundaria y  su hermano mayor Tom formaran  entre los años  1968 y 1972 y cuyo mérito fue volver a  ubicar al rock a su raíces elementales lejos de la parafernalia progresiva que en esos años se estaba poniendo de moda y logra que de la simple combinación de tres notas y temas directos, con cadencias de country,  folk, blues, country e incluso cajún, se construya la base del llamado “rock sureño”, auténtico en mostrar la música y no la técnica.

 

Sobre las raíces del grupo nos tenemos que ubicar en el año 1959 en la escuela secundaria donde junto a sus amigos de la escuela Stu Cook que se ocuparía del bajo y Doug Clifford que se ocuparía de la batería forma el grupo "Blue Velvets” al cual se une luego su hermano mayor Tom haciendo covers de rock, luego en 1964 sellan para la disquera “Fantasy Records”  de Saul Zaentz pasando a llamarse "The Golliwogs"(cuya traducción significa “los muñecos negros de trapos”) y que claramente tenía muchas implicancias racistas y era necesario  optar por un nuevo nombre y  aunque hacen buenos temas no tienen éxito comercial  y además es interrumpido ya que John y Doug Clifford  tienen que hacer su servicio militar en 1966 y en julio de 1967 John es dado de baja y  Doug al poco tiempo.

 Y reunido nuevamente el cuarteto  en enero de 1968 pasan a llamarse “Credence Clearwater Revival” (el nombre lo toman de tres fuentes distintas desde el nombre en alusión a Credence Newball un compañero negro de trabajo de Tom, Clearwater en alusión a una marca de cerveza y Revival en alusión a su relanzamiento musical) y lanzan su primer single en junio de 1969 (él éxito Suzi Q)  y al mes siguiente su disco homónimo debut y el resto es leyenda hasta su separación luego del fallido disco “Mardi grass” cuando ya eran un trió ( abril 1972) y luego quiere iniciar su carrera como solista y tuvo los líos legales con la disquera que le puso trabas en su carrera en los setentas y sobre todo con su ex compañeros con los cuales hasta la fecha se quedaron con el nombre de la banda  y Fogerty aún les guarda rencor , para renacer a lo grande en la siguiente década.

Mis recuerdos de Fogerty  empezaron en la década de los ochenta   con  el tema “THE OLD MAN DOWN THE ROAD” que fue la canción  que me hizo conocerlo  y a pesar de la repetitiva difusión en los medios radiales como televisivos me enganchó, ese riff de Fender y ese aire sureño que nunca perdió su calidad y el paso del tiempo lo  demostró.

 

 Luego descubrí  que era un gran creador de riffs y solos memorables, como los que se pueden apreciar de su disco de retorno “CENTERFIELD”, donde se encuentra la canción en mención  publicado un 15 de enero de 1985 y siempre tocando su  guitarra Fender Stratocaster.

 

 Por eso recomiendo oír sus temas tocados  con CC REVIVAL como Suzi Q, Proud Mary, Green River, Lodi, Fortunate Son, Who'll Stop the Rain, Run Through the Jungle, I Heard It Through the Grapevine, Long As I Can See the Light, Have You Ever Seen the Rain?, entre otros que demuestran su capacidad como compositor, intérprete  y creador de melodías inmortales y eso que ahora a sus años sigue en actividad, un  real “FORTUNATE SON”.

 

 

John Fogerty

JOHN FOGERTY:

 

John Cameron Fogerty nació en Berkeley, California un  28 de mayo de 1945 pero se cría en  el Cerrito también en California y es conocido en el mundo de la música por haber sido el compositor, arreglista, cantante y primera guitarra de la ya clásica banda californiana, “Credence Clearwater Revival”, o más conocidos como “CC Revival”, grupo que junto a dos compañeros de secundaria y  su hermano mayor Tom formaran  entre los años  1968 y 1972 y cuyo mérito fue volver a  ubicar al rock a su raíces elementales lejos de la parafernalia progresiva que en esos años se estaba poniendo de moda y logra que de la simple combinación de tres notas y temas directos, con cadencias de country,  folk, blues, country e incluso cajún, se construya la base del llamado “rock sureño”, auténtico en mostrar la música y no la técnica.

 

Sobre las raíces del grupo nos tenemos que ubicar en el año 1959 en la escuela secundaria donde junto a sus amigos de la escuela Stu Cook que se ocuparía del bajo y Doug Clifford que se ocuparía de la batería forma el grupo "Blue Velvets” al cual se une luego su hermano mayor Tom haciendo covers de rock, luego en 1964 sellan para la disquera “Fantasy Records”  de Saul Zaentz pasando a llamarse "The Golliwogs"(cuya traducción significa “los muñecos negros de trapos”) y que claramente tenía muchas implicancias racistas y era necesario  optar por un nuevo nombre y  aunque hacen buenos temas no tienen éxito comercial  y además es interrumpido ya que John y Doug Clifford  tienen que hacer su servicio militar en 1966 y en julio de 1967 John es dado de baja y  Doug al poco tiempo.

 Y reunido nuevamente el cuarteto  en enero de 1968 pasan a llamarse “Credence Clearwater Revival” (el nombre lo toman de tres fuentes distintas desde el nombre en alusión a Credence Newball un compañero negro de trabajo de Tom, Clearwater en alusión a una marca de cerveza y Revival en alusión a su relanzamiento musical) y lanzan su primer single en junio de 1969 (él éxito Suzi Q)  y al mes siguiente su disco homónimo debut y el resto es leyenda hasta su separación luego del fallido disco “Mardi grass” cuando ya eran un trió ( abril 1972) y luego quiere iniciar su carrera como solista y tuvo los líos legales con la disquera que le puso trabas en su carrera en los setentas y sobre todo con su ex compañeros con los cuales hasta la fecha se quedaron con el nombre de la banda  y Fogerty aún les guarda rencor , para renacer a lo grande en la siguiente década.

Mis recuerdos de Fogerty  empezaron en la década de los ochenta   con  el tema “THE OLD MAN DOWN THE ROAD” que fue la canción  que me hizo conocerlo  y a pesar de la repetitiva difusión en los medios radiales como televisivos me enganchó, ese riff de Fender y ese aire sureño que nunca perdió su calidad y el paso del tiempo lo  demostró.

 

 Luego descubrí  que era un gran creador de riffs y solos memorables, como los que se pueden apreciar de su disco de retorno “CENTERFIELD”, donde se encuentra la canción en mención  publicado un 15 de enero de 1985 y siempre tocando su  guitarra Fender Stratocaster.

 

 Por eso recomiendo oír sus temas tocados  con CC REVIVAL como Suzi Q, Proud Mary, Green River, Lodi, Fortunate Son, Who'll Stop the Rain, Run Through the Jungle, I Heard It Through the Grapevine, Long As I Can See the Light, Have You Ever Seen the Rain?, entre otros que demuestran su capacidad como compositor, intérprete  y creador de melodías inmortales y eso que ahora a sus años sigue en actividad, un  real “FORTUNATE SON”.