Robert Lawrence Welch Jr. más
conocido en el mundo de la música como “Bob
Welch” nació en Los Ángeles California un 31 de agosto de 1945y se críoen Beverly Hills debido a que se padre Robert Welch se dedicaba a la
producción de películas sobre todo comedias con Bob Hope & Bing Crosby y
además de programas de televisión y su
madre fue la actriz y cantante Templeton
Fox.
Por ello no es de sorprender que
el arte le venía enlas venas empezando su
vocación con el clarinete y luego por la guitarra y empieza su carrera en 1964
entrando como guitarrista del grupo The Seven Souls, cuando el grupo se
disuelve en 1969 se muda a París y por contactos personales es convocado a
pasar una audiciónpara ver si se
integra a “Fleetwood Mac” y ya a
mediados de 1971 forma parte de la agrupación grabando con ellos los discos “Future Games” (1971), “Bare Trees, “Mystery to me” (1973), “Heroes are hard to Find” (1974) yapenas termina de grabar el disco abandona la banda para formar el grupo “Paris”
en 1976.
Ya como solista publica el exitoso disco French Kiss (1977) donde se
encuentran sus dos mejores temas Ebony
Eyes y Sentimental Lady (cuya maqueta había trabajado antes con Fleetwood
Mac, luego decae su carrera y otros singles de interés son: "Hot Love, Cold World", "Precious Love”
entre otras canciones.
En 1985 se casó con Wendy Armistead Welch y en el 2012 se le opera sin
éxito de la columna vertebral y los médicos le informan a Bob Welch que quedaría
lisiado de por vida y decide que deseaba
no ser una carga para su esposa por lo que toma la decisión desuicidarse disparándose una bala en el pecho un 7 de
junio del 2012.
“Ebony Eyes” es el temónque hace que uno lo recuerde de inmediato sobre todo por el atrapante
riff y el video setentero.
Un 31 de agosto de 1973 se publicó el último álbum de los Rolling
Stones producido por el genial Jimmy
Millery tuvo por título “GOATS HEAD SOUP” o “Sopa de cabeza de
cabra” y aunque hay un par de temas de Rythm and blues es casi un giro de
180 grados de su predecesor el experimental “Exile on Main Street” asumiendo los ritmos de moda como el funk, reggae
o soul debido a que se grabó casi en su integridaden los estudios Dynamic Sound de Kingston, Jamaica desde noviembre de 1972.
La canción más conocida del disco es el éxito a nivel mundial “Angie” dedicada a la mujer de Bowie
pero quizás el tema que tiene la mejor letra aunque cruda y con un ritmo
interesante se encuentra en el cuarto surco de esas 10 canciones compuestas por
Jagger y Richardsllamada “Doo Doo Doo
Doo Doo (Heartbreaker).
“DOO DOO DOO DOO DOO”
(HEARTBREAKER) o en español “rompe
corazones”, el título no se refiere a un picaflor si no a la muerte violenta
de dos niños, el primero muerto por un policía enun tiroteo en Nueva York (confunde a él y su
padre con dos delincuentes y el policía luego sale absuelto por el juzgado) y
la segunda historia acerca de una niña de diez años que muere por una
sobredosis de droga y quizás los rompecorazones del disco serían un Magnun 44
en la primera historia y la segunda un jeringa que mata a la niña.
Los músicosque tocaron en este
tema de neta influencia funk son de lujotema son de lujo: Billy Preston en el clavinete (con pedal wah wah) y
piano eléctrico, Jim Price en el saxo, Chuck Findley en la trompeta, Mick
Taylor en las guitarras y en esta ocasión Keith Richard en el bajo.
El tema fue lanzado como segundo
single en diciembre de 1973 y llegó hasta el puesto número 5 del Billboard Hot
100.
El cantante irlandés George Ivan
"Van" Morrisonmás
conocido en el mundo de la música como “Van
Morrison” nació el 31 de agosto de 1945 en la ciudad d Hyndford Street,
Bloomfield, en el distrito de Belfast,
Irlanda del Norte en el seno de una familia de religión protestante y su
padre era un gran coleccionista de discos que se trajo de USAy que su hijo empezó a escuchar desde su
niñez y sus primera influencias fueronSonny Terry,Brownie McGhee,Solomon Burkeentre otros que le hizo admirar diversas expresiones
musicales como folk, el jazz, blues, country entre otros y se decide a ser
cantante luego de escuchar la versión de Lonnie Donegan de la canción Rock
Island Line.
Su padre le regala una guitarra a los once años y a los doce años crea
su primer grupo de skiffle, llamado "The
Sputniks” y se dedicó a cantar en diversas agrupaciones en bares o locales
aledaños Y destacó además por su fuerte timbre de voz que lo haría famoso y
refuerza su bagaje aprendiendo a tocarel saxo a los quince años y forma parte del grupo “The Monarchs” con los
que graba un single en noviembre de 1963, con las canciones "Boozoo Hully
Gully" / "Twingy Baby", y el grupo se renombró comoGeorgie and the Monarch que al poco tiempo se
separa.
Y en 1964 al ver un anuncio en
el periódico para ser parte de un grupo que deberá tocar en un nuevo club de
R&B en el Maritime Hotel y así al unirse todos los interesados nace el grupo “Them” que se convierte en la sensación
del local y Morrison crea sus primeras cancionescomo Could You Would You" y el clásico
Gloria, así el mandamás de Decca Records al enterarse sobre la bandalos recluta con un contrato pordos años donde grabaron dos álbumes y diez
singlescomo el segundo de diciembre de 1964 "Baby, Please Don't
Go" que se vuelve un éxito, pero sería más célebre el lado “B” la canción
llamada “Gloria” que sería el tema más célebre de la banda , luego de
interpretar otros éxitos como "Here Comes the Night" o "Mystic
Eyes la banda no renueva con el sello y luego de su gira a USA donde tocaron en
el Whisky a Go Go deLos Ángelesy tuvieron como teloneros a The Doors que
años después harían un cover de “Gloria” y al regresar a Irlandala banda se disuelve a fines de 1966 y
Morrison emprende su carrera como solista y los Them se reagrupan sin él en
1967.
Al año siguiente firma un contrato con una disquera de USAy en junio de 1967 el clásico single como “Brown Eyed Girl y luego de un año de para por
problemas contractuales graba su primer álbum llamado “Astral Weeks (1968)” para luego tener una dilatada discografía como
solista y compositor de discos que pueden ser considerados como hitos musicales-
LOS BEATLES EN EL FESTIVAL DE ISLA
DE WIGHT DE 1969 PARA VER EL RETORNO DE DYLAN:
El domingo 31 de agosto de 1969 George Harrison y su esposa Pattie
Boyd, Ringo Starr y su esposa Maureen Cox además de John Lennon y Yoko Ono asistieron al concierto que ibaa brindar “Bob Dylan” acompañado del grupo “The Band”en la segunda
fecha de la Segunda Edición del Festivalde la Isla de Wight y era una ocasión especial porque luego de más de
tres años iba a volver a tocarante el
público.
Bob Dylan había actuado por
última vez ante su audiencia en Londres el 27 de mayo de 1966 luego una extensa
gira de más de siete meses en y al poco tiemposucedió su extraño accidente en su moto Triumph T100 del 29 de julio de
1966 que lo tuvo alejado de los escenario pero no de los estudios de grabación
un buen tiempo.
George Harrison que era amigo de Dylan le dio el encuentro días antes
en Portsmouth el 26 de agosto de 1969y
luego Dylan tomó el Ferry a la Isla de Wight ese mismo día y comenzó a ensayar
en Forelands Farm en Bembridge donde alquiló una granja para alojarse, el 29 de
julio los Harrison llegaron a la isla, al día siguiente lo hicieron los Lennon
y los Starkey.
Dylan salió al escenario cerca de las once de la noche y tocó durante
poco menos de una hora y su set se inicia con tres canciones acompañado por la
Band, luego toca cuatro canciones sólo con su guitarra acústica, luego
nuevamente acompañado por The Band tocan dieztemas más 2 encores, siendo una
gran performance según los entendidos con losaplausos generales.
Este evento fue visto por más de 150,000 personas, la mayor audiencia
que pudo tener Dylan en los últimos años y se dice que además de los 3 Beatles
entre los asistentes estuvieron Keith Richards, Bill Wyman, Syd Barrett, Eric
Clapton, Elton John, Jane Fonda entre otros.
Después del concierto, los tres Beatles
fueron invitados a la granja alquilada de Dylan, donde le obsequiaron una copia
del acetato de lo que iba a ser el álbum
“Abbey Road” y luego lo invitaron a
regresar al continente al día siguiente en el helicóptero alquilado de Apple.
“BOB DYLAN” Y SU RETORNO A LOS
ESCENARIOS EN LA ISLA DE WIGHT:
Un 31 de agosto de 1969 el
cantautor “Bob Dylan” iba a realizar
su retorno triunfal a los escenarios de la mano de su clásico grupode acompañamiento “The
Band” (que ya eran unos consagrados luego de la publicación de sus dos
álbumes) y lo iba a hacer a lo grande, nada menos queen la segunda fecha de la Segunda Edición del
“Festivalde la Isla de Wightde 1969”y era la ocasión propicia para volver a un escenario luego de más de
tres años sin hacerlo.
Hay que recordar que Bob Dylan había actuado por última vez ante
unaaudiencia en Londres el 27 de mayo
de 1966 luego de haber realizado una extensa gira de más de siete meses yal pocotiempode retornar a su hogar
ocurriósu extraño accidente en su moto
Triumph T100 modelo 1964 un29 de julio
de 1966 que lo tuvo alejado de los escenario pero no de los estudios de
grabación un buen tiempo ni de la crianza de su hijo que acababa de nacer.
Pero eso no le impidió de seguir grabando peroera importante volver a conectarse al público
y decide su retorno a los escenarios y elige ese masivo Festival para hacerlo y
contó con Harrison que era amigo y le dio el encuentro días antes en Portsmouth
el 26 de agosto de 1969y luego Dylan
tomó el Ferry a la Isla de Wight ese mismo día y comenzó a ensayar en Forelands
Farm en Bembridge donde alquiló una granja para alojarse y relajarse hasta el
día del concierto.
Dylan salió al escenario elegantemente vestido con un terno blanco y
su guitarra acústica cerca de las once de la noche y tocó durante poco menos de
una hora y su set incluyótres canciones
acompañado por The Band, luego continuó su performance sólo donde toca catorce
cancionescon su guitarra y 2 encores
con The Band nuevamente, siendo una gran performance aplaudido por todos.
Este evento fue visto por más de 150,000 personas, la mayor audiencia
que pudo tener Dylan en los últimos años y se dice que 1969 George Harrison y
su esposa Pattie Boyd, Ringo Starr y su esposa Maureen Cox además deJohn Lennon y Yoko Onoademás de los tres Beatles entre los
asistentes estuvieron Keith Richards, Bill Wyman, Syd Barrett, Eric Clapton,
Elton John, Jane Fonda entre otros
Dylan salió al escenario cerca de
las once de la noche y tocó durante poco menos de una hora y su set se inicia
con tres canciones acompañado por la Band, luego toca cuatro canciones sólo con
su guitarra acústica, luego nuevamente acompañado por The Band tocan dieztemas másdos encores, siendo una gran performance según los entendidos con losaplausos generales.
La presentación del músico fue visto por más de 150,000 personas, la
mayor audiencia que pudo tener Dylan en los últimos años y se dice que 1969 estuvieron
presentes George Harrison y su esposa Pattie Boyd, Ringo Starr y su esposa
Maureen Cox además deJohn Lennon y Yoko
Onoademás entre los asistentes
estuvieron Keith Richards, Bill Wyman, Syd Barrett, Eric Clapton, Elton John,
Jane Fonda entre otros.
SETLIST
CON THE BAND
She Belongs to Me
(Del álbum Self Portrait)
I Threw It All Away
Maggie's Farm
SOLO
Wild Mountain Thyme (cover
de Francis McPeake)
It Ain't Me, Babe
To Ramona
Mr. Tambourine Man
CON THE BAND
I Dreamed I Saw St.
Augustine (Live debut)
Lay Lady Lay (Live
debut)
Highway 61 Revisited
One Too Many Mornings
I Pity the Poor
Immigrant (Live debut)
Like a Rolling Stone
(Del álbum Self Portrait)
I'll Be Your Baby
Tonight (Live debut)
Quinn the Eskimo (The
Mighty Quinn)(Live debut, recorded for the album Self Portrait)
El guitarrista Michael Joseph Moodymás conocido en el mundo de la música como “Micky Moody nacióen Middleborough, en North Yorkshire,
Inglaterra un 30 de agosto de 1950 e inició su carrera musical en la
adolescencia y en su escuela formó el grupo The Roadrunners con sus compañero
de carpeta llamado “Paul Rodgers” (futuro líder de Free & Bad Company) como vocalista y el futuro bajista de Elvis
Costello & The Atractions, Bruce Thomas, en 1967 el grupo cambia de nombre
aThe Wildflowers se mudan a Londres
pero no llegan a grabar pues se separan, Moody vuelve a su pueblo y perfecciona
su técnica en la guitarra clásica y sobre todo en la “slide” donde es un “maestro” y es reclutado por el grupo
Tramline con los que graba dos álbumes.
En 1970 forma parte de la banda
del tecladista n Zoot Money y ese mismo año es invitado a serparte de Juicy Lucy con los que
graba tres discos, luego co funda el grupo Snafu con los que grabó tres discos,
Situation Normal y All Funked Up, en 1975 deja la banda y toca como músico de
sesión como de Bob Young y Gerry Rafferty
En el año de 1978 junto a David Coverdale fue co fundador de la banda Whitesnake y lo
integróhasta 1984 y participó en los primeros
seis álbumes de estudio donde cuatro de
ellos top10 en las listas de UK y además de haber sido uno de los dos
guitarristas junto a Bernie Marsden fue uno de los compositores de la banda.
Luego de salir de Whitesnake formó con Bernie Marsden la “Moody Marsden
Band” y “The Snake” con los cuales han grabado más de diez álbumes yen 1998 ambos fundaron las secuelas The
Company of Snakes y M3 que se mantuvieron activos hasta el año 2005.
Moody ha publicado asimismo en solitario media docena de álbumes y
como guitarrista versátil ha colaborado con numerosos artistas, entre el 2011 a
2015 realizó innumerables giras y grabó con Snakecharmer, en el 2016 publicó
con Ali Maas el álbum “Black & Chrome” al que le siguió ‘Who’s Directing
Your Movie’ en el año 2020, teniendo hasta el momento una prolífica carrera
musical.
Un 30 de
agosto de 1935 nace en Parris Island, Carolina del Sur con el nombre de “John Edmund Andrew Phillips” quien fuera el líder y creador de la
banda californiana que representaraa la
nueva era “The Mamas & the Papas”.
Phillips fue además cantante, guitarrista y un prolífico compositor
(el material del grupo era de su inspiración) y fue un pionero de la
organización de eventos musicales como el “Monterey
Pop Festival” que fue el más notable ejemplo de mostrar a los principales
intérpretes de su generación en tres fechas en un mismo lugar que sería el
antecedente de Woodstock, la Isla de Wight y otros espectáculos.
Y como representante de la cultura y el “verano de amor de San Francisco de 1967”compuso el tema “San Francisco” que cantara su amigo Scott Mackenzie para
promocionar el evento y que sería el himno hippie por excelencia.
El tema "Twelve
Thirty" del cuarto disco y último disco en los 60s (1968)de The Mamas & the Papas, es quizás una
de sus mejores composiciones de Phillips que tiene como voz principal a la que
fuera su esposa en dichos años la bella Michelle Phillips.
Luego de
disolverse el grupo The Mamas & The Papas a inicios de los setentas tuvo problemas
con el alcohol, drogas, escándalos familiares y una salud mermada John Phillips
falleció víctima de un infarto en Los Ángeles a los 65 años el 18 de marzo del
2001.
Un 30 de agosto de 1969 el
célebre sello Columbia Records de
New York (y distribuido por CBS en UK) publican el disco homónimo debut de la
banda “Santana”exactamente dos semanas después de su
triunfal participación en el “Festival de
Woodstock” (16 de agosto) donde brillaron por mostrar una fusión de rock
con ritmos latinos que hizo delirar a la audiencia como pudo observarse en la
ya clásica película del evento.
Pero el álbum fue grabado meses antes, justo en el mes de mayo en los estudios
“Pacific Recording” en San Mateo
California y la intención del productor Brent Dangerfield que lo coprodujo con
los mismos integrantes de la agrupación “era captar el ambiente que se lograba
con los interminables jams quebrindaba la banda sobre todo en el auditorio
del Fillmore West que regentaba el amigo y manager del grupo Bill Graham, pero también
se da cuenta que era necesario agregar temas convencionales de duración
standard y por ello el disco es mitad
instrumental y mitad cantado como quedó estructurado para la posteridad.
El éxito del disco fue
inminente, con el espaldarazo de la actuación en Woodstock y el lanzamiento de
su segundo single Evil Ways (que llegó hasta el puesto 9 de las listas) hizo
que el Long play llegue a alcanzar el puesto 4 de la lista de los Billboard 200
y al puesto 26 en de las listas de UK y en el 2003 la revista Rolling Stone lo
situó en el puesto 150 de los 500 mejores discos de todos los tiempos.
Mención aparte es la guitarra de Carlos Santana que desde sus primeros
acordes es su sello de fábrica y que supo nutrirse del estilo de Peter Green
para desarrollar el propio que lo hace uno de los mejores de la historia de la
música.
SOBRE LA FAMOSA CARÁTULA DEL
LEÓN:
El ya famoso diseño de león rugiente se basa en el dibujo hecho en
tinta de lapicero que realizó el
ilustrador Lee Conklin en 1968 para un afiche promocionando un concierto donde
iban a compartir fecha tanto Grateful Dead como Santana en el Fillmore West de
Graham y que le gustó tanto al líder de la banda Carlos Santana que le pide al
mismo que la readapte a su disco debut y su uno lo observa atentamente verá
diversas figuras pequeñas de otros rostro e imágenes en la faz del icónico
león.
Un 30 de agosto de 1965 el sello discográfico “Columbia Records” publica en USA el sexto disco de estudio de “Bob Dylan” el casi totalmente
electrificado llamado “Highway 61
Revisited” y el título era en alusión y homenaje a la “Autopista 61” cuna del blues y que además la misma cruzaba el
pueblo de Duluth en Minnesota, lugar donde había nacido Robert Zimmerman antes
de ser Bob Dylan y la enorme extensión de esta carretera abarcaba desde St.
Paul hasta el delta del Mississippi donde habían nacido leyendas como Muddy
Waters, Son House, Elvis Presley y Charley Patton o murieron míticas
intérpretes como Bessie Smith y además los historiadores del rock señalan que
en el cruce de las rutas 49 y 61 el mítico Robert Johnson vendió su alma al
diablo y quizás Dylan quiso emularle en el título del su disco.
Los acontecimientos de su grabación son interesantes ya que Dylan
había regresado de su accidentada gira a UK que se había iniciado el 26 de
abril de 1965 y se extendió por cerca de dos meses donde rompe con Joan Baez,
oficializa a Sara Lownds que ya estaba preñada del primogénito de la pareja y
muchos de esos acontecimientos en el Reino Unido son filmados por el canadiense
D. A. Pennebaker para su documental Don't Look Back.
Ya en de regreso en USA los primeros días de junio empieza la
grabación del disco que tiene la particularidad de haber sido grabado por dos
productores y en dos momentos claves en la carrera de Dylan, las primeras
sesiones se llevaron a cabo con el afroamericano Tom Wilson (quien había
producido el ya controvertido “Bringing
It All Back Home”, que mezclaba el sonido acústico con el eléctrico) los
días 15 y 16 de junio de 1965 en el Estudio A de la misma Columbia Recording de
Nueva York donde en la primera fecha graban una versión rápida del tema
"It Takes a Lot to Laugh, It Takes a Train to Cry” que no se usó en la
mezcla final optando por una más lenta y la canción “Sitting on a Barbed Wire
Fence" que tampoco se usó en el disco, pero al día siguiente graban el ya
clásico de la música "Like a Rolling Stone" (que muchas publicaciones
la consideran como el mejor tema de rock de la historia) y ya es un clásico el
agregado del riff especial del órgano por parte de un bisoño Al Kooper que no
es del agrado del productor Tom Wilson pero sí de Dylan que se disgusta con el
productor y lo despide y esta versión del agrado de Dylan es la que queda en el
disco.
La segunda sesión de grabación fue un mes después, luego que Dylan
había pasado cerca de un mes componiendo más canciones en su nuevo domicilio
familiar en Woodstock, Nueva York y luego de su controvertida participación
electrificada en el Festival de Newport del 25 de julio de 1965 y así regresa
al mismo estudio de Columbia un 29 de julio con casi los mismos músicos de
apoyo y ya bajo la producción del tejano Bob Johnston, que había trabajado con
Johnny Cash y consideraba a Dylan un genio, así sin problemas graba a su estilo
el material restante hasta el 4 de agosto y solo se incluye una canción
acústica que es la extensa «Desolation Row».
La mayoría de las canciones son eléctricas y de tono blueseras como
«Tombstone Blues» donde domina la guitarra de Mike Bloomfield o la roquera
"Highway 61 Revisited", que ha tenido numerosos covers y quizás el
más conocido es el hecho por Johnny Winter, otro clásico con Bloomfield es
«From a Buick 6» además de aparecer temas más sosegados como «Just Like Tom
Thumb's Blues” y la canción donde aparece el famoso Mr. Jones en la canción
“ballad of a Thin man”, donde cuestiona los tiempos en que se están viviendo y
al as personas de su pasado, o la sarcástica «Queen Jane Approximately» que era
dirigida hacia Joan Baez para terminar el disco con el extenso tema acústico de
singular belleza “Desolation Row” como despidiendo al Dylan de los primeros
años.
SOBRE LA PORTADA:
Es una foto que fue tomada semanas antes de las sesiones de grabación
por el maestro Daniel Kramer y Dylan está sentado en la entrada del domicilio
de su manager Albert Grossman ubicada en Gramercy Park, Nueva York y su amigo
Bob Neuwirth sale detrás de él y el polo de Dylan tiene la imagen y el logo de
las motos Triumph.
Cuando el vocalista Denny Layne decidió dejar a la banda de Rhythm and Blues “The Moody Blues” en octubre de 1966, ellos decidieron seguir adelante y con la incorporación de sus nuevos integrantes cambian de giro y se convierten en abanderados del rock conceptual y la conformación de estos cinco talentos: Justin Hayward: Guitarras, Piano, Teclados, Vocales, y John Lodge: Bajo, Guitarras (los dos nuevos integrantes, a pesar que Lodge los acompaño brevemente en su adolescencia), Vocales, Mike Pinder: Teclados, Piano, mellotrón, Vocales, Ray Thomas: Flautas, Percusión, Teclados, Vocales y Graeme Edge: Batería, Percusión y recitación, realizaron entre los 1967 a1978 ocho discos que han pasado a la historia de la música como clásicos del rock conceptual, innovadores en el uso de instrumentos tradicionales al rock, (Thomas fue uno de los instrumentos de usar la flauta como instrumento solista), Pinder fue uno de los primeros músicos que experimenta con las sonoridades del mellotrón y cada uno aportaba con su talento individual que hacía funcionar al grupo como una sólida unidad sin distinción de los cinco integrantes de la segunda encarnación de la banda, (Otra historia es de los 80s para adelante donde el predominio en el liderazgo de Hayward y un poco menos de Lodge y la salida de Pinder y luego de Thomas hace perder la magia de sus discos clásicos).
Bueno, en la noche del domingo 30 de agosto los Moody Blues tienen una inspirada performance en el festival que felizmente fue registrado en imágenes y puede verse en el DVD “Threshold of A Dream Live at the Isle of Wight 1970” donde se ve su calidad como músicos y justo acababan de d publicar en ese mes el disco “A Question of Balance” que es la base ce su setlist pero el tema que se roba el show, no lo canta el vocalista principal Hayward, sino el flautista y primer líder Thomas y me Refiero a “Legend of a Mind” tema del mismo Ray Thomas que proviene del disco “In Search of the Lost Chord de julio de 1968 cuyo famoso estribillo “"Timothy Leary's dead / No, n-n-no he's outside looking in", haciendo clara alusión al uso del LSD y sus pioneros gurus.
Un gran tema que corona la actuación de este grupo, uno de los precursores de la música progresiva.
MOODY BLUES SETLIST:
Gypsy, The Sunset, Tuesday Afternoon, Minstrel's Song, Never Comes the Day, Tortoise and the Hare, Questions, Melancholy Man, Are You Sitting Comfortably?, Nights in White Satin, Legend of a Mind, The Dream, Have You Heard (Part 1), The Voyage, Have You Heard (Part 2), Ride My See-Saw
El grupo Jethro
Tull ya totalmente bajo el liderazgo del cantautor y flautista Ian Anderson, se había formado a
finales de 1967 cuando era una banda más orientada hacia el blues cuando estaba
el guitarrista Abrahams que por discrepancias con Anderson se va luego del
primer disco, que paradójicamente se llamó “This was”, el festival los encuentra luego de haber publicado su
tercer disco “Benefict” en abril de
ese año y ellos tocan en la noche del domingo 30 de agosto un repertorio donde
sobresale Anderson como un verdadero Showman y maestro en el uso de la flauta,
que luego sería el sello de fábrica del grupo.
SETLIST:
My Sunday Feeling, My God (including flute
solo), With You There to Help Me
By Kind Permission of..., To Cry You a Song,
Bourrée (Johann Sebastian Bach cover), Dharma for One, Nothing Is Easy, We Used
to Know, For a Thousand Mothers
NOTA: Atención con este tema y antes de escucharlo leer esto
atentamente:
WE USED TO
KNOW:
Esta canción escrita por Ian Anderson (cantante,
guitarrista y flautista de Jethro Tull) que forma parte del segundo Long play
de la banda “Stand Up” publicado en
agosto de 1969 y que fuera parte del Setlist en los conciertos del grupo
durante las giras en los primeros años de la décadadel 70.
Ian Anderson,
en una entrevista que brindara hace buen tiempo a la revista Songfacts señaló
diplomáticamente que muchas partes de las secuencias de acordes de la canción
pueden haber dado origen a la canción de los Eagles de 1976 “Hotel California”.
HECHOS: Durante las giras a USApor
parte de Jethro Tull a inicios de la décadade los 70 los Eagles banda de reciente formación fueron sus teloneros,
estas son las palabras textuales del gran ANDERSONy que figuran en YouTube:
“Era una canción que tocábamos todo el tiempo… Creo
que fue a finales del 1971, tal vez principios de 1972, cuando estábamos de
gira y teníamos una banda como teloneros que había sido contratada para la gira
y que, poco antes, había tenido un éxito. La canción se llamaba “Take It Easy”
y ellos eran Eagles. No tuvimos mucho contacto con ellos: eran un grupo de
sonido country-pop tranquilo y nosotros éramos unos locos ingleses haciendo
cosas raras. No creo que les gustásemos y ellos no nos gustaban mucho. No había
comunicación, en absoluto. Sólo nos observábamos cortésmente cuando se trataba
de las pruebas de sonido y los conciertos.
Probablemente nos oyeron tocar la canción, ya que
estaba en el repertorio entonces, y tal vez es algo que recogieron de forma
inconsciente e introdujeron esa secuencia de acordes en su famosa canción
“Hotel California” en algún momento posterior. Es simplemente la misma
secuencia de acordes. Está en un compás diferente, con un tiempo diferente, en
un contexto distinto. Y es una canción muy, muy buena, así que no puedo sentir
otra cosa que felicidad por su suerte.
Me siento halagado de que encontraran esa secuencia
de acordes. Y es difícil encontrar una secuencia de acordes que no se haya
utilizado y que no haya sido el motivo de un montón de piezas musicales. Es
casi una certeza matemática que te vas a encontrar con una progresión armónica
similar tarde o temprano si te sientas a tocar algunos acordes en una guitarra.
Ciertamente no hay amargura ni ningún sentimiento de plagio en mí, aunque digo
que lo acepto como una especie de tributo”.
Yal terminar
uno de escucharla,objetivamente dando
una humilde opinión puede llegar a la conclusión que son demasiado parecidas y
si pudiese comparar hasta los solos de guitarra podría hasta hablarse de un
plagio.
(Aquí el tema y luego pueden escuchar Hotel
California).
El ya legendario cuarteto de blues y hard rock inglés “Free” se presentó en la tercera edición del Festival de la isla de
Wight en la última fecha, un 30 de agosto de 1970.
La agrupación se creó a inicios de 1968 y se desbanda
en 1973 y su característica principal es que contaba con integrantes de extrema
juventud pero con veteranía en los círculos musicales de blues donde su mentor
fuera el veterano músico Alexis Korner, destacando por ser grandes instrumentistas, buenos
compositores y tener un cantante con un dominio del escenario que recibió el
apelativo de la “voz”.
La banda estaba conformada por Paul Rodgers (nacido
un 12 de diciembre de 1949, en Middleborough, UK) en el piano, guitarra y sobre
todo canto; Simon Kirke (nacido el 28 de julio de 1949, en Shrewsbury, UK en la
batería, Andy Fraser (nacido un 07 de agosto de 1952UK y
murió de SIDA el 16 de marzo del 2015 en Temecula, California USA (es decir,
tenía un poco más de quince años cuando se unió al grupo) y por último Paul
Kossoff (nacido el 14 de septiembre de 1950, en UK , otro niño prodigio con un
talento innato para tocar la guitarra sobre todo para los blues quemurió a los 25 años un 19 de marzo de 1976 por problemas cardiacos por
su adicción a la heroína, cuando volaba rumbo a Nueva York.
Como ya se señaló luego de aparecer en el escenario
musical a fines de 1968 firman por el
sello Island records que lanza su primer
disco “Tons of Sobs” el 14 de marzo de 1969 (de orientación bluesera) , luego
su disco homónimo Free en octubre de 1969 (donde se iba estableciendo su
estilo) ypara la época de festival
habían lanzado su tercer Long play “Fire and Water” (26 de junio de 1970,
además de ser el más vendido por el grupo) que venía precedido de su éxito en
los dos continentes el single “All Right Now” (tema que hoy es un
himno de la música), es decir la banda de los cerebrales Fraser y Rodgers (
compositores de los temas de Free) estaba en su mejor momento cuando se
presentaron en esa memorable actuación en la tarde del domingo 30 de agosto fecha final del
festival.
EL SETLIST DEL
GRUPO COMPRENDIÓ LOS SIGUIENTES TEMAS:
Ride on a Pony
Woman
The Stealer
Be My Friend
Mr. Big
Fire and Water
I'm a Mover
Play Video
The Hunter
All Right Now
Encore:
Cross Road Blues (Robert Johnson cover)
Creo que una de las mejores performances de las 4
fechas del festivalfue la de “Free” y
como muestra estos dos temas, su inmortal “ALL RIGHT NOW”y “MR. BIG”que es su sello de fábrica y con un solo de bajo memorable hecho por
Fraser.
LOS BEATLES EN
EL CANDLESTICK PARK, 29 DE AGOSTO DE 1966
ÚLTIMO
CONCIERTO OFICIAL DE LOS BEATLES:
Un lunes 29 de
agosto de 1966 en el “Candlestick Park” de San Francisco se
llevó a cabo el “Concierto final de los Beatles” (sin contar la
improvisada aparición en la azotea del edificio Apple en enero de 1969) fue en
el recientemente desaparecido estadio de “The
Giants”, (que en unprincipio fue de
baseball y a la fecha de su demolición en febrero del 2015 de football americano) situado en el parque Candlestick, en la que iba a ser la ciudad
del Flower Power “San Francisco”, California.
En dicho concierto asistieron más de 25,000 personas
y la estadística indica que los Beatles se embolsaron másde $90,000 dólares de la época (y pudieron
llevarse más, puesel aforodel estadio era para42,500 espectadores pero solo vendieron ese
número de entradas) y la actuación de los Beatles se inició cerca de las 9 y 27
de la noche, luego de esperarel set
detres grupos teloneros de USA, entre
ellos The Ronettes.
Paul McCartney antes de salir a escenale pidió al jefe de prensa de los Beatles,
Tony Barrow, que grabara la actuación,
cosa que hizo (Se tiene laesperanza de
algún día se pueda ver en su integridad) y luego de un poco más de 30 minutos
de una emotiva actuación, “La primera época de la Beatlemanía había culminado, la experimentación musical meses después
nacería.
EL SETLIST DEL
ÚLTIMO CONCIERTO CONTIENE LOS SIGUIENTES TEMAS:
Rock and roll Music
She’s a Woman
If I needed someone
Day Tripper
Baby’s in Black
I Feel Fine
Yesterday
I wanna be your man
Nowhere man
Paperback writer
Long tall Sally
DOSSIER:
El concierto final de los Beatles fue en el
recientemente desaparecido estadio de football The Giants de football
americano) en el parque Candlestick, en la ciudad delFlower Power “San Francisco”, California un
29 de agosto de 1966.
Aquí los comentarios de algunos autorescomo Barry Miles, Jordi Serra y H. V. Fulpen,
al respecto y parafernalia de la época.
El cantante de los Doors, Jim
Morrison aún seguía en su proceso por obscenidades en Miami, pero aun así el
juzgado le dió permiso para viajar a Londres y reunirse con sus compañeros para
tocar en la isla de Wight así que un barbado Morrison enla voz, Ray
Manzarek en los teclados, Robbie Krieger en la Guitarra y John Densmore
en la batería, habían sido programados como número estelar para la tercera
fecha del festival es decir el viernes 28 de agosto.
Pero como se dilataron las
actuaciones de los otros gruposy
solistas, recién salieron recién a la una de la madrugada del sábado 29 de
agosto de 1970 ante una audiencia cercana a los 600,000 a 700,000 personas Y Como se describe en la biografía de
Morrison, “Nadie sale aquí vivo”, el viento, el mal tiempo y el frío hicieron
que su actuación fuera aún más difícil en un clima de oscuridad de luz que
puede ser comprobado en las dos performances que fueron filmados en el
documentalMessage to Love: The Isle of
Wight Festival de Murray Lerner de 1997 "The End" y "When the Music's Over.
Todo el set de los Doors duró cerca de hora y diez minutos (hace más
de dos años se editó por fin el Blu Ray con la tediosa actuación) y fue la
fecha inicial de su tour por Europa que fue la gira final de Morrison con los
Doors, con el look de sus últimos años con el pelo crecido, sobrepesoy la barba poblada, después de su actuación
se presentaron “The Who”.
Y finalmente esta
presentaciónaparece en The Doors: Live
en el Festival de la Isla de Wight de 1970 en un combo de DVD / CD - Blu Ray /
CD y DVD - Blu Ray lanzado en 2018.
SETLIST:
Back Door Man (Willie Dixon cover)
Break On Through (to the Other Side)
When the Music's Over
Ship of Fools
Roadhouse Blues
Light My Fire
The End/Across The Sea/Away In
India/Crossroads/Wake Up,*The End. encore *Roadhouse Blues
JONI MITCHELL EN EL FESTIVAL DE
LA ISLA DE WIGHT 1970:
La cantautora canadiense “Joni Mitchell” se presentó en la
cuarta fecha del Tercer Festival de la Isla de Wight yrealizó una actuación controvertida;
luegode su interpretación de la canción
“Woodstock” (en homenaje al Festival
de 1969 al que no pudo asistir), un hippie llamado Yogi Joe interrumpió su presentación para dar un discurso sobre la
gente en el festival en un campamento construido con fardos de paja conocido
como Desolation Row.
Cuando el manager de Joni se
llevó a Yogi Joe y lo apartó del
escenario, la audiencia comenzó a abuchearlo hasta que Mitchell les hizo un
llamamiento emocional con respecto a los intérpretes que vienen a hacer su
labor y contrariamente a la creencia popular, Joe no era el hombre que estaba
despotricando sobre un "campo de concentración psicodélico" que fue
otro incidente que tuvo lugar el día anterior.
Después de que la multitud se calmó, Mitchell cerró su set con las
canciones " Big Yellow Taxi y Both
Sides, Now”.
Un23 de
septiembre de 1945 nació en el estado de Washington D.C. El baterista “Ron Bushy”, quien era elel único miembro original de la banda sesentera “Iron Butterfly”.
Bushy empezó su carrera musical en su adolescencia y
luego de pertenecer a la banda “Voxmen” se unió agrupo Iron Butterfly en 1966 cuando el grupo que era
originario de San Diego se muda aLos
Ángeles y sustituye al anterior batería Bruce Morse cuando éste se marchó por
una emergencia familiary luego grabó
con la banda sus seis únicos álbumes en estudio yseguía en actividad haciendo giras con ellos.
Según informó la cadena TMZ, el músicofalleció el 29 de agosto del 2021 en el
Centro Médico de la UCLA en Los Ángeles(EE.UU.) a causa de un cáncer de esófago, lo acompañaban sus tres hijas.
En éste video aquí con su clásico solo de batería en
el tema inmortal de su grupo “IN A GADDA
DA VIDAo "In the Garden of Eden”, que fuera compuesto por quien fuera el
líder y tecladista Doug Ingle, esta es una versión cercana a junio de 1968,
fecha en que se publicara el álbum homónimo.
El disco debut de la banda de Ohio "Devo" llamado"Q: Are We Not Men? A: We Are Devo!"
fue publicado el 28 de agosto de 1978 y producido por el creativo ex integrante
de “Roxy Music” Brian Eno (se dice que David Bowie y Robert Fripp también
estaban interesados en hacerlo).
Pero al final optan por Eno y lo empiezan a grabar en los estudios
Conny Plank en Colonia, Alemania Occidental a fines de octubre de 1978 y aunque
el grupo a lo largo de su historia mostró su propio estilo, la introducción de
la canción "Gut Feeling" /"(Slap
Your Mammy)"nos remite a los primeros trabajos de The Stranglers, sobre
todo en el sonido del teclado.
El cantante, guitarrista, compositor y ex integrante de “The Stranglers” “Hugh Alan Cornwell” nació en Tufnell Park en Kentish Townal norte de Londres un 28 de agosto de 1949 y
estudió en la William Ellis School en Highgate donde conoce al futuro Fairport Convention
Richard Thompson y formaron una banda donde Cornwell tocaba el bajo y Thompson
la guitarra, luego siguió estudios universitarios de bioquímica y un pos grado
en Suiza regresando a UK en el año 1974
para que con el dueño del bar en que tocaba y cantaba formaran un grupo musical
inclasificable llamado “The Stranglers”
que estaba integrado también por el bajista y cantante anglo francésJean-Jacques Burnel, el veterano baterista
Jett Black (el referido dueño del pub donde dieron sus primeros ensayos) y el
innovador tecladista Dave Greenfield que le dio el sello de distinción a sus
canciones (sobre todo en los dos primeros discos que nos remiten al sonido de
Manzarek para luego pasar a sintetizadores)-
“(GET A) GRIP (ON YOURSELF)”
fue el primer single de suinclasificable grupo “The
Stranglers” que surgieron en pleno estallido del movimiento punk, pero con
la diferencia que sus cuatro integrantes síeran músicos, es decir, "tocaban bien sus instrumentos musicales",
en vez de golpear los instrumentos gritando slogans rimados como los
contemporáneos primigenios punks (que con el tiempo muchos evolucionarían hacia
nuevos sonidosy letras más maduras).
En diciembre de 1976 United Artists les ofreció 40.000 libras
esterlinas por un contrato en exclusiva queaceptaron de inmediato y asíel
28 de enero de 1977 graban éstesu
primer single, titulado '(Get a) Grip (on yourself)', compuesto y cantado por
Hugh Cornwell y con la particularidad de tener al trabajador minero Eric Clarke
en el saxofón.
Un par de meses después
apareció su disco debut, 'Rattus
Norvegicus', que fue aclamado por el público y las letras de las canciones
sobre todo este tema fue calificado comode contenido misógino por la crudeza de su lenguaje y empezaron a
clasificarlos como punks, pero tenían músicos que dominaban sus instrumentos y
poco a poco demostraron su originalidad.
Los Stranglers hicieron muy buenos discos en los siguientes años con
singles clásicos y pegadizos hasta que Cornwell decide dejar el grupo en 1990
para hacer una carrera como solista, publicar su autobiografía y hacer
actuaciones esporádicas.
FECHA 28 DE
AGOSTO: LA ACTUACIÓN ROMPEDORA DE TASTE:
El irlandés “Rory
Gallagher” fue un purista delrock, blues y algo de jazz, del que una vez
Hendrix dijera en una entrevista luego de su actuación en Woodstock que “Gallagher era el mejor guitarrista del
mundo”.
La fama de este genio nacido un 2 de marzo de 1948en
Ballyshannon, Irlanda (murió en 1995), empieza desde que formara su primer
grupo a la edad de 15 años, ya con
su inseparable Fender despintada que lo acompañaría en toda su carrera,pero fue después, con el trío de rythm'n
blues Taste que adquirió celebridad fuera de las fronteras su natal Irlanda,
principalmente después del disco On the boards (1970).
Y cabe mencionar su portentosa actuación en el
festival de la isla de Wight, justo en la tercera fecha correspondiente a un viernes 28 de agosto de 1970, donde
brindó una de sus mejores actuaciones, en el video con los temas Sinner
Boyy Gamblin ´bluesen esas imágenes antológicasde la película sobre el festival donde se ve
su destreza en la guitarra slide y la euforia desatada en la audiencia, sobre
todo en una espontanea fan y su natural belleza al desnudo.
Ycabe
mencionar su portentosa actuación en el festival de la isla de Wight, justo en
la tercera fecha correspondiente a un viernes 28 de agosto de 1970 que fue
grabado íntegramente y primero se graba para un vinilo yaños después se distribuyó el set completo en
Blu Ray.
