BEN E KING:

BEN E KING:

El cantante de “soul” y “Rythm and blues” Benjamin “Earl King” o más conocido en el mundo de la música como “Ben E. King” nació en el estado sureño de Carolina del Norte un 28 de setiembre de 1938 y se inició profesionalmente en un grupo de doo-wop llamado Five Crowns, luego entró a los Drifters con los que grabó entre otros temas " Save the Last Dance for Me ", " This Magic Moment " y "I Count the Tears" en el sello “Atlantic Records”.

 

 Pero  será más recordado eternamente por haber co escrito (quizás tuvo la totalidad de la inspiración del conocido tándem de compositores  “Leiber & Stoller” que le ayudaron a terminar en algunos arreglos) e interpretado el hoy ya la clásica canción  “Stand by Me” en el año 1961 (Lennon hizo una versión muy inspirada y popular en su disco Rock ´Roll de 1975), además que fue el tema principal de una película noventera de amistad entre niños.

 

Ben E King luego de una carrera destacada  tanto en clubes y presentaciones especiales en revivals musicales fallece por problemas cardiacos  en el estado de New Jersey un 30 de abril de 2015.

BEN E KING:

BEN E KING:

El cantante de “soul” y “Rythm and blues” Benjamin “Earl King” o más conocido en el mundo de la música como “Ben E. King” nació en el estado sureño de Carolina del Norte un 28 de setiembre de 1938 y se inició profesionalmente en un grupo de doo-wop llamado Five Crowns, luego entró a los Drifters con los que grabó entre otros temas " Save the Last Dance for Me ", " This Magic Moment " y "I Count the Tears" en el sello “Atlantic Records”.

 

 Pero  será más recordado eternamente por haber co escrito (quizás tuvo la totalidad de la inspiración del conocido tándem de compositores  “Leiber & Stoller” que le ayudaron a terminar en algunos arreglos) e interpretado el hoy ya la clásica canción  “Stand by Me” en el año 1961 (Lennon hizo una versión muy inspirada y popular en su disco Rock ´Roll de 1975), además que fue el tema principal de una película noventera de amistad entre niños.

 

Ben E King luego de una carrera destacada  tanto en clubes y presentaciones especiales en revivals musicales fallece por problemas cardiacos  en el estado de New Jersey un 30 de abril de 2015.

RECORDANDO A MUDDY WATERS:

RECORDANDO A MUDDY WATERS:

 

Se dice que “McKinley Morganfield” había nacido en una plantación algodonera de “Rolling Fork”, en el Delta del Mississippi al sur de USA  un 4 de abril de 1913 y cómo desde niño aprendió a  tocar la guitarra y lo hacía generalmente cerca del barro de los pantanos de la zona donde habitaba se le empezó  a llamar en broma  “Muddy Waters” (“el de aguas sucias o pantanosas”) y quedó como su nombre de batalla en la música.

 

Ya a desde muy  joven empezó a desarrollar un  estilo propio en la  manera de tocar la guitarra eléctrica con su banda de acompañamiento a inicio de los cuarentas donde empezó a grabar sus discos   (que luego tuvo una serie de imitadores, sobre todo, los jóvenes ingleses de inicios de los sesentas) y como un plus era un buen soplador de  armónica.

 

 Otra de las facetas en la que destacara fue en la composición, donde  la crudeza de sus canciones lo han hecho  luego de Robert Johnson, la mayor fuente de inspiración  e influencia en los músicos de blues que le admiraban con temas propios como  “Mannish Boy”, el clásico “Baby please don´t go”, “I´m a King Bee” entre otros y  canciones  cuya manera de interpretación era esencial  como su  versión de “You Need Love” o “Hoochie Coochie man”. 

 

El maestro “Muddy Waters” falleció de una insuficiencia cardíaca en su hogar en Westmont, Illinois un 30 de abril de 1983.

 

RECORDANDO A OTIS RUSH:

RECORDANDO A OTIS RUSH:

 

El guitarrista  y cantante “Otis Rush Jr.” nació en la ciudad de  Philadelphia, estado de Mississippi e USA un 29 de abril de 1934 y el Jr., es porque su padre se llamaba Otis C. Rush.

 

En su temprana adolescencia ya dominaba la guitarra y su particularidad es que era zurdo y tocaba la guitarra sin cambiar el orden de las seis cuerdas, es decir como si fuera para un diestro y esto tuvo repercusión en su sonido peculiar dominando la técnica del glissando que hacía que el sonido de su guitarra pasara de un agudo a grave o viceversa o el uso de su dedo meñique para más efectos siendo imitado por otros músicos como Michael Bloomfield, Peter Green o Eric Clapton, además tenía una potente voz con tonos hasta de tenor.

 

Inició su carrera en Chicago, por el año 1949 y sus primeras y más clásicas grabaciones datan de 1958 en Cobra Records donde graba cerca de ocho singles y está el tema de Wille Dixon "I Can't Quit You Baby"  que Led Zeppelin versionaría  hasta el cansancio y sus composiciones “All your Love” y “Double Trouble” que John Mayall haría también covers, pasando en 1960 a la legendaria Chess Records donde haría menos singles y no tan populares.

 

Rush graba su primer álbum en 1968 en el sello Blue Horizon de Mike Vernon y su último disco fue grabado en 1998, haciendo paralelamente presentaciones, siendo la última en el 2016 ya  que falleció un 29 de setiembre del 2018 debido a un infarto.

RECORDANDO A “MICK RONSON”:

RECORDANDO A “MICK RONSON”:

 

El genial guitarrista Michael Ronson más conocido como “Mick Ronson” nació  en Londres un 26 de mayo de 1946 y desde pequeño sus padres le pagaron clases de violoncelo y piano  clásico pero  cuando escuchó a Duane Eddy decidió ser guitarrista.

 

Para muchos  será asociado con “David Bowie”, sobre todo en su etapa “setentera Glam” y aunque su colaboración musical con “David Jones” solo haya durado casi cuatro años pero fueron los años más creativos y contundentes de la carrera de Bowie y  creo que fue su mejor época y más rockera  donde liderando  a las efectivas “Spiders from Mars”  “Arañas de Marte” en las presentaciones en directo destacaba nítidamente Mick Ronson por sus elaborados riffs y largos y potentes “solos” donde compartía el protagonismo del mismo  personaje “Ziggy Stardust” en el escenario .

 

 Desarrolló en paralelo también una prolífica carrera  como solista, siendo además  un requerido músico de sesión de algunos famosos en sus 46 años de vida, falleciendo de un cáncer al hígado un 29 de abril de 1993.

Willie Nelson

EL LEGENDARIO “WILLIE NELSON”:

 

El cantautor de música country “Willie Hugh Nelson” más conocido como “Willie Nelson”  nació un 29 de abril de 1933 en el pueblo de Abbott en el estado de  “Texas”, USA y  es una leyenda viva de la música country de su país desde que inició su carrera fines de la década de los años cincuenta hasta la actualidad, grabando más de cien singles y la misma cantidad de LPS, además de escribir poemas, actuaciones en cine, Tv  o activismo político.

 

Y cada vez que me acuerdo de él aparte su clásica vincha y ese par de colitas al costado de su cabeza, más es   con  la canción “On  the Road Again” que escribiese sobre su vida en la carretera y  publicara en 1980 como  single y que llegó al primer lugar de los charts de música Country y que se hiciera más popular con la película “Forrest Gump”.

Hair - The Flesh Failures (Let the Sunshine In)

EL MUSICAL “HAIR” & THE FLESH FAILURES (LET THE SUNSHINE):

 

Esta es la versión original de la canción llamada " The Flesh Failures"  o más conocida en los covers como “Let the Sunshine In" (El grupo vocal negro Fifth Dimension hizo una versión  vendedora del tema más el agregado de la canción Aquarius), pero a mi parecer nada como la composición original que formó parte  del musical “Hair”, escrita y estrenada en el Bitmore Theatre de Broadway el 29 de abril del año 1968 por unos autores hippies de corazón, como el cantante compositor y libretista James Rado, el director Tom O'Horgan, la  coreógrafa Julie Arenal, Lynn Kellogg Y  Melba Moore  en las voces principales más el coro de Broadway.

 

La obra era un producto de la contracultura, anti belicista, sobre todo del conflicto con Vietnam y a favor del amor libre, diez años después hubo una película sobre el musical que fue dirigida por el desaparecido  Milos Forman que del espíritu de los sesentas ya no tenía  nada y más bien es una muestra  un poco naif del espíritu  de fines de los setenta.

TOMMY JAMES:

TOMMY JAMES:

 

El cantante “Thomas Gregory Jackson” nació un 29 de abril de 1947 en Dayton Ohio y será conocido como “Tommy James” desde los 12 años cuando lideraba la banda “The Echoes" que en  1961  se llaman "Tom and the Tornadoes y que ya en 1964 pasan a ser "Tommy James and the Shondells" y ese mismo año se vuelven famosos con el single  “Hanky Panky “ y tuvieron otros éxitos como “I Think we're Alone Now” (1966) “Crimson and Clover” (1968) , “Mony Mony” (1968), que años después Billy Idol hiciera un cover memorable.

 

Se dice que por vacacionar en Hawaii declinó presentarse en el festival de Woodstock cuando se les propuso su participación   y luego de esa pésima decisión la banda se separó, luego tuvo una irregular carrera como solista y se recuerda su temas "I'm Comin' Home" (1971), “Three times in love” (1979) o “Draggin’ the line” (1971)  que el grupo R.E.M hizo otra gran versión.

RECORDANDO AL MAESTRO KLAUS VOORMANN:

RECORDANDO AL MAESTRO KLAUS VOORMANN:

 

Y un 29 de abril de 1938 nació en Alemania, el músico y artista plástico  "Klaus Voormann", personaje clave en la historia de los Beatles, desde sus primeros años en Hamburgo, como músico destacó tocando el bajo para Manfred Mann y otros artistas de los setentas y como pintor es a quien debemos el gusto de haber sido el creador de la carátula que a mi parecer del mejor disco de los Beatles, “Revolver”, además de diseñar las carátulas del “Anthology “de 1995.

 

En este ya clásico video de una presentación en el programa Beat Club del año 1968 de la banda inglesa Manfred Mann del que formaba parte el buen Klaus, aparece  tocando el bajo y la flauta pífano.

 

Sobre el tema de la referencia que trata sobre un peculiar esquimal originalmente era una composición  folk-rock escrita por Bob Dylan y grabada por primera vez durante las sesiones de The Basement Tapes en diciembre de  1967 y la versión del grupo inglés Manfred Mann que fuese lanzada a la venta el 12 de enero de 1968 fue inmensamente superior al original (como ocurre en la mayoría de covers de Dylan llegando a ser número uno en las listas de UK la semana del 14 de febrero de 1968.

CHUCK LEAVELL:

Un 28 de abril de 1952 nació el pianista “Chuck Leavell”, en  el estado de Birmingham  en Alabama USA  y empezó a tocar el piano de forma autodidacta y con las enseñanzas de su madre y además aprendió a tocar la guitarra y  ya por 1966 forma parte del grupo The Misfitz luego que se separa la banda toca como músico de sesión y ya por 1969 se muda a  Macon, Georgia, para trabajar para Capricorn Records como parte de su staff  de músicos y por 1972 cuando tocaba en un disco de Dr. John fue convocado por  Gregg Allman para que toque  en su primer álbum en solitario, Laid Back y al hacer amistad con él lo invita a formar parte de los “Allman Brothers Band”.

 

Y ya era miembro estable de la banda desde setiembre de 1972  y graba con ellos el “Brothers and Sisters”  y destaca su piano en la canción  "Jessica”, luego graba un par de álbumes más con la banda para dejarlos en 1976  para fundar el  grupo “Sea Level” que a lo largo de veinte años ha grabado seis álbumes hasta la separación de la banda en 1997 y paralelamente trabajó en la banda del ex Allman Brother, el guitarrsita  “Dickie Betts” sobre todo en la década de los ochenta.

 

También a lo largo de los años ha grabado varios álbumes como solista   y como músico de sesión ha acompañado a numerosos famosos  como George Harrison, Eric Clapton, entre muchos otros y desde 1986 (luego de la muerte de Ian Stewart) es el pianista oficial de los Rolling Stones, sobre todo en sus giras.

WISHBONE ASH & “ARGUS”

WISHBONE ASH & “ARGUS”

 

Un 28 de abril de 1972 el sello “Decca” en UK el y “MCA Records”  en USA publicaron “Argus” el tercer disco en estudio  de la banda  de rock  progresivo  "Wishbone Ash" y quizás fue el mejor álbum de su carrera que llegó hasta el tercer lugar de los charts de UK.

 

 El grupo “Wishbone Ash” fue creado en 1969 por el que fuera su  bajista Martin Turner y el baterista Steve Upton y buscaban complementar la banda con un tecladista y guitarrista lead y se presentaron a la audición los guitarrista Andy Powell y Ted Turner que fueron tan buenos que quedaron en la banda y por ello  son los  precursores  de las “Twin guitars” o guitarras gemelas”  cuyos más célebres émulos los encontramos en las bandas metaleras de los ochenta como Iron Maiden y Judas Priest.

 

Argus fue grabado en el mes de enero de ese año en los estudios De Lane Lea en Londres bajo la producción de Derek Lawrence y teniendo como ingeniero de sonido a Martin Birch (quien trabajase con Deep Purple y luego con  Black Sabbath y otras bandas de heavy) las canciones en su mayoría fueron compuestas por el bajista Martin Turner y de temática medieval en las letras y lo más destacado son las guitarras Twins eran alternadas por Ted Turner y Andy Powell quien aún sigue vigente  y lidera el grupo en la actualidad.

 

El disco fue declarado el mejor de 1972 por la revista Sounds y la carátula del mismo  es obra de Hipgnosis y el personaje  dibujado parece una especie de  “Darth Vader” de espaldas, aunque Star Wars era de 1972, quizás George Lucas era fan del grupo.

CHICAGO “DISCO DEBUT”:

CHICAGO “DISCO DEBUT”:

 

Un 28 de abril de 1969 el sello “Columbia Records” publicó el disco debut de la banda “Chicago” llamado  “Chicago Transit Authority” y que llegó hasta el puesto 17 lugar de las listas de álbumes de  USA y en UK alcanzó el noveno lugar llegando a estar meses entre los primeros puestos en ambas países.

 

La historia de la banda “Chicago” originaria de esa ciudad se inicia cuando el guitarrista y cantante Terry Kath se une en 1966  a una banda de covers llamada “The Missing Links” y recluta a sus amigos de adolescencia Jim Parazaider (saxo) Danny Seraphine (batería) y Jim Guercio que luego decide dejar la guitarra y dedicarse a la producción y así  convence a Kath de liderar su propia banda  y con la inclusión del trompetista Lee Loughnane, del  trombonista James Pankow  y  del vocalista / teclista Robert Lamm y el también vocalista y bajista Peter Cetera se forma el grupo de covers “Big Thing” el 15 de febrero de 1967.

 

Luego de que el ya manager “Jim Guercio” les consiguió un contrato en Los Ángeles con el sello “Columbia Records”  en 1968 les cambia de nombre a “Chicago Transit Authority” que también es el nombre de su disco debut que meses después  por problemas con la entidad estatal de tránsito  de la cual tomaban ese nombre lo recortaron a “Chicago”, como es conocida la banda hasta nuestros días.

 

El disco que fue producido por el manager Jim Guercio  se grabó bajo su supervisión entre el 27 de enero de 1969 en el estudio de grabación del sello llamado la  Columbia 30th Street Studio o “The Church” situados en Manhattan, Nueva York donde contaron con todas las facilidades para realizar el trabajo de la banda donde al igual que BST  los vientos tenían un rol protagónico con que intercalaban el rock y blues de las guitarras y teclados clásicos con improvisaciones instrumentales que provenían del  jazz haciendo que sea su sello de fábrica inicial .

 

Y el resultado fue sorprendente ya que registraron material para un disco doble y canciones que sobraron y algunas quedaron para su siguiente album y mayormente  se encuentra el estilo de Kath con el tema "Introduction",  o el  "Free Form Guitar" donde experimenta con el trémolo y el sonido en Feedback de su Fender o el acústico "Beginnings" y las voces se intercambian entre Lamm y Kath aunque ya sobresalía el bajista Peter Cetera que co canta con Kath el cover de la Spencer Davis Group “I´m a man” en una apoteósica versión de más de siete minutos, siendo quizás el mejor disco de la banda que en los ochentas decepcionó con su “Soft Rock” luego de la muerte Kath y dominando Cetera con su meliflua voz para luego irse como solista y la banda enderezar el camino en su madurez.

IANN PEEBLES & “I PITTY THE FOOL": t

ANN PEEBLES & “I PITTY THE FOOL":

 

La cantante de soul Ann Peebles, nacida el 27 de abril de 1947 en una numerosa familia de  Kinloch, Missouri, USA como  Ann Lee Peebles  era conocida como la "Al Green femenina" y a inicios de los setentas destacó como una genuina representante del sonido soul de Memphis.

 

 Y el single “I Pitty the Fool” del año 1972 es solo una muestra de su prodigiosa voz y estilo y aunque es un cover de una canción original de 1961, esta es su versión definitiva:

EL PRIMER “FLEETWOOD MAC”:

EL PRIMER “FLEETWOOD MAC”:

 

Este cuarteto de blues inglés que nació en el mes de julio de 1967 en un inicio estaba conformado por el maestro Peter Green en la voz, armónica  y su inconfundible guitarra Gibson Les Paul (que tocaba como los dioses y como trofeo de guerra más tarde la adquirieron Gary Moore y Kirk Hammett respectivamente), el joven y pequeño Showman “Jeremy Spencer” en las guitarra slide y voz (copiaba nota a nota el estilo de  Elmore James 3 imitaba  a Elvis Presley) , el impasible John McVie en el bajo  (en realidad reemplazó a Bob Brunning un par de meses de formarse el grupo) y “Mick Fleetwood” en la batería, un año después el adolescente Danny Kirwan se les uniría en guitarra y voz en noviembre de 1968 y se volvió  un quinteto.

 

Los muchachos interpretaron con todo su sentimiento  las canciones originales de los  viejos maestros del blues sureño y de Chicago de USA en sus dos primeros álbumes además de temas propios con un hard rock avanzado en el álbum “Then Play On,   lástima que la inestabilidad mental de Peter Green truncó la magia de este quinteto en mayo de 1970 y luego nada sería igual.

RECORDANDO AL POETA “PETE HAM”:

RECORDANDO AL POETA  “PETE HAM”:

 

La historia del cantautor Pete Ham y su socio musical el bajista Tom Evans es comparable a la de una tragedia griega sobre todo por su fatal desenlace.

 

“Peter William Ham” nació en la localidad de Swansea en Gales un 27 de abril de 1947 que pertenece a UK y desde pequeño empezó a tocar la guitarra componer y cantar formando su primera banda llamada The Panthers en 1961 que en 1965 cambia de nombre denominándose The Iveys y en 1966 se mudan a Londres para desarrollarse mejor y es así que al año siguiente ingresa a la banda el cantante y guitarrista Tom Evans que a lo largo de los años se convertiría  en coautor junto a Ham de la mayoría de los temas del grupo.

 

El vocalista de The Kinks, Ray Davies tuvo interés en producirles, se dice que grabaron unos demos con él, pero al final fue el asistente de los Beatles Mal Evans quien los descubre y los ficha para el naciente sello “Apple” y graban su primer single un tema de Evans llamado “Maybe Tomorrow” que fue producido por Tony Visconti en noviembre de 1968 como “The Iveys” sin mucho éxito  en UK y lanzan un segundo single llamado Dear Angie cantando por el bajista Griffiths que tampoco le va bien en las listas.

 

 Pero antes de tirar la toalla Paul McCartney se interesa en ellos y los propone que hagan la banda sonora de la estrambótica película que coprotagonizó Ringo con Peter Sellers “The Magic Christian” (1970) y les entrega su canción “Come and Get It” para que la interpreten y  que fue un éxito radial y a la vez  ellos aportan la conocida “Carry On Till Tomorrow” de la dupla Ham /Evans y el ex roadie de los Beatles “Neil Aspinall” recordando un título de un tema inédito de los Beatles “Bad Finger Boogie”  les cambia de nombre y pasan a llamarse “Badfinger”.

 

Y parecía que Badfinger se iba al estrellato pues  disco “No dice” (1971)  tuvo dos canciones de gran calidad de Ham y Evans como  el single  "No Matter What" y la gran balada "Without You" que ellos no le vieron potencial pero si Harry Nillson que se volvió millonario haciendo a los pocos meses  un cover que se volvió en su single más famoso y que pese a que ellos debieron cobrar las regalías respectivas por problemas con su manager no vieron el dinero.  

 

Luego el manager de la banda Stan Polley los estafa y hace contratos millonarios con el sello Warner Brothers de USA, dinero que los muchachos no ven ni un centavo, el sello los demanda y Pete Ham se deprimió y por acumulación de deudas, una hija recién nacida y en su desesperación se suicidó en su garaje justo tres días antes de cumplir los 28 años el 24 de abril de 1975  y la carta de despedida dice lo siguiente;

 

“No se me permitirá amar y confiar en todo el mundo... Esto es mejor... Pete... PS Stan Polley es un bastardo sin alma... Lo llevaré conmigo".

Badfinger - Day After Day (1971 - HQ - Restored)

BADFINGER & PETE HAM “DAY AFTER DAY”:

 

La canción “Day After Day” fue escrita por el cantautor “Pete Ham” del grupo “Badfinger” (los que fueron protegidos de McCartney que firmaron para el sello APPLE y que tocaron en la banda sonora de la película “El cristiano mágico”) y que se suicida justo tres días antes de cumplir los 28 años un  24 de abril de 1975, el tema de la referencia formó parte del disco  Straight Up de su grupo “Badfinger” y que fue lanzado como single en USA  en diciembre de 1971 y en UK EN enero de 1972, luego de la participación de Ham y Evans en el Concierto para Bangladesh (agosto 1971).

 

Esta fue la canción más exitosa de la banda y que llegó al puesto cuatro de las listas de USA  y al  décimo en lugar en los charts de UK y tiene la particularidad  de haber sido  producido por el mismo  ex beatle “George Harrison”  quien además  toca la guitarra slide y  participa además  el gran Leon Russell tocando  en el piano.

 

¡Una joya para recordar a este gran cantautor!

 

AACE FREHLEY )

ACE FREHLEY

 

Un 27 de abril de 1951 nació en USA Paul Daniel "Ace" Frehley quien fuera el guitarrista de la banda KISS en su mejor época  y fue conocido como el “Starman”.

 

Frehley nacido en el barrio bravo de  Bronx de New York es mestizo, pues su padre era natural de Pensilvania e hijo de inmigrantes holandeses y su madre  originaria de Carolina del Norte era hija de  indios cherokee y el pequeño Paul era de gran parecido a la familia materna y desde pequeño cantaba en el coro de la iglesia y a los 13 años como regalo de Navidad recibió una guitarra eléctrica Zimgar.

 

Ya en su adolescencia fue influenciado por Hendrix y Jeff Beck y  estuvo en  varios grupos amateurs como The Exterminators o Cathedra y terminó la secundaria a insistencia de su novia, que no le impidiera ser mujeriego por eso sus compañeros de escuela le pusieron “Ace” por el número de conquistas que tuvo y luego pasó por varios oficios para solventar sus gastos y en 1971 grabó un álbum en los estudios de la RCA con un grupo llamado Molimo que nunca se publicó.

 

A fines de 1972, su amigo, Chris Cassone le mostró un anuncio del periódico musical  The Village Voice que requerían de un guitarrista lead y luego de realizar la audición con pocos expectativas y vestido con zapatillas de diferente color peor su forma de tocar la guitarra y a las tres semanas fue invitado a formar parte del grupo, que en enero de 1973 fue llamado Kiss y a Frehley se le ocurrió crear el logotipo de las dos SS  como el logotipo nazi.

 

Ace aunque no fuera un prolífico compositor le dio al grupo el sonido de su guitarra  Gibson  les Paul sobre todo el modelo Les Paul Custom y como plus cantaba bien y estuvo en el grupo hasta 1982 donde se grabaron los mejores álbumes, los nueve primeros, luego volvió en 1996 para la reunión hasta la gira de despedida del 2002.

 

El alcohol le ha jugado malas pasadas  al maestro Frehley  pero como guitarrista sigue en  actividad, grabando hasta la fecha 9 álbumes y el último ha sido Origins vol. 2 

 

 Esta canción es del infravalorado disco "Music from the Elder" (noviembre de 1981) que es mi favorito y  el único que puedo escuchar entero de esta banda y es "Dark light" y la voz solista es del gran  Ace:

PAUL MCCARTNEY & “TUG OF WAR”:

PAUL MCCARTNEY & “TUG OF WAR”:

 

Casi un par de años después de la aparición del cumplidor disco “McCartney II” (mayo 1980) tanto el sello Parlaphone (UK) y Columbia (USA) publican un 26 de abril de 1982 el tercer álbum como solista de Paul McCartney, el ya célebre “Tug of War” (cuya traducción real es “Tira y afloja” y no la traducción literal) y refleja la incertidumbre de Paul luego de la muerte de su ex socio y amigo John Lennon y de haber dado de baja  a su banda “Wings” en abril de 1981luego de su arresto en Japón, por lo que decide hacer uno de sus mejores discos de transición que llegó al número uno tanto en su país natal como en USA.

 

Para lograr su cometido McCartney recurre al antiguo socio de los Beatles el maestro George Martin para producir el disco que en un inicio se empezaron a grabar en diciembre de 1980, pero al suceder la muerte de John Lennon se paraliza el proyecto por un par de meses y se reanuda en febrero de 1981 en los Air Studios, propiedad de Martin en Londres.

 

 Y las grabaciones se extendieron hasta el mes de diciembre de 1981 debido a la cantidad de músicos invitados a  grabar y su disponibilidad de tiempo para hacerlo y así participaron  el maestro del Rockabilly e ídolo de los Beatles “Carl Perkins”,  el multinstrumentista “Stevie Wonder” que participa  en un par de temas con el piano y voz,  el bueno de Ringo Starr tocando la batería en tres temas y sobre todo en  la canción  “Take it Away” que tuvo como protagonista en el video al desparecido actor John Hurt y tuvo buenas ventas como single y  el bajista de jazz Stanley Clark  en un par de temas entre otros músicos y las últimas mezclas se terminan de grabar en la sucursal de Air Studios en el Caribe.

 

Y el disco como ya señalé  llegó a los primeros lugares en diversos países como UK, USA, Canadá, Italia entre otros y tuvo como primer single de lanzamiento  la meliflua e integracionista  canción “Ebony & Ivory”, además del contar con el sentido tema que dedicó a su desaparecido amigo John Lennon llamado "Here Today" donde Ringo está en la batería.

 

LIVE “THROWING COPPER & LIGHTNING CRASHES”:e

LIVE “THROWING COPPER & LIGHTNING CRASHES”:

 

Un 26 de abril de 1994 el sello “MCA Records” publicó el segundo disco de la banda alternativa de USA “LIVE” liderada por el cantante y compositor “Ed Kowalczyk” llamado "Throwing Copper" (traducido como “Lanzando cobre”) que fue grabado en los  Pachyderm Recording Studio de Minnesota bajo la producción del ex Talking head Jerry Harrison entre los meses de julio a setiembre de 1993 y vendió millones de copias llegando al puesto número uno de las listas de su país.

 

El disco que ahora es un clásico tiene muy buenas canciones  como el single debut “I Alive”, la popular “Selling The Drama” entre otras canciones con interesantes letras y un sonido que los situaría  dentro de un tardío Grunge, pero el tema “Lightning Crashes” es una mención aparte, tiene una de las más hermosas y desgarradoras letras sobre la maternidad que son poesía dentro de un gran marco musical:

 

Lightning crashes, a new mother cries

her placenta falls to the floor

The angel opens her eyes

The confusion sets in

Before the doctor can even close the door

 

Lightning crashes, an old mother dies

Her intentions fall to the floor

The angel closes her eyes

The confusion that was hers

Belongs now to the baby down the hall

 

Oh now feel it comin' back again

like a Rollin' thunder chasing the wind

forces pullin' from the center of the earth again

I can feel it.

 

Lightning crashes, a new mother cries

This moment she's been waiting for

The angel opens her eyes

Pale blue colored iris,

Presents the circle

And puts the glory out to hide, hide

 

Oh now feel it comin' back again

Like a rollin' thunder chasing the wind

forces pullin' from the center of the earth again

I can feel it. I can feel it.

 

Oh why [3x]

 

I can feel it comin' back again

Like a rollin' thunder chasing the wind

Forces pullin' from the center of the earth again

I can feel it.

 

I can feel it comin' back again

Like a rollin' thunder chasing the wind

Forces pullin' from the center of the earth again

I can feel it.

 

I can feel it comin' back again

Like a rollin' thunder chasing the wind

Forces pullin' from the center of the earth again

 

Gary Wright

GARY WRIGHT:

 

Un 26 de abril de 1943 nació en Cresskill, Nueva Jersey, el músico “Gary Malcolm Wright”, quien fuera el cantante, compositor y tecladista de la legendaria banda inglesa “Spooky Tooth”  que formara en octubre de 1967 de las cenizas del grupo Art con el gran Mike Harrison (voz, teclados), Mike Kellie (batería), Luther Grosvenor (guitarra) y el fallecido Greg Ridley (sí el de Humble pie) en el bajo y son básicos los dos primeros discos que lanzaron: “It´s all About” (1968) y “Spooky Two”, producidos por el legendario Jimmy Miller (también de USA) para que pasaran a la historia, pues son inclasificables, por su calidad, sonidos y los  duelos vocales entre Wright y Harrison a lo largo de las composiciones y  un ejemplo de ello es el cover de “Evil woman”, una epopeya de más de 8 minutos que pasó a ser antológico, por el tratamiento dado.

 

Pero comercialmente a Wright se le conoce por ser el  compositor del tema “Dream Weaver” (1976), la canción más  conocida de su trayectoria solista parte del disco con el mismo nombre y de otros temas como “Really Wanna Know You” y  el  lírico “Love Is Alive”  y por ser uno de los propulsores del  uso del sintetizador como un instrumento en las canciones y cuyo uso indiscriminado en los ochentas torturó a muchos, como en mi caso.

 

Es conocida la amistad que mantuvo con  George Harrison desde los tiempos en que participara en el triple All Things Must Pass (1970) y posteriores discos y el ex beatle lo influenció  en la temática hindú y la espiritualidad que repercutió en los siguientes trabajos de Wright.

 

Su carrera partir de la década de los 1980 adoptó elementos de la música del mundo y del new age (zzzz…), aunque ninguno de sus discos volvió a tener la relevancia comercial de “The Dream Weaver” o la calidad del “Diente espeluznante” por lo que se dio el milagro y en el 2004 retornó a Spooky Tooth pero fue solo un reencuentro que dejó un buen disco en vivo, dos en estudio y dejó contento a los viejos admiradores de la banda que gozamos de su música.

 

EL GRAN “GIORGIO MORODER”:

EL GRAN “GIORGIO MORODER”:

 

El 26 de abril de 1940 nace  en Urtijëi al sur de Tyrol, en Italia “Giovanni Giorgio Moroder”  más conocido en el mundo de la música como “Giorgio Moroder”, compositor y tecladista italiano y pionero de la música electrónica que inicia su carrera a fines de los sesentas en Berlín y luego empieza a componer para otros artistas. 

 

Moroder le cambió el sonido a la cantante “Donna Summer” en los 70s y la hace famosa con la canción que co escribe I Feel Love donde ese sonido de sintetizador la hace un éxito y así se hace famoso produciendo a Cher y al grupo  Blondie como el tema Call Me.

 

Luego se dedica a realizar bandas sonoras empezando en 1978 con la  película Midnight Express que es la más célebre por la increíble música de todo el disco como las canciones Chase o el tema principal , luego la de American Gigoló (1980) ,la música del film NeverEnding Story, la de la clásica Scarface con Al Pacino , Flashdance entre otras películas.

 

En la década de los noventa realiza los álbumes To Be Number One (1990), Forever Dancing (1992)

Y en el nuevo siglo se hizo un álbum tributo a Moroder que relanzó su carrera publicando el álbum Déjà Vu en el 2015 y aunque en el 2017 tuvo un escándalo financiero sigue en el mundo de los negocios, autos y música.

BJÖRN ULVAEUS:

BJÖRN ULVAEUS:

 

Un 25 de abril de 1945 nació en la ciudad de Gothenburg, Suecia,  Björn Kristian Ulvaeus que sería más conocido en el mundo de la música como el guitarrista a veces voz  y co compositor junto al pianista Benny Andersson del cuarteto “ABBA”.

 

Y aunque a nivel mundial se hace famoso con el grupo mixto de por entonces parejas, ya desde su adolescencia era una celebridad con los “Hootenanny Singers” y cuando su banda conoce al otro grupo famoso  sueco The Hep Stars en 1966 nace su amistad con el tecladista Benny Andersson y al tener intereses musicales similares nace una sociedad compositiva mismo Lennon McCartney apoyados por el manager de Ulvaes  Stig Anderson que vio potencial en el dúo los ficha en su sello Polar Music y cuando años después deciden hacer un cuarteto con sus entonces parejas nace ABBA en 1972 y el resto es historia.

 

Pues aunque Ulvaeus tenía un buen registro vocal con su socio Andersson decidieron que sus respectivas mujeres alternen las voces solistas, naciendo así el grupo que vendió más singles luego de los Beatles y aunque eran temas pop eran de gran calidad y grabados en el mejor estudio de Suecia los Polar por supuesto y además se dio el lujo de cantar en pocas canciones de la banda y actualmente junto con sus tres ex compañeros están en proyecto de revivir el fenómeno “ABBA”.

ALBERT KING & “THE HUNTER”:

ALBERT KING & “THE HUNTER”:

 

Esta es la versión original del tema “The Hunter” (el cazador), cantado por el gran guitarrista bluesero de Indianola, Mississippi “Albert King” nacido en una plantación algodonera como Albert King Nelson un 25 de abril de  1923 y fallecido en Memphis Tennessee un 21 de diciembre de 1992, lo interesante  es que nació zurdo y por su estilo de tocar es considerado uno de los tres Reyes de la Guitarra blues  (junto a  B.B. King y Freddie King).

 

El llamado “Velvet Bulldozer" debido a su voz y porque medía cerca de dos metros graba su segundo álbum un 7 de julio  de 1967   y es el célebre  “Born Under a Bad Sign”  que fue su primer disco para el sello “Stax Records” y que además della canción que le da el título al álbum se encuentra la canción más versionada del maestro y es nada menos que “The Hunter”.

“The Hunter” fue compuesto  por la mayoría de  los miembros de la banda “Booker T. and the MGs”, (Booker T. Jones, Carl Wells, Steve Cropper, Donald Dunn,  y Al Jackson Jr.) y que eran los miembros del staff de músicos de sesión del sello  “Stax Records”.

 

Si el tema suena conocido es por las versiones que posteriormente tuvo como la de Blue Cheer (Outside Inside 1968), Pacific Gas & Electric (Get It On 1968), Free (Tons of Sobs 1968), and Blues Magoos (Never Goin' Back to Georgia 1969) y el plagio de  Canned Heat con el nombre de"Amphetamine Annie" y la versión pop de Ike y Tina Turner de 1969.

 

Los hinchas de Led Zeppelin  recordamos el primer párrafo de la canción en la parte final del tema "How Many More Times" de su disco debut.

 

Pero esta versión señores es la madre del cordero.

RECORDANDO AL MAESTRO “ALBERT KING”:

RECORDANDO AL MAESTRO “ALBERT KING”:

 

Albert King, el gran guitarrista bluesero nació con el nombre de Albert Nelson en una plantación algodonera en Indianola, Mississippi un 25 de abril de  1923 y empezó su carrera musical cantando de niño gospel en la iglesia gospel, luego su padre que era guitarrista le enseñó a usar el instrumento  y lo interesante  es que nació zurdo y por su estilo de tocar es considerado uno de los tres reyes de la Guitarra blues  (junto a  B.B. King y Freddie King).

 

El llamado “Velvet Bulldozer" (Camión de terciopelo) apodo que nació debido a que era camionero, tener una  gruesa voz y porque medía cerca de dos metros de estatura comenzó a usar el apellido King desde 1958 debido a que se decía que era medio hermano del otro “Rey”  “B.B” y empieza a tocar con Jimmy Reed como baterista y cuando empieza a ser guitarrista usa una guitarra  Gibson Flying V a la cual llamó Lucy y las primeras canciones que graba son “I´m a Lonely Man” de 1959 y  “Don't Throw Your Love on Me So Strong” de 1961 y graba su primer LP “The Big Blues” en el sello King Records en 1962.

 

Pero es en el sello Stax Records que logra su consagración y  debido a su segundo álbum de agosto de 1967  llamado “Born Under a Bad Sign” donde registra sus mejores canciones, aunque no las compone pero las hace célebres como  el tema que da título al disco y “The Hunter”  tema que fue compuesto  por la mayoría de  los miembros de la banda “Booker T. and the MGs”, (Booker T. Jones, Carl Wells, Steve Cropper, Donald Dunn,  y Al Jackson Jr. y que fue versionado por una cantidad de músicos más adelante y el inconfundible estilo de tocar la guitarra de King ha tenido una serie de epígonos a lo largo de los años.

 

Albert King siguió publicando discos en las décadas de los sesenta, setenta y ochenta, siguió haciendo presentaciones y homenajes pero ya no tuvo  la repercusión de su segundo disco  y falleció de un ataque al corazón en su hogar en Memphis Tennessee un 21 de diciembre de 1992.

 

 

MOODY BLUES “LA SUITE: HAVE YOU HEARD/THE VOYAGE/HAVE YOU HEARD II”

MOODY BLUES “LA SUITE: HAVE YOU HEARD/THE VOYAGE/HAVE YOU HEARD II”

 

El álbum “On the Threshold of a Dream” de los Moody Blues fue publicado por la subsidiaria Deram Records de la Decca un 25 de abril  de 1969 y llegó a ser número uno en UK pese a no tener algún single comercial como en los anteriores trabajos, más bien es un disco conceptual que se inicia con la frase de Descartes: “Pienso, luego existo” y la temática del álbum gira entre el pop, rock, poesía y el  country con letras en la mayoría de las canciones sobre temas mitológicos y desamor, es uno de las mejores obras que cinco músicos crean al unísono.

 

Lo interesante es que al año siguiente fundan su propio sello con el nombre de esta grandiosa obra   llevada a disco llamada “Threshold records”.

 

Los temas que acompañan a esta reseña es una suite de tres canciones  “Have you Heard (Part 1) “The voyage” (el viaje)/Have you Heard (Part 2) que es una composición del multi tecladista  Mike Pinder dividida en tres partes, que él mismo canta  y que cierra el disco, además como ellos señalaron de ser  dificultosa de tocar en vivo debido a su complejidad en an elaboración  ya que debía tocarse  el piano y el mellotrón a la vez (que en el disco realiza Pinder en dos pistas), creando  una melodía de enigmática belleza que al escucharla nos puede transportar de inmediato a la época  medieval  y a universos etéreos.

MOODY BLUES “ON THE THRESHOLD OF A DREAM”

MOODY BLUES “ON THE THRESHOLD OF A DREAM”:

 

Un  25 de abril de 1969 la subsidiaria de la DECCA, “Deram Records” publica el  cuarto álbum de los Moody Blues llamado “On The Threshold of a Dream” (traducido como “En el límite de un sueño”) y fue el tercero de la era “Hayward”  que fue un álbum conceptual que exploraba la naturaleza de los sueños y su repercusión en los individuos y que llegó a ser número uno en UK pese a no tener algún single comercial como en los anteriores trabajos ya que la canción “Never comes the day” no llegó a los charts  de UK y en USA  sólo llegó al puesto 91 de la Billboard 100.

 

El disco fue grabado entre el 12 al 31 de enero de 1969 en los estudios del mismo sello  “Decca Studios” situado en  West Hampstead en Londres UK bajo la producción de Tony Clarke (quien además sale en las fotos internas del disco y les produjo sus ocho primeros y mejores discos)   con una temática más bien  conceptual que se inicia con la frase de Descartes: “Pienso, luego existo” que  gira en torno a los sueños y los tres últimos temas de Pinder, el maestro del melotrón están inspirados en la obra musical clásica de  Richard Strauss “Así hablaba  Zarathrustra”.

 

El disco va entre el pop, rock, poesía y el  country con letras en la mayoría de las canciones sobre temas mitológicos y desamor, es uno de las mejores obras que cinco músicos que tocan una variedad de instrumentos pueden crear al unísono.

 

Lo interesante es que al año siguiente fundan su propio sello con el nombre de esta grandiosa obra   llevada a disco llamada “Threshold records”.