MICK RALPHS

RECORDANDO A MICK RALPHS:

El guitarrista “Michael
Geoffrey Ralphs” más conocido en el mundo de la música como  “Mick
Ralphs” nace en Stoke Lacy, Herefordshire, UK, un 31 de marzo de 1944 y
desde su adolescencia empieza a gustar del  blues para que luego de pasar por el circuito
de pubs logra grabar un single sin éxito  en 1964 con la banda “Buddies”.

Pero en 1966  se une a los “Mod Doc Thomas Group” donde su primer
album lo graban en Italia  sin éxito,
cambiándose el grupo con el nombre de “Silence” en 1968 para adquirir el definitivo  “Mott the Hoople” (tomado el nombre de la
novela “Mott the Hoople” escrita por
el inglés Willard Manus en 1966)  donde
Ralphs permanece hasta  el año 1973.

A mediados de ese año queriendo hacer música más en el sonido “Hard Rock” crea junto al ex líder de la
banda “Free” Paul  Rodgers  el Supergrupo “Bad Company” donde además de
ser el guitarrista principal escribió varios de los temas del repertorio de la
banda como la canción de apertura del disco debut  "Can't
Get Enough".

Cabe agregar que Ralphs junto al baterista Kirke han formado parte de
todas las encarnaciones que ha tenido el grupo hasta la fecha, en octubre del
2016 tuvo un infarto y se pensó lo peor, pero actualmente está recuperándose y
fue reemplazado por otro guitarrista en la gira del 2017 y felizmente el
maestro se recuperó y ahora fuera de la música por salud.

Focus - Hocus Pocus Significado

FOCUS “HOCUS
FOCUS”:

Palabra que tiene el mismo significado mágico que “Abracadabra”
pero en el mundo musical es el título del que podría considerarse el tema más
célebre de la agrupación de rock progresiva holandesa de los 70s “Focus” que fue escrita por el
guitarrista Jan Akkerman y el tecladista, flautista y vocalista  Thijs van Leer para su segundo disco “Moving Waves” aparecido en octubre de
1971, (la banda se completaba con el bajista Cyril Havermans y el baterista Pierre
van der Linden).

Este tema aún es el que cierra los conciertos de la
banda y ha sido usado en cortinas musicales de vez en cuando por algunos programas
de la televisión de UK y USA.

La estructura de la composición es interesante y
musicalmente vendría a ser un “Rondó”  o danza en círculo, que F. Couperin definiría
como una forma que se basa en «un tema principal que reaparece y se alterna con
diferentes temas intermedios, llamados couplets»  (coplas).

Es decir el estribillo (parte principal del rondó) se
alterna con diferentes coplas o estrofas, que se reexponen varias veces,
siempre en el mismo tono. Las coplas son diferentes entre sí, y suelen ser
relativamente independientes del estribillo

ESTRIBILLO
– COPLA 1 – ESTRIBILLO – COPLA 2 – ESTRIBILLO – COPLA FINAL.

Escuchen el tema y se darán cuenta su estructura que
alterna con los famosos “yodels” o
cantos a lo tirolés, el órgano, acordeón, scat, y los riffs de flauta, guitarra
y los silbidos finales, hay una versión más rápida del grupo "Hocus Pocus
2” que usa a menudo la banda en sus conciertos.

THIJS VAN LEER

THIJS VAN LEER:

El músico “Thijs
van Leer” de ancestros judíos nació en Ámsterdam Holanda un 31 de mayo de
1948 y aparte de ser un multi instrumentista
y gran cantante de una peculiar voz (sobre todo con sus yodels o canto
tirolés) y desde pequeño estuvo involucrado en la música porque su padre era
comerciante con estudios de flauta y su madre cantante y estudió tanto el piano
como el instrumento que dominaba su padre y será conocido por la historia de la
música como el fundador y aún líder de la banda progresiva “Focus”.

“Van Leer” además empieza  a componer a
temprana edad y estudia flauta en el Conservatorio de Geneva en Suiza y de
adolescente se vuelve concertista de música clásica pero  en la universidad le empieza a gustar el jazz,
graba un par de discos, acompaña a otros músicos y decide crear sus propia
agrupación.

En  1969 crea  la “Thijs
van Leer Trio” que se rebautizaría como
Focus que se vuelven en uno de los mayores exponentes del “rock
progresivo holandés” y con los que graba 11 discos memorables dejando
composiciones  ya clásicas como el
instrumental “Focus”,  "Hocus
Pocus" “Janis”, House of The King”, "Sylvia, entre otros y
paralelamente ha seguido su carrera como solista donde muestra aún su
predilección por la música clásica

Aunque la mejor conformación del grupo fue con el
guitarrista “Jan Akkerman” que dejó
la banda en 1976 van Leer ha seguido liderandola con nueva gente y con ello ha
grabado el disco Focus 11 en el 2018 y sigue haciendo gira alrededor del mundo con
la actual y última conformación de la banda que lidera.

LED ZEPPELIN PRESENCE

LED ZEPPELIN “PRESENCE”:

Un 31 de marzo de 1976 el sello “Swan Song Records” de propiedad de “Led Zeppelin” publica “Presence”
 el séptimo disco de la banda y quizás es
junto con el recopilatorio de canciones sueltas “Coda”  el de menor popularidad e imaginación del
cuarteto inglés.

Y quizás se pueda deber al accidente automovilístico
que sufrieron el cantante Robert Plant con la que era su  mujer Maureen junto a sus dos hijos además de
Scarlett la hija de Jimmy Page en Rodas, Grecia cuando el grupo estaba
vacacionando, para suerte de los niños salieron ilesos pero su esposa casi se
muere y se salvó con una transfusión y Plant resultó con la pierna y el codo
derecho destrozados.

Debido a estos hechos Plant estaba en silla de ruedas
con intensas terapias físicas y por motivos de impuesto se refugió en primero
en isla de Jersey Francia y luego en Malibu California,  mientras que el guitarrista Page se volvió
adicto a la heroína, aunque le dio el alcance a Plant con la idea de grabar
nuevo material.

Con este panorama entre los últimos días de noviembre
e inicios de diciembre de 1975  reservaron
los estudios “Musicland” de Múnich
(fundado por el gran genio de la electrónica “Giorgio Moroder”) bajo la
producción de page grabaron todo en un lapso de casi 20 días que tenían de
plazo para terminar (ya que los Rolling Stones lo habían separado para grabar
en diciembre su disco “Black and Blue”).

Con un Plant en silla de ruedas y un Page adicto
graban este disco  con escasa
colaboración en las composiciones de Jones y Bonham, salvo en un tema, ya que
esas canciones las tenían listas de antemano, estamos ante un disco menor de la
banda pero con grandes momentos de Bonham en “Nobody’s  fault but mine”  y Achilles Last Stand", prescindiendo de
los teclados en toda la obra.

SOBRE LA
PORTADA  DE PRESENCE “EL OBELISCO”:

La contra carátula del disco fue diseñada por  Hipgnosis y representa a un obelisco  (justo el de la película de Kubrick “2001
Odisea en el espacio” que es observado o tocado por diversas personas y Page
referente al mismo señala que representa la fuerza y presencia de Led Zeppelin.

CANCIONES:

Todos los temas compuestos por Page y Plant, salvo el
indicado.

LADO UNO:

1."Achilles Last
Stand"                  10:30

2."For Your
Life"                              6:21

3."Royal
Orleans" (John Bonham, John Paul Jones, Page, and Plant)      2:59

LADO DOS:

4."Nobody's
Fault but Mine"     6:16

5."Candy Store
Rock"                    4:08

6."Hots On for
Nowhere"           4:44

7."Tea for One"                                               9:23

MÚSICOS:

Jimmy Page - Guitarra eléctrica,
productor.

Robert Plant - Vocalista y
armónica.

John Paul Jones - Bajo.

John Bonham - Batería y
Percusiones.

PRODUCCIÓN

Peter Grant - Productor ejecutivo.

Keith Harwood - Ingeniero de sonido, mezclador.

Jeremy Gee - Ingeniero de cintas.

George Hardie - Diseño de portada y libreto.

Hipgnosis - Diseño de portada y libreto.

Eric Clapton - Let It Grow.(lyrics)

ERIC CLAPTON  & “LET IT GROW”:

Eric Clapton, además de haberse convertido en una
leyenda viviente en menos de cinco años se ha caracterizado por ser un luchador
y sobreviviente de su época tanto en el plano musical y  sus propios excesos.

Quizás una de las más hermosas canciones compuesta
íntegramente por  él  se encuentra en  su disco de retorno a lo grande (luego de años
de oscuridad)  el ya célebre “461 Ocean Boulevard”  y tanto en letra y música es una maravilla es
el tema  “Déjalo crecer” y que bien suena
la guitarra  electroacústica llamada “dobro”
como instrumento central  que estremece
en este tema con Yvonne Elliman en los coros que marca su retorno con fuerza al
mundo de la música y que sean muchos años más.

LETRA:

Standing at the
crossroads, trying to read the signs

To tell me which way
I should go to find the answer,

And all the time I
know,

Plant your love and
let it grow

Let it grow, let it
grow,

Let it blossom, let
it flow

In the sun, the rain,
the snow,

Love is lovely, let
it grow

Looking for a reason
to check out of my mind,

Trying hard to get a
friend that I can count on,

But there's nothing
left to show,

Plant your love and
let it grow

Let it grow, let it
grow,

Let it blossom, let
it flow

In the sun, the rain,
the snow,

Love is lovely, so
let it grow, let it grow

Time is getting
shorter and there's much for you to do

Only ask and you will
get what you are needing,

The rest is up to you

Plant your love and
let it grow

Let it grow, let it
grow,

Let it blossom, let
it flow

In the sun, the rain,
the snow,

Love is lovely, let
it

Let it grow, let it
grow,

Let it blossom, let
it flow

In the sun, the rain,
the snow,

Love is lovely, let
it grow

ERIC PATRICK
CLAPTON

Eric Clapton-Rita Mae

ERIC CLAPTON RITA
MAE:

Eric Clapton realiza en Nassau el álbum “Another Ticket” que es publicado el 17
de febrero de 1981  y uno de los pocos en
su carrera en que participa en la 
composición  de la mayoría de
canciones y estuvo  la producción del
genial Tom Dowd (quien ya lo había producido en 
los clásicos discos “Disraeli Gears y Wheels of Fire de  Cream y el clásico Layla).

Esta producción cuenta además con la participación de
varios monstruos de la música como Gary Brooker (quien coescribe varias de las
canciones y es el vocalista de Procol Harum), el tecladista Chris Staiton, el
guitarrista Albert Lee entre otros y el tema que cierra el disco es una
composición del mismo Clapton llamada “Rita Mae” donde hay un par de solos de
Clapton que lo remite a sus mejores épocas.

Rita Mae, Rita Mae, come an' visit me today

Rita Mae, Rita Mae, come an' visit me today

I'll do anything you want, give you anything
you say

I saw you out walking with your other man today

I said I saw you out walking with your other
man today

If I catch you one more time, I'm a blow you
both away

Rita Mae, Rita Mae, I'll see you one more time
today

Rita Mae, Rita Mae, I'll see you one more time
today

When I've finished what I've done gonna come
and drive you away

"Recuerdos De Una Noche"/Los Pasteles Verdes

RECORDANDO AL VOCALISTA  DE LOS PASTELES VERDES “ALDO GUIVOBICH”:

Aldo Guivobich, quien fuera la voz representativa de los “Pasteles
Verdes”, grupo chimbotano de música guitarrera melódica y que pegó en
Sudamérica  y traspasaron  más 
allá de las fronteras peruanas falleció un 30 de marzo del 2017 y es
oportuno recordar los  clásicos de 1976 de
este grupo como “Hipocresía que fue adaptado de un tema nuevaolero italiano,
otro tema como mi amor Imposible, Ámame Ámame, Sueños de una noche, Recuerdos
de una noche con los  riffs guitarreros
agudos del grupo y su inconfundible voz:

ALDO GUIVOVBICH Y SU RECUERDO HIPOCRESÍA"/ VERS. ORIGINAL LOS PASTELES VERDES/ CANTA ALDO GUIBOVICH/

RECORDANDO AL VOCALISTA  DE LOS PASTELES VERDES “ALDO GUIVOBICH”:

Aldo Guivobich, quien fuera la voz representativa de los “Pasteles
Verdes”, grupo chimbotano de música guitarrera melódica y que pegó en
Sudamérica  y traspasaron  más
allá de las fronteras peruanas falleció un 30 de marzo del 2017 y es
oportuno recordar los  clásicos de 1976 de
este grupo como “Hipocresía que fue adaptado de un tema nuevaolero italiano,
otro tema como mi amor Imposible, Ámame Ámame, Sueños de una noche, Recuerdos
de una noche con los  riffs guitarreros
agudos del grupo y su inconfundible voz:

Eric Clapton BIOGRAFÍA (1977) Cocaine (Live) (Sous Titres Fr)

ERIC CLAPTON
EN SU DÍA:

El maestro de la guitarra “Eric Patrick Clapton”  nació en
Ripley, Surrey, Inglaterra un 30 de marzo de 1945 y siendo pequeño creyendo que
era hijo de sus abuelos y que su madre era su hermana ya que la adolescente Patricia
Molly Clapton tuvo un flirt con el soldado canadiense Edward Walter Fryer  que terminada la guerra regresa a su país,
así que lo criaron su abuela y su segundo compromiso Jack Clapp y al
cuestionarse por qué no se apellida así le tuvieron que decir la verdad.

 A los trece
años recibe su primera guitarra acústica de la marca alemana Hoyer y de allí
nace su romance con las seis cuerdas  y empieza
a practicar con sus  viejos discos de
blues de los bluesmen afros de USA  y en
1961 mientras estudiaba en  “The Kingston
College of Art” ya destacaba entre sus compañeros por su técnica y al año
siguiente con el futuro Hawkwind David Brock forma un dúo de blues tocando en
pubs de la zona y en enero de 1963 junto a su amigo Tom McGuinness se une a los
Roosters y ya en octubre estuvo tocando un breve tiempo con  Casey Jones & the Engineers y en ese mismo
mes es convocado por los Yardbirds para que reemplace al guitarrista Top Topham
y el resto es historia.

Y faltarían palabras para hablar de un guitarrista
clave en la historia del rock que inició su carrera profesional  sobre todo protagonista absoluto de las
décadas de los 60s y 70s pues fue el guitarrista líder de los tres grupos que
marcaron el camino de los demás en la década de los sesentas: Los
Yardbirds,  John Mayall Bluesbreakers y
Cream, además de formar parte de la primera conglomeración de ídolos bajo el
rótulo de Supergrupo “Blind Faith.

Es decir si Clapton no hubiese sobrevivido cuando
estuvo por más de dos años adicto a la heroína comenzando la década de los 70s
ya hubiese sido una leyenda antes de los 25 años, pero es un sobreviviente y
por eso su valía ya que  es sobre todo un
ser humano  que ha sabido  levantarse y reinventarse ante los golpes que
la vida le dio y vivir para tomarlo como ejemplo y de hecho de los guitarristas
del rock mi preferido y aún sigue en actividad el maestro ya que luego de
varios años volvió a organizar una nueva edición del  Festival de guitarra Crossroads en Texas 2019
y también el 17 de febrero del 2010 organizó el concierto tributo a la memoria
del fallecido baterista de Cream “Ginger Baker” en el  Eventim Apollo Hammersmith de Londres y
espero que luego de estas vicisitudes siga tocando.

BOBBY KIMBALL Rosanna (Official Music Video)

BOBBY KIMBALL:

Robert Troy Kimball  en la
maternidad de  Orange, Texas un 29 de
marzo de 1947 pero se crío  Vinton,
Louisiana y desde pequeño tuvo afición por la música tocando la guitarra y el
piano y cantaba también desde pequeño canciones de sus ancestros Cajún de New
Orleans o algunos viejos clásicos  del Rhythm
and blues de forma amateur.

Luego de graduarse en la universidad en 1969 empieza a cantar en
diversas agrupaciones de Nueva Orleans  y
ya en 1974 se va vivir a Los Ángeles, California para consolidar su carrera
como cantante  y logra contactar a tres
ex integrantes del grupo Three  Dog Night
con los que forma la banda  SS Fools y
graban un álbum para la CBS Records que fue un fracaso comercial pero siguió
adelante en su propósito.

Y en 1976 conoce al pianista David Paich y al baterista Jeff Porcaro
que le proponen para que audicione para un proyecto con otros músicos de
estudio y Kimball se presentó con una composición que había escrito para su
hija llamada “You Are The Flower” (que luego fue incluida en el disco debut de
Toto) y los impresiona por su gran registro vocal   e
ingresa a la banda Toto (el  nombre del
grupo tiene varias leyendas urbanas sobre su origen)  como vocalista principal y compositor.  

 Y con el grupo graba los discos
Toto (1978), Hydra (1979) , Turn Back (1980) 
y su álbum más exitoso Toto IV(1982) donde están los éxitos Rosanna y África
y que  vendió más de 5 millones de copias
y que les permitió ganar seis Grammys en una misma noche y Kimball fue la voz
característica del grupo, pese a que dos de sus compañeros también cantaban.

En 1984 decide abandonar le grupo y vivir en Alemania y hacer su carrera
solista bajo el apoyo de Frank Farian pero no le fue bien y en 1998 regresa a
Toto con los que graba el álbum  Mindfields
y los discos Through the Looking Glass (2002) 
y Falling in Between (2006), luego Toto se separa y cuando se reunifica
(2010)  Kimball no fue tomado en cuenta.

Luego en la última década estuvo en diversos proyectos musicales y
giras como la que realizó en el 2012 a Sudamérica donde cantó en Perú, en el
2016 hizo su último disco como solista y en el 2019 tuvo un problema de
tocamiento indebido pero no se presentó cargos contra él pero en noviembre del
2019 y se le ha diagnosticado demencia.

Toto - St. George and the Dragon

BOBBY KIMBALL:

Robert Troy Kimball  en la
maternidad de  Orange, Texas un 29 de
marzo de 1947 pero se crío  Vinton,
Louisiana y desde pequeño tuvo afición por la música tocando la guitarra y el
piano y cantaba también desde pequeño canciones de sus ancestros Cajún de New
Orleans o algunos viejos clásicos  del Rhythm
and blues de forma amateur.

Luego de graduarse en la universidad en 1969 empieza a cantar en
diversas agrupaciones de Nueva Orleans  y
ya en 1974 se va vivir a Los Ángeles, California para consolidar su carrera
como cantante  y logra contactar a tres
ex integrantes del grupo Three  Dog Night
con los que forma la banda  SS Fools y
graban un álbum para la CBS Records que fue un fracaso comercial pero siguió
adelante en su propósito.

Y en 1976 conoce al pianista David Paich y al baterista Jeff Porcaro
que le proponen para que audicione para un proyecto con otros músicos de
estudio y Kimball se presentó con una composición que había escrito para su
hija llamada “You Are The Flower” (que luego fue incluida en el disco debut de
Toto) y los impresiona por su gran registro vocal   e
ingresa a la banda Toto (el  nombre del
grupo tiene varias leyendas urbanas sobre su origen)  como vocalista principal y compositor.  

 Y con el grupo graba los discos
Toto (1978), Hydra (1979) , Turn Back (1980) 
y su álbum más exitoso Toto IV(1982) donde están los éxitos Rossana y África
y que  vendió más de 5 millones de copias
y que les permitió ganar seis Grammys en una misma noche y Kimball fue la voz
característica del grupo, pese a que dos de sus compañeros también cantaban.

En 1984 decide abandonar le grupo y vivir en Alemania y hacer su carrera
solista bajo el apoyo de Frank Farian pero no le fue bien y en 1998 regresa a
Toto con los que graba el álbum  Mindfields
y los discos Through the Looking Glass (2002) 
y Falling in Between (2006), luego Toto se separa y cuando se reunifica
(2010)  Kimball no fue tomado en cuenta.

Luego en la última década estuvo en diversos proyectos musicales y
giras como la que realizó en el 2012 a Sudamérica donde cantó en Perú, en el
2016 hizo su último disco como solista y en el 2019 tuvo un problema de
tocamiento indebido pero no se presentó cargos contra él pero en noviembre del
2019 y se le ha diagnosticado demencia.

Quicksilver Messenger Service - Happy Trails - 1969 Full Album

“QUICKSILVER MESSENGER SERVICE HAPPY TRAILS”:

El 29 de marzo de 1969 el sello “Capitol Records” publica el segundo
disco de la banda californiana “Quicksilver
Messenger Service” llamado “Happy
Trails” (Felices caminos) y el título provenía del tema que compuso Dale
Evans, la esposa del vaquero Roy Rogers y que cantaban a dúo cada vez que
terminaba un episodio de  “The Roy Rogers Show” en la década de
los cincuenta.

El grupo “Quicksilver Messenger
Service” fue creado a fines de 1965 por el cantante y compositor “Dino
Valenti” alias Chet Powers que se traslada a San Francisco para tener una banda
de apoyo para sus presentaciones pero cuando ya había terminado de reclutar a
la gente, Valenti  fue arrestado por
posesión de drogas y pasó  más de dos
años bajo la  sombra por lo que la gente   enganchado
decidió seguir  adelante como grupo y
participa como quinteto en el Festival de Monterey en junio de 1967 donde
realizan una gran performance son reclutados por un sello y recién publicaron
su primer disco homónimo “Quicksilver
Messenger Service”   en mayo de 1968 con el cuarteto clásico de
Gary Duncan de voz y guitarra, el maestro John Cipollina en guitarra lead, Greg
Elmore en la batería y con David Freiberg en el bajo y voz también.

 

El segundo disco se grabó casi todo en vivo  en los auditorios  Fillmore East (Nueva York)   y 
Fillmore West  (San Francisco) ambos
del promotor Bill Graham y en los estudios 
Golden State Recorders a finales de 1968 bajo la misma producción del
grupo.

El lado “A” es irrepetible y es una grabación del tema Who do you
love? que compusiera y grabara el legendario guitarrista y cantante negro Bo
Diddley en 1956 y que a lo largo de los años ha tenido muchas versiones como
las de Ronnie “The Hawk”, Hawkins, los Doors, Santana, The Blues Project y
George Thorogood entre otros y  creo
que  la de “Quicksilver”  de “lejos” es la mejor de todas  y que ocupaba todo el lado del disco y la
dividieron en seis partes convirtiéndose en una suite de más de 20 minutos de
duración que fue el plato fuerte de todos sus conciertos hasta su separación en
1975.

El lado “B” hay una versión demencial del tema Mona, también de Bob
Diddley más dos temas instrumentales cerrando con la canción “Happy Trails” que
da título a uno de los discos más originales de fines de la década de los
sesenta.

King Crimson - The Great Deceiver (Single Edit) [50th Anniversary | (Pre...

KING CRIMSON “STARLESS AND BIBLE
BLACK”

Un 29 de marzo de 1974 el sello “Island Records” en UK y el sello Atlantic Records en USA publican
el sexto disco en estudio del grupo progresivo inglés “King Crimson” llamado “Starless
and Bible Black” algo así como “Sin
estrellas y la Biblia Negra” que es una combinación  de dos grabaciones en hechas en un estudio de
grabación y el resto de temas son actuaciones en directo del ya cuarteto ante
la partida del percusionista James Miur.

El título del álbum "Starless and Bible Black" lo toman de una obra para la radio
escrita por el poeta inglés  cerca de
1930 Dylan Thomas  llamada “Under Milk Wood” y en las dos primeras
líneas se encuentra esta frase algo así como: “si tus cielos se han vuelto sin
estrellas por nada que verás te obligará de nuevo - y por lo tanto implica que
estás manchado de una biblia negra.

Luego de la grabación del excelente álbum llamado “Larks’ Tongues in Aspic” el grupo
emprendió una gira de promoción del mismo, pero pronto se va el percusionista
Miur debido a un accidente en el escenario y posterior auto reclusión en un
monasterio y queda un cuarteto conformado por el bajista y vocalista John
Wetton, el violinista David Cross, el baterista Bill Bruford y el cerebro y
líder, el guitarrista Robert Fripp

Las canciones en estudio se grabaron en enero de 1974
en los estudios Air de Londres de George Martin en Londres bajo la producción
de la misma banda y las demás canciones fueron 
registradas en actuaciones como “We’ll Let You Know “que fue
grabada  el teatro Apollo de  Glasgow como 
“The Mincer” un Jam grabado  en el
auditorio Volkshaus  en  Zürich y que fue modificada en el estudio con
la voz de Wetton, y el resto de canciones fueron de una presentación en el  Concertgebouw 
de Ámsterdam y las canciones en vivo fueron registradas entre el 23 de
octubre al 23  de noviembre de 1973.

Entre las canciones del álbum destaca nítidamente  “The
Great Deceiver” (El Gran Embaucador)

Con ese riff que parece de trompeta arabesca donde destaca
la guitarra Gibson Custom de Fripp la grave voz de Wetton y la demoledora
batería de Bruford y la letra quizás es una crítica a “The american way of
life” y los instrumentales "Starless
and Bible Black” y “Fracture” donde la banda da cátedra de su destreza  grupal de con sus creativas improvisaciones y
cambios de ritmo en directo y como muestra este disco.

Supertramp - Breakfast in America (Live In Paris '79)

SUPERTRAMP “BREAKFAST
IN AMERICA”:

Un 29 de marzo de 1979 el sello discográfico “A&M Records”  lanza al mercado el disco “Breakfast in America” que sería el disco
más popular y vendido del grupo inglés “Supertramp”
que fue número uno en los Billboard 200 de USA 
durante seis semanas consecutivas y al año siguiente ganó dos Grammys
(incluyendo el premio a disco del año) y los consagra y consolida en USA fue también
número uno en diversos países y en UK 
llegó hasta el tercer lugar de los charts y vendió más de 18 millones de
copias al momento de su edición en todo el mundo

Para el grupo inglés Supertramp, el año 1979 es
quizás el de su consagración mundial definitiva porque habían pasado casi dos
años de la publicación del álbum  “Even in the Quietest Moments...” y
tanto Davis como Hodgson empiezan a crear temas cada vez más personales y este
nuevo material  combinó a la
perfección  los temas de tendencia
progresiva (canciones concebido para una buena e intrincada  instrumentación y combinación de notas)  con los consabidos temas para los 45 rpm, es
decir la radio.

El disco fue producido por Peter Henderson y  Supertramp 
y fue grabado entre los meses de mayo a diciembre de  1978 en los estudios “The Village Recorder”
(Estudio B) en Los Angeles, California y tanto Hodgson como Davies firmaron en
conjunto los temas pero cada uno cantaba su tema propio y del disco se lanzaron
cuatro singles y que iban a ser todos exitosos The Logical Song" Llegó
hasta el puesto 6 de los charts),  "Take the Long Way home (puesto
10)", "Goodbye Stranger" (puesto 15) y el tema que da nombre al
disco  "Breakfast in  América" que no le fue muy bien en las
listas.

SOBRE LA PORTADA:

El álbum, cuya portada es hecha por el fotógrafo Aaron
Rapoport mostraba una vista panorámica de Nueva York, sobre todo Manhattan a
través de la ventana de un avión  y se
observa en primer plano a una sonriente camarera llamada Libby (interpretada
por  actriz estadounidense Kate Murtagh)   que posando como  la  Estatua
de la Libertad sostiene en una mano un vaso de jugo de naranja en la otra el
menú que dice “Breakfast in America”, Leit motiv del tema principal.

Chariots of Fire - Vangelis (Live in Athens - Greece)

“VANGELIS”:

El 29 de marzo de 1943 nace en Agria, cerca de la
provincia de  Volos en Grecia “Evangelos Odysseas Papathanassiou” que
criado en Atenas desde pequeño tuvo inclinación por el piano y por la carrera
musical por lo que más adelante sería conocido como “Vangelis” el gran  tecladista
y compositor que a finales de los sesentas, luego de pasar por diversas
agrupaciones  funda el grupo progresivo
de Atenas  llamado  “Aphrodite's
Child” junto  al cantante y bajista  Demis Roussos (que luego tuvo una intensa
carrera como solista), el guitarrista Loukas Sidera y  el baterista Anargyros "Silver"
Koulouris.

Y luego de una intensa actividad la banda  se separó definitivamente en el 1971 luego de
haber realizado esa obra maestra de la música llamado 666 basado en el
Apocalipsis del apóstol Juan, donde Vangelis da cátedra como tecladista.

Luego haría una sobresaliente carrera como músico,
haciendo célebres bandas sonoras como la de Carros de fuego (con la que ganó el
Oscar de 1981), Blade Runner, 1492: La conquista del Paraíso entre otras y no
olvidar sus trabajos con el ex Yes Jon Anderson.

¡Todo un maestro de la música!

John Lennon & Paul McCartney - Jam Session, March 28 1974

EL ENCUENTRO
DE JOHN Y PAUL DEL 28 DE MARZO DE 1974

Por el mes de marzo de 1974, el ex beatle  John Lennon se encontraba en Santa Mónica, California,
en una casa que había alquilado en el balneario de Palisades Beach Road y
ya  eran los  tiempos en  que estaba disque separado de Yoko Ono (pero
el contacto seguía ya que  lo llamaba por
teléfono cada dos días) y hasta le consiguió una pareja en esa  extraña relación que mantuvo  con la  asistente de Yoko May Pang.

 Lennon estaba
en medio de lo que llamó  su “Lost
weekend”, es decir los meses en  donde
cometió todo tipo de excesos con drogas (cocaína sobre todo)  alcohol y otras sustancias y desmanes (como
escándalo en el Club Troubadour) y en esos días estaba produciendo el álbum  “Pussycats”
de su amigo de jaranas “Harry Nilson” donde contribuyó con el tema Mucho Mungo
pero tenía problemas con la grabación ya que Nilsson había perdido la voz por
su alcoholismo y además juergueaban casi todos los días con Keith Moon, Ringo
Starr, Alice Cooper, Mickey Dolenz entre otros que también habitaban en la  casa de Lennon y tocaban en las sesiones
llevadas a cabo en los estudios de Burbank California

Y el 28 de marzo de 1974  Paul y Linda pasan por los estudios de
grabación para mirar los ensayos  del
disco de Nilsson y es invitado a participar en una sesión improvisada con John
y otros músicos en la pista 'Midnight
Special', uniéndose a su ex compañero por primera vez para hacer música  desde la separación de Los Beatles hacía
aproximadamente cuatro años.

De esa canción no han trascendido grabaciones, pero
sí de 'Lucille', 'Stand By Me' y otras que improvisaron en esa memorable fecha
y fue tanta la camaradería que Lennon  invita a Paul a su sesión de música en la casa
de la playa para el domingo 31 de marzo donde si hay registro y salió un disco
pirata llamado “A Toot and a Snore in 74"
pero eso es otra historia.

Take It Back - Pink Floyd

PINK FLOYD “THE DIVISION BELL”:

Un 28 de marzo de 1994 el sello “EMI
Records” de UK  publica el álbum “The Division Bell” del grupo
progresivo “Pink Floyd” y recién el
4 de abril lo hace “Columbia Records”
para USA y vendría a ser el  decimocuarto
disco en estudio y el segundo de la era Gilmour de Pink Floyd, ya sin la
participación del egocéntrico de Roger Waters y el disco llegó a ser número uno
tanto en UK  como en USA  y diversos países.

Este álbum  que salió como disco
compacto en la fecha de su distribución, (más adelante saldría en vinilo) fue
un punto de quiebre para el grupo ya que volvieron a la temática conceptual,
dejaron de lado la prohibición legal que pesaba sobre Wright y vuelve a
aparecer en los créditos como miembro del ahora trío y Gilmour tiene un nuevo
socio en la composición, la en ese entonces novia, la escritora Polly Samson
quien es la letrista de este disco que trata sobre un tema recurrente que es la
comunicación entre los seres humanos, sus relaciones o conflictos derivados de
esta  y que indirectamente se refiere a
los conflictos legales con el ex miembro Waters que no pudo detener su
publicación como obra de Pink Floyd  y
mejor pues es el mejor de la  era
Gilmour.

El disco se empezó a grabar desde enero de 1993 bajo la producción de
Gilmour y Bob Ezrin en los estudios 
Britannia Row de Londres donde se reunió el trío Gilmour, Wright y Mason
donde ensayan  algunas maquetas con el
acompañamiento del bajista Guy Pratt que tenía mejor técnica que Waters, luego
otros temas se graban la casa flotante de Gilmour en Astoria que tenía un
estudio de grabación, los estudios Abbey Road, Metropolis Studios  y The Creek Recording Studios culminando las
mezclas en setiembre de 1993.

Debido a lo cuidado de su producción  se utilizaron una buena cantidad de músicos
para los diversos temas además de algunos arreglos orquestales para un disco
que llegó hasta el puesto número uno en UK 
y que  tuvo pluralidad de
opiniones cuando sale a las ventas, unas favorables, los Waterlovers le dan
duro, pero la gira de respaldo de 1995 revalora esta obra que ganó un Grammy
por uno de los temas instrumentales que es inmensamente superior a ese bodrio
soporífero llamado The Final Cut que no merecía ser el testamento de la banda.

SOBRE LA CARÁTULA:

Si uno observa bien la carátula puede ver que son  dos enormes cabezas esculpidas que fueron
ideadas  por el artista Keith Breeden y
construidas por John Robertson y quien llevó a cabo el diseño  fue Storm 
Thorgerson e hizo levantar a las  dos enormes cabezas metálicas con el tamaño de
un microbús de dos pisos en un campo cercano a la región  de Ely que llevó mucho esfuerzo y gente el
poder realizarlo.

 A las esculturas se les colocó
de perfil, mirándose frente a frente  y
fueron fotografiadas  de esa manera para
crear la ilusión de que veamos un tercer rostro.

Beethoven - ode to joy (Synthesized)

BEETHOVEN Y
KUBRICK:

El genial Ludwig
van Beethoven nació en Bonn en el Sacro Imperio Romano Germánico (hoy
Alemania) un 16 de diciembre de 1770 y como Mozart fue un niño prodigio que fue
explotado por su padre en las cortes, sobre todo en la de Viena y quizás por
ello su complicado carácter ya en la adultez y  será recordado históricamente  por ser el compositor de las mejores sinfonías
de la historia., el genio murió el 26 de marzo de 1827.

Y su mérito musical reside en que a partir de su
llamado periodo heroico cerca de la adultez empezó a padecer su ya famosa
sordera que año tras año se complicaba más 
y ya en lo que se llama su etapa tardía ya estaba completamente sordo (y
eso que solo vivió 56 años), pero fue en esa época compuso su novena sinfonía  o  la
Coral entre 1818 hasta 1824,  que está
dividida en cuatro movimientos donde el cuarto es celebre por incluir la oda a
la alegría que hasta una adaptación al rock tuvo con Miguel Ríos.

Pero la sociedad más célebre del gran Ludwin van  es con Stanley Kubrick que lo toma como base
para la banda sonora de su clásico “La
Naranja mecánica” “A clockwork Orange”
, película basada en la novela de Anthony Burguess donde narra las maldades del
desadaptado Alex  y su pandilla con un
genial Malcolm MC Dowell como el  protagonista
cuya devoción es hacer de las suyas con la música de Beethoven en su mente y
uno recuerda el inicio del  film  con el segundo movimiento de la novena
sinfonía pero a lo largo de las escenas 
se muestran extractos  del cuarto
movimiento o el “ODE TO THE JOY”. 

Wings At the Speed of Sound Full Album

Wings At the Speed of Sound Full Album

WINGS AT THE SPEED OF SOUND:

Un 25  de marzo de 1976 el sello
MPL  de Paul McCartney y distribuido por
la EMI  publica en UK el quinto disco en
estudio de la agrupación “Wings”
liderado por Paul McCartney llamado “Wings At The Speed Of Sound” y al día
siguiente un 26 de marzo del mismo año “Capitol
Records” lo publica en USA y fue el álbum  más exitoso de la banda en USA permaneciendo
en las listas de Billboard como número uno durante siete semanas consecutivas,
mientras que en UK  llegó hasta el puesto
dos de las listas.

El disco que fue producido por el mismo Paul fue realizado luego de la
gira mundial  y dando unos últimos
conciertos por Australia en noviembre de 1975 para promocionar el disco Venus
& Marte el grupo se toma un par de meses de vacaciones  y ya en enero de 1976 McCartney decide volver
a grabar en los “Abbey Road Studios” de Londres y durante más de un mes
realizan este disco y además agregan unas grabaciones hechas antes de su gira
realizadas entre agosto y octubre de 1975 y uego de las mezclas el grupo
enrumba nuevamente a las giras.

Este disco cuya carátula fue diseñada por Hipgnosis puede considerarse
el más democrático del grupo donde participan vocalmente los cinco integrantes
y además se extraen dos singles exitosos que serán luego material obligado de
las recopilaciones de la banda que eran "Let 'Em In" que llegó hasta el número 3 de USA  y “Silly
Loves Songs” que llegó por varias semanas a ser el número uno y con esta
misma conformación grabarían también el triple disco en vivo llamado “Wings
Over America”.

Wings At the Speed of Sound Full Album

Wings At the Speed of Sound Full Album