LOS FABULOSOS CADILLACS - El muerto

EL MUERTO DE LOS “FABULOSOS CADILLACS”:

 

El 29 de julio de 1997 se publicó el octavo disco en estudio del grupo argentino “Los Fabulosos Cadillacs" llamado “Fabulosos Calavera” donde felizmente dan un notable giro a su acostumbrado estilo entre ska e imitación de salsa con rock y dan un vuelco momentáneo hacia el hardcore, jazz y tango (quizás también por el aporte del nuevo guitarrista)  y experimentan con sonidos  y letras de  temáticas oscuras, mágicas  y existenciales quizás debido a que el bajista Flavio Cianciarulo toma un mayor liderazgo en este disco que el melifluo  Vicentico y felizmente logra una obra perecedera y que de lejos es lo mejor que hizo este grupo sonando más porteños y dejando casi de lado  los ritmos latinos o ska que se ven siempre forzados sobre todo para la voz de Vicentico.

 

El tema, el Muerto es ya un clásico del rock sudamericano que  desde el inicio tiene una  percusión inicial nos remite al primer Santana más el sonido  de la guitarra y la letra tiene una temática tanática con la notable intervención del bajista en la segunda voz y este trabajo arriesgado  no fue impedimento que fuera apreciado por gente que no gustaba antes del grupo e irónicamente ganan un Grammy latino por este trabajo y quizás este sea el tema  más memorable de este buen trabajo.

Dark eyed woman - Spirit

DARK EYED WOMAN DEL CLEAR DE SPIRIT:

 

El disco Clear del grupo Spirit fue publicado un 29 de julio de 1969 y es para muchos de los admiradores del grupo  uno de sus  trabajo más finos, musicalmente hablando  y es el disco más vanguardista de todo lo anteriormente publicado por la banda conformada por el vocalista Ferguson,  el original guitarrista Randy California,  su padrastro el baterista Ed Casady, en el bajo Mark Andes y el tecladista John Locke.

 

Y quizás por el trato de los temas instrumentales donde destacan nítidamente los teclados de Locke sobre todo en las canciones que firma y una inclinación notoria hacia el jazz pero no dejando de lado el rock como en el tema bluesero "So Little Time To Fly"  pero sobre todo destaca en el disco el tema de apertura de Ferguson “Dark Eyed  Woman” donde destaca nítidamente  la mágica guitarra distorsionada de Randy California en el riff de entrada y en ese el extenso solo que atrapa de principio a fin, por su contundencia.

 

¡Un clásico de la música!

“CLEAR” DE SPIRIT:

“CLEAR” DE SPIRIT:

 

El 29 de julio de 1969 el sello Ode Records  del célebre  productor Lou Adler publicó el álbum “Clear (Claro) el tercer álbum del grupo de culto de USA “Spirit” y su grabación  fue prácticamente agotador para ellos, ya que en el año anterior 1968, habían grabado  dos discos, el  de debut y el ecléctico “The Family That play Together” (publicado finalmente en febrero de 1969) y  la idea primigenia  era que fuera la banda sonora de la película vanguardista  del francés Jacques Demy llamada Model Shop que se estrenó en 1969.

 

Pero al frustrarse el proyecto  y que no se lanzaba el bendito “Soundtrack” varias de las canciones que se habían elegido para el film que en su mayoría fueron colaboraciones instrumentales grupales y otros temas individuales fueron juntados  para que salga como una grabación independiente del grupo.

 

Para muchos de los admiradores del grupo es uno de sus mejores trabajo quizás por la finura de los temas instrumentales donde destacan nítidamente  los teclados de Locke sobre todo en las canciones que firma y una inclinación notoria hacia el jazz pero no dejando de lado el rock como en el tema bluesero "So Little Time To Fly"  y la mágica guitarra de Randy California en Dark Eyed Woman”, "I'm Truckin' y  "New Dope In Town",

 

En la reedición de 1996 se incluye el clásico 1984 de California, dos temas de Ferguson y el tema “Coral” que fue dedicado a la pequeña groupie de 11 años Coral Schields  cuya hermana Sable Starr salía con Randy California.

 

Pasaría más de un año (debido a contratiempos de algunos de los integrantes)  para que el grupo lanzara su obra maestra, “Twelve Dreams of Dr. Sardonicus”, pero esa es otra historia.

 

Mama Cass - Dancing in the Street (Live)

CASS ELLIOT O MAMA CASS:

 

La que fuera una de las vocalistas del grupo The Mamas & the Papas”. conocida como “Mama Cass” nació con el nombre de Ellen Naomi Cohen en Baltimore, Maryland  un 19 de septiembre de 1941  y en la secundaria se hizo llamar “Cass” en homenaje a una actriz que admiraba y comenzó  a desarrollarse como cantante tras una frustrada carrera como actriz y  en el auge de la música  folk en 1963 formó parte del trío vocal  “The Big Three” con Tim Rose que tienen un pequeño éxito llamado “The Banjo Song” que años después la melodía fue copiada con otra letra por los holandeses de “Shocking Blue” para el hit “Venus” y al disolverse el trío conoce en 1964 a los  canadienses Zal Yanovsky y Denny Doherty para formar el grupo “The Mugwumps” se enamora de  Doherty  y más adelante él la lleva al grupo que estaba formando el cantautor John Phillips.

 

 El grupo “The Mamas & the Papas” creado y liderado por Phillips fueron populares en los sesentas y sobre todo por representar a la naciente generación del “Flower Power” y se le empezó a conocer a ella como “Mama Cass” debido a que era una de las integrantes del cuarteto y luego  de la disolución de la banda tuvo una breve carrera como solista ya con su primer nombre artista antes de unirse a la banda de Phillips, es decir “Cass Elliot” y  su tema más conocido fue “Dream a Little Dream of Me” de 1968  debido a su carisma y popularidad tuvo apariciones esporádicas en  programas de la televisión y en el cine, pero meses antes un  26 de abril de 1967 nació su única hija Owen Vanessa Elliot de quien nunca dijo la identidad del padre.

 

En la década de los setentas tuvo dos programas de variedades en la televisión, además de presentaciones en Las Vegas y en 1974 hizo una gira triunfal por Inglaterra donde el 28 de julio realizó una gran performance en el London Palladium donde se había vendido con antelación hasta la última butaca, pero al día siguiente un 29 de julio de 1974 Cass Elliot falleció en la habitación del  hotel donde se hospedaba  según su autopsia de  un paro cardíaco mientras dormía, otra versión de acuerdo a un periódico amarillista difundió la leyenda negra  que murió  atragantada al  comer un sándwich.

The Banjo Song

THE BANJO SONG O EL VENUS DE SHOCKING BLUE:

 

La que fuera una de las  vocalistas del grupo The Mamas & the Papas”  nació con el nombre de Ellen Naomi Cohen en Baltimore, Maryland  un 19 de septiembre de 1941 y  falleció en un hotel, mientras estaba de gira en Londres  un 29 de julio de 1974.

 

Cuando estaba en la secundaria se hizo llamar “Cass Elliot” en homenaje a una actriz que admiraba y comenzó  a desarrollarse como cantante tras una frustrada carrera como actriz y  en pleno  auge de la música folk en USA , en el año 1962 formó parte del trío vocal  “The Big Three” con el guitarrista Jim Hendricks y el cantautor Tim Rose como vocalista y en el banjo,  en el año 1963 tuvieron un pequeño éxito llamado “The Banjo Song”  (que partía de la melodía"Oh! Susanna del compositor del siglo XIX Stephen Foster), años después la melodía fue tomada por los holandeses de “Shocking Blue” para el hit “Venus”.

“GOLD AND SILVER” DE QUICKSILVER MESSENGER SERVICE:

“GOLD AND SILVER” DE QUICKSILVER MESSENGER SERVICE:

 

Si escuchas bien el riff de este tema instrumental llamado “Gold and Silver” escrito por el guitarrista y cantante Gary Duncan y Steve Schuster para el primer disco de la banda psicodélica  de San Francisco “Quicksilver Messenger Service” del año  1968, te preguntarás:

 

¿A que me suena esta canción?

 

Sí, suena al tema “Golden Brown” de los Stranglers del año 1982, la copia, supongo. Pero aquí el demo original de estos capos de la costa oeste de USA.

 

 

George Harrison Wah-Wah Concert for Bangladesh 52adler The Beatles

GEORGE HARRISON “WAH WAH” DEL ALL THINGS MUST PASS:

 

Cuando los Beatles se separaron oficialmente en abril de 1970 con la auto entrevista de Paul (que estaba contenida en su disco debut), George Harrison, había crecido enormemente como músico y compositor y de aquella canción simple llamada “Don´t Bother me” del disco “With the Beatles” de 1963 hasta su viaje a la India habían pasado ya tres años donde aprendió bastante de la técnica de John y Paul, pero sus temas seguían relegados a la hora de publicarlos en un disco de su banda de adolescencia y por eso cuando el grupo dejó de existir tenía buen material para publicar como solista y que podían caber en un disco doble, ya que muchos de esos temas el monopolio de Lennon McCartney limitaban su aporte de canciones a los discos a un par de canciones como máximo, (En el álbum blanco aporto cuatro pero el disco fue doble y además bueno temas como Not Guilty quedaron fuera).

 

Y en un inicio eso fue su consigna y bajo la producción de Phil Spector y el mismo Harrison se iniciaron las grabaciones en los estudios de Abbey Road en  mayo de 1970 que se prolongarían hasta octubre de ese año donde participaron músicos de la calidad de Eric Clapton, Ringo Starr, Gary Wright, Billie Preston, Klaus Voormann, John Barham, los muchachos de Badfinger entre otros que hizo que el disco al final sea triple y sea publicado un 27 de noviembre de 1970.

 

Uno de las mejores letras del disco es la canción Wah Wah que refleja las tensiones y luego resentimiento que tuvo con Paul McCartney durante la grabación de la película Let it be y su breve renuncia a los Beatles durante esos tensos primeros días de enero de 1969 en los estudios Twickenham.

AC/DC - Touch Too Much (Official Video)

ACDC &  “HIGHWAY TO HELL”:

 

Un  27 de julio de 1979 el sello Atlantic Records de USA publicó el ya clásico “Highway to Hell”  (Carretera al infierno) el quinto álbum de estudio (y sexto en la discografía de Australia) de la banda australiana AC/DC  que es el último con el genial vocalista “Bon Scott” y el disco fue un éxito de la crítica y ventas llegando hasta el puesto 8 de los charts de UK  y el 17 las listas de la Billboard 200, vendiendo millones de copias hasta la fecha y es considerado uno de los mejores discos de historia de la música.

 

AC/DC había publicado un álbum en vivo llamado “If you want Blood you Got it” y había realizado auspiciosas giras por Europa y su país pero querían dar el gran salto y conquistar el mercado de  USA  y como a los dueños del  sello Atlantic de ese país no le gustaba el trabajo del hermano mayor de los Young como productor de su nuevo disco,  Malcolm decide contratar a un productor internacional.

 

Las primeras canciones habían empezado a grabarse a fines de 1978 en Australia bajo la producción de Harry Vanda y George Young, pero con el nuevo  productor, el  rey Midas del rock Robert John "Mutt" Lange, cambian de locación  para impactar en el mercado de USA  y lo primero que hace es llevarlos a grabar a los estudios Critteria de Miami en enero de 1979 para terminar de ser grabado en los  Roundhouse Studios en Chalk Farm al norte de  Londres entre febrero y marzo de 1979.

 

Y el trabajo que hizo fue impactante donde saca el máximo provecha la voz de Bon Scott, los riffs y solos de Angus y también  de los demás instrumentistas de la banda  con canciones emblemáticas como la que da título al album y otras como “Touch Too Much", "Walk All Over You", "Shot Down in Flames", "If You Want Blood (You've Got It)" y el oscuro blues "Night Prowler".

 

Como corolario llegaron al estrellato por lo que  iniciaron  la  “Highway to Hell tour” a fines de 1979 donde obtienen el esperado estrellato, siendo su última fecha un 27 de enero de 1980 donde el genial cantante Bon Scott  brinda, sin saberlo, el que sería su último concierto con la banda en  Southampton, U.K. ya que la voz solista que murió el 19 de febrero de ese año después de ahogamiento tras una borrachera al atragantarse con su propio vómito.

Bobbie Gentry - Ode to Billie Joe (1967)

BOBBIE GENTRY:

 

La cantante y compositora “Roberta Lee Streete” más conocida como “Bobbie Gentry” nació un27 de julio de 1942 en Chickasaw County, en el estado sureño de Mississippi y luego del divorcio de sus padres su madre se mudó a California y Roberta se crió con sus abuelos paternos donde aprende a tocar el piano y hacer sus primeras composiciones y a los trece años se muda a la casa de su madre en California.

 

En su adolescencia se va a estudia en la UCLA filosofía, mientras en las noches tocaba en pubs  y modelaba  para pasar desapercibida  inventa  un nombre artístico cuyo origen se encontraba en  un film de culto de  1952 sobre una heroína de la clase trabajadora llamada “Ruby Gentry”, pero como le decían a ella Bobbie quedó como “Bobbie Gentry”.

 

Graba un par de demos en 1966 que llega a los ejecutivos de Capitol Records que quedan impactados con una canción y así  un  21 de agosto de 1967 se publica el álbum  "Ode to Billie Joe" que fue un éxito en ventas tanto el disco como el single que trata la historia de un suicida y que  llegó hasta el número uno tanto en USA  y Canadá además ganó tres Grammy por este disco.

 

En febrero de 1968, Gentry participó en el festival de la canción italiana en la competencia de San Remo donde quedó novena y en ese mismo años se publicó su segundo álbum que grabó a dúo  con Glen Campbell llamado “The Delta Sweete” con ya clásicos temas como 'Little Green Apples', 'Morning Glory', 'Gentle on my mind donde ella además tocó todos los instrumentos y aunque no vendió mucho el álbum llegó también a primer lugar de  los charts y hoy es considerado como una obra maestra, luego grabó cinco discos más entre 1968 y 1972 trabajó en especiales musicales para la BBC y en Las Vegas y luego deja de producir música.

 

Bobbie en la actualidad está retirada de la música, pero sus discos siguen siendo oídos por nuevos fans por sus temas aún de actualidad.

NKOTB - Tonight (music video)

PLACER CULPOSO:

“LA CANCIÓN DE NKOB“TONIGHT”:

 

Muchas veces nos damos con la sorpresa que bandas creadas para un público determinado, como las famosas boys band de los 90s “música para adolescentes con incontinencia”, o simplemente música llamada comercial,  puedan al paso de los años dejar una buena canción por más que un rockero de corazón quiera negarlo.

 

 Y este es el caso del tema “Tonight” compuesto por la dupla de Al Lancellotti y Maurice Starr, el segundo era el creador y  productor de los NKOB (pero antes incursionó en el piano, canto y guitarra proveniente de sus raíces negras proveniente del sonido motown y que para éste single del album “Step by Step”  publicado un 26 de julio de 1990 tomaron a mi parecer extractos de melodías Beatles y hasta de Barrett para hacer esta bella canción (la letra es malísima, pero la música y producción impecable).

 

EJERCICIO DE MEMORIA:         

 

Según mis oídos encuentro las siguientes prestaciones: El preludio de la guitarra de inicio me remite al tema Beatle del White Album "The Continuing Story of Bungalow Bill", las líneas de bajo parece que se las hubiese tomado del  "Obladi Oblada, sigamos, El piano suena al de “The Fool on the Hill”, con violines y cellos en la misma frecuencia que en “I am the Walrus”,  y ese coro final muy parecido al de  Pink Floyd en el tema de despedida de Barrett “Jugband blues” lalalalala… y ese sonido de trompeta que nos remite al de Penny Lane, además de tomar un puente de una melodía de Bach, etc.

 

Lo importante es que diversas bandas o compositores que copian la formula Beatle por más mediocre que sean dejarán para la posteridad una buena canción, dejo a su criterio, escucharla y opinar al respecto.

 

Led Zeppelin - All My Love - SUBTITULADO AL ESPAÑOL

ALL MY LOVE (LED ZEPPELIN)

UNA BELLA CANCIÓN DE AMOR...  AL HIJO PERDIDO:

 

La  canción “All my Love”  formó parte del último álbum en estudio que grabara el grupo Led Zeppelin  con John Bonham aún en vida  llamado “In through the Out door (15 de agosto de 1979) y cuenta con la coautoría de Jones en la música y Robert Plant en las letras..

 

 Y aunque muchos incautos aún piensen que el tema es una balada romántica se equivocan totalmente, pues  canción de tono melancólico  tiene una de las letras más sentidas y dolorosas que un padre puede escribirle a su hijo perdido, pues Plant con la ayuda de Jones en los sintetizadores y melodía le rinde un homenaje a quien fuera su pequeño hijo  Karac Pendra que falleció a los cinco años  de un extraño virus estomacal, un 26 de julio de 1977, mientras Plant se encontraba con Led Zeppelin en New Orleans que de inmediato se cancela ante la tragedia familiar.

 

Aquí la poesía de Plant a su desaparecido hijo:

 

"ALL MY LOVE" (Plant - Jones)

 

Should I fall out of love, my fire in the light

To chase a feather in the wind

Within the glow that weaves a cloak of delight

There moves a thread that has no end.

 

For many hours and days that pass ever soon

The tides have caused the flame to dim

At last the arm is straight, the hand to the loom

Is this to end or just begin?

[Chorus:]

All of my love, all of my love,

All of my love to you.

[Repeat]

 

The cup is raised; the toast is made yet again

One voice is clear above the din

Proud Arianne one word, my will to sustain

For me, the cloth once more to spin

[Chorus]

Yours is the cloth, mine is the hand that sews time

his is the force that lies within

Ours is the fire, all the warmth we can find

He is a feather in the wind

[Chorus]

The Moody Blues - Legend Of A Mind (1968)

MOODY BLUES & “LEGEND OF A MIND”:

 

El 26 de julio de 1968 se publicó “In Search of the Lost Chord” el segundo álbum  de la que fuera la nueva conformación de los "Moody Blues" que habían dejado la valla muy alta con el magnífico disco conceptual y con una orquesta de fondo llamado "Days of Future Passed " (noviembre de 1967) donde dejaron de lado el estilo Rhythm' blues que habían tenido con Denny Layne y se encaminaron a la experimentación sonora (orquestas, Mellotron, poemas en medio de canciones, coros etc.) siendo los precursores de la música progresiva "que hay que admitirlo se puso de moda en los 70s" y los punks nivelaron las cosas.

 

Por ello  el reto era seguir con el camino trazado o mejorarlo y lo hicieron con creces publicando el   ecléctico "IN SEARCH OF THE LOST CHORD" donde el tema emblemático del disco nos es del guitarrista Justin Hayward sino del flautista y también cantante y fundador del grupo "Ray Thomas", cuyo título es Legend of a Mind, cuyo estribillo "que da inicio al coro "Timothy Leary is Dead" va  ser la frase que derivará en  una epopeya de más de 6 minutos con un soberbio solo de flauta a cargo de Thomas con el marco sonoro del mellotrón de Pinder y los arreglos grupales, siendo un tema obligado en los conciertos hasta la última presentación de Thomas (ya fallecido) con el grupo.

ROGER TAYLOR

ROGER TAYLOR:

 

El que fuera baterista y cantante del grupo “Queen” Roger Meddows Taylor nació en el  Lynn Hospital al oeste de  Norfolk, UK  un 26 de julio de  1949 y ha pasado a la historia de la música por haber sido el baterista de la  ya  legendaria banda inglesa.

 

Empezó desde la adolescencia en la música primero tocando la guitarra pero luego se pasa a la batería por sentirse más cómodo con ese instrumento  y aprende a tocarla de forma autodidacta imitando el sonido de Keith Moon y Mitch Mitchell a quienes admirada.

 

Luego de estudiar biología en Londres se muda a Londres y en 1968 se une al grupo Smile de Brian May y Tim Staffell también desarrolló una amistad por esos años con Freddie Bulsara con el que compartía cuarto y vendían ropa de forma ambulante, que luego se convertiría en el cantante  Freddie Mercury cuando la mitad restante del grupo Smile se transformó como Queen dos años después.

 

Taylor destacó a lo largo de los años en Queen por aportar siempre los temas más roqueros de la banda  que componía y  además cantaba con su aguda voz muchas veces usando e  la técnica del falsetto, también por su potente batería (no por nada ocupa el puesto 14 de los 100 mejores bateros de historia de la revista Rolling Stone).

 

Después de la muerte de Mercury ha optado por seguir en actividad con el grupo (Deacon se retiró porque consideró que sin Mercury ya no hay razón de seguir con Queen) y junto a May han seguido siguen tocando los temas de la banda primero con Paul Rodgers entre el 2004 y el 2009 y luego junto al cantante plástico Adam Lambert en la actualidad y a veces toca  acompañado por su hijo que también es baterista y siguen sacándole regalías hasta con el ecran a la memoria de Bulsara.

MICK JAGGER

MICK JAGGER:

 

El cantante, actor, compositor, negociante y símbolo  de los ya legendarios  Rolling Stones Michael Phillip Jagger, o más conocido en el mundo de la música como “Mick Jagger”, nació en Dartford, Londres, UK un 26 de julio de 1943 (dentro del condado de Kent, Inglaterra) y su  padre fue un profesor de Educación física que impulsó el básquetbol en su país, además de disciplinar a su hijo en los deportes y en la vida.

 

Y cuenta la historia que un 2 de mayo de 1962 el multi instrumentista Brian Jones pone un anuncio en el Jazz News para que músicos adicionen para su nueva Banda de R & B  y así nace la leyenda, siendo el primero en llegar Ian Stewart y luego  Jagger y Richards y después los demás y cuando por teléfono estaba cerrando su primer contrato y le preguntan a Jones cómo se llama su grupo,  al ver en el suelo un disco de “The Best of Muddy Waters”  y uno de los temas era Rollin' Stone Blues les dice que se llaman los  Rolling Stones y el resto es conocido.

 

Con el tiempo por  su carisma y disciplina arrebata el liderato a Jones y el grupo ya tiene más de cincuenta años con un Jagger aún vital (felizmente ya se recuperó de su operación) y ha demostrado en los conciertos donde se entrega al máximo en más de dos horas de performance donde no muestra cansancio  y por ello a leguas es el mejor Frontman de historia del rock, que aún sigue en pie  y forma con su legendaria banda.

 

 Es redundancia decir que luego de estudiar economía en la London School of Economics decidió dedicarse a la música y ser uno de los fundadores de la banda junto al primer líder Brian Jones y Keith Richards que a la larga sería su socio tanto en la organización y la composición de temas y serla otra cara de los “Glimmer Twins” que han hecho de la banda longeva y prolífica  tanto en  producciones discográficas y conciertos.

 

 

Por ello Jagger  y el impacto de su banda ya forman parte de la historia de la humanidad.

Creedence Clearwater Revival - I Heard It Through The Grapevine (Officia...

CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL & COSMO'S FACTORY:

 

Un 16 de julio de 1970 (la revista Cashbox señala el 8 de julio y otras fuentes el 25 de julio), el sello Fantasy Records de Los Ángeles California publicó “COSMO'S FACTORY” el quinto álbum del grupo local Creedence Clearwater Revival  y que fue su único número uno tanto en USA, UK, Canadá, Australia, entre otros países, siendo el disco más famoso de la banda, hasta la actualidad.

 

El disco fue grabado entre los años 1969 y 1970 en los estudios Wally Heider's de San Francisco, California y la primera canción que grabaron fue Travelin' Band"  y luego  "Who'll Stop the Rain" a finales  de 1969, "Run Through the Jungle", "Up Around the Bend" en marzo de 1970 y el resto de canciones en el mes de junio bajo la producción de John Fogerty.

 

La banda estaba en su cenit, en 1969 había realizado tres exitosos discos y había regresado de su triunfal gira europea de 1970 y que quedó registrada en los conciertos en el Royal Albert Hall de Inglaterra y el nombre del disco se refiere a una ocurrencia del baterista Doug Clifford en alusión a un almacén en Berkeley donde el grupo se reunía para ensayar  y John Fogerty era muy estricto para los horario y debido a ello “Cosmos” como llamaban a Clifford denominó en broma al  lugar como “The Factory” o la fábrica al comparar al lugar  con  un centro laboral convencional.

 

De este disco se publicaron tres singles "Travelin' Band"/"Who'll Stop the Rain" que fue publicado en enero de 1970 llegando hasta el segundo lugar de los charts de la Billboard 100, "Up Around the Bend"/"Run Through the Jungle", que fue realizado en abril de 1970 (hasta el cuarto lugar de los charts) y "Lookin' Out My Back Door de Julio Long As I Can See the Light" que ocuparon el puesto segundo de Billboard 100, pero si hay una canción que cobró vida propia fue el cover de la canción "I Heard It Through the Grapevine" que dura más de once minutos con buenos solos de Fogerty y que años después es publicado como single recortando su duración.

 

AC/DC - Back In Black (Official Video)

ACDC & “BACK IN BLACK”:

 

Un  25 de julio de 1980 el sello “Atlantic Records” de USA publicó “Back in Black”  (Regreso del luto) que fue el sexto álbum de estudio  en el mundo  (y séptimo  en la discografía de Australia distribuido por Albert Productions) de la banda australiana AC/DC y como se infiere de la portada y el título es que es el primer material hecho luego de la muerte de su carismático vocalista Bon Scott un 19 de febrero de 1980.

 

Como preámbulo se puede decir que  el de julio de 1979 se publicó el álbum “Highway to Hell” que sería el último con el genial Bon Scott  y el 27 de enero de 1980 brindó  sin saberlo, el que sería su último concierto con la banda australiana AC/DC  en  Southampton, U.K. y tres semanas después, un 19 de Febrero de 1980 fallecía Bon Scott, las causas no vale la pena mencionarla y el grupo luego de sus funerales quedó devastado.

 

Pero como estaban en su mejor momento el mago de los estudios, el sudafricano Robert John "Mutt" Lange quien les produjo el disco anterior les anima a seguir adelante y para las audiciones como nuevo vocalista sugiere al cantante del grupo  “Geordie” Brian Johnson que impresiona con su voz  y de inmediato empiezan a ensayar al nuevo material en los estudios  E-Zee Hire de Londres y para relajar a la banda y como no habían estudios disponibles se van a grabar  entre los meses de abril y mayo en los Compass Point Studios en  Nassau, en las Bahamas y se dice que no se usó ninguna de las letras dejadas por Scott y que Johnson tuvo que hacer su propio material con la música de los hermanos Young y funcionó la nueva fórmula.

 

El disco sale primero en USA, una semana después en UK  y Europa y fue un éxito de ventas llegando hasta el puesto 4 de la Billboard 200 y número uno en UK, Canadá, Francia y  Australia  además astutamente se hicieron los videos promocionales de los temas "You Shook Me All Night Long", "Hells Bells", Back in Black , "Rock and Roll Ain't Noise Pollution", "Let Me Put Love Into You", y "Shoot to Thrill" además los cuatro primeros salieron como singles  y quizás por ello hasta la fecha ha vendido a nivel mundial más de cincuenta millones de copias, superado solo por el Thriller del fallecido Michael Jackson y ocupa el puesto 73 de la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de Rolling Stone.

 

Pedro Aznar - A cada hombre a cada mujer HD

EL GRAN PEDRO AZNAR:

 

El bajista, guitarrista  y cantante Pedro Aznar, nació en el barrio de Liniers en Buenos Aires un 23 de julio de 1959 y como muchos músicos argentinos los Beatles marcaron su afición por la música (es un gran  melómano) , quizás el disco “Revolver”, empezando por tocar la guitarra para luego cambiarla por el bajo formando su primer grupo a los 15 años “Madre Matilde” (homenaje al tema de Barrett) y ya cuando formaba parte del grupo Alas por 1977 escuchó los discos donde participaba el gran Jaco Pastorius y su técnica de tocar el bajo sin trastes (recomiendo ver el Dvd sobre la vida  de Jaco producido por el bajista de Metallica, Robert Rodríguez)  por lo que al admirar su sonido le quitó también los trastes a su bajo y  sería su sello de fábrica de por vida.

 

A los 18 años Charly García lo recluta para su proyecto “Seru Giran” que nace en Brasil y que sería el primer Supergrupo argentino y cuyas célebres canciones tienen la base rítmica de ese sonido de bajo inconfundible en sus pocos álbumes editados y en marzo de 1982 abandona la banda para estudiaren  la Escuela de música de Berklee.

 

Luego se va para el jazz, la música folk argentina y el rock colaborando con  Spinetta en el grupo Jade (1983) y fue parte de la Pat Metheny Group en USA  y años después  lideró el reencuentro de Seru Giran en 1992  entre otros  proyectos y  en su carrera como solista ha optado también por la producción, además vocalista,  guitarrista y compositor de letras poéticas publicando más de 30 álbumes entre discos de estudio y grabaciones en vivo.

 

Robert Plant, Alison Krauss - Gone Gone Gone (Official Music Video)

ALISON KRAUSS:

 

La cantante compositora de country y bluegrass, Alison Krauss, nació  en Decatur, Illinois un 23 de julio del año 1971, sus padres de origen alemán también fueron músicos y lo inculcaron en su hijos y la pequeña Alison empezó a estudiar violín desde los cinco años y a los pocos años se interesa por la música  bluegrass y a los 10 años tuvo sus propia banda, y en su adolescencia es  llamada la  "Violinista más prometedora del Medio Oeste" y realiza “Too late to Cry “ su primer álbum  en 1987 con el que luego sería su primer grupo oficial, “Alison Krauss and Union Station”, luego de publicar buenos discos en el año 1996 ganó el premio de la crítica de la Revista Rolling Stone como mejor cantante country.

 

Pero no sería hasta el año 2007 cuando  su nombre adquiere una repercusión mundial al grabar un álbum a dúo con el legendario Robert Plant (el ex cantante de Led Zeppelin) y este disco sería el multi premiado “Raising Sand”.

 

El tema “Rich Woman” es una canción escrita por la compositora Dorothy La Bostrie y McKinley que fue grabado por primera vez por “Millet Li'l and his Creoles” en el año 1955 y posteriormente por los Canned Heat en su disco debut del año 1967.

 

Pero por la versión que es más conocida es la del dúo Plant Krauss que salió como single en el 2008 y que ganó el premio Grammy del 2009 como mejor Colaboración vocal a dúo ,luego de ese disco Krause ha seguido grabando y presentándose y su último trabajo es el disco “Windy City” del año 2017 y en el mes de agosto del 2021  empezó a a grabar junto a Robert Plant la continuación del álbum  Raising Sand que se llamó “Raise the Roof” y que publicaron el 19 noviembre de ese año y y que ha sido recibido en la gira de promoción del 2022.

Guns N' Roses : November Rain HD

SLASH:

 

El guitarrista del grupo de hard rock “Guns & Roses” más conocido como “Slash” nació  en Londres UK, un 23 de julio de 1965 con el  nombre de “Saul Hudson” y fue hijo de dos celebridades de su país,  la diseñadora de vestuario afroamericana  Ola J. Hudson  y el dibujante de portadas de disco de origen judío nacido en  UK, Anthony Hudson. 

 

En la escuela se hizo amigo de Lenny Kravitz y a mediados de la década de los  ochentas audiciona para lo que iba a ser la banda Guns and Roses, lógicamente que la pasa y el resto es historia con su clásico look que ya más es pose y su  guitarra Gibson Les Paul, un buen guitarrista que sigue en actividad nuevamente con su banda, como músico de sesión,  productor musical y de cine  entre otras facetas de “Slash”.

Dream Theater - Pull Me Under (Live HD)

JOHN PETRUCCI:

 

Un 12 de julio de 1967 nació en Kings en Park, Nueva York el guitarrista y líder del grupo metal progresivo “Dream Theather”, John Peter Petrucci de raíces italianas que a los 12 años redescubre la guitarra y practicaba como 6 horas al día hasta encontrar su estilo influenciado por Iron Maiden y Rush, bandas que admiraba por lo que sus padres lo apoyan para estudiar en el  Berklee College of Music en  Boston donde con su amigo de infancia John Myung en el bajo y Mark Portnoy  (ambos también estudiantes de Berklee) en la batería forman el grupo Majesty reclutando a otro amigo de infancia de Petrucci Kevin Moore en los teclados.

 

Pero el nombre no les duró mucho ya que había un grupo en actividad en las Vegas con esa denominación, por lo que su padre sugiere el nombre de un pequeño pueblo en Monterey, California llamado “Dream Theather” y así la banda nace en 1985.

John Petrucci ha  estado  en la banda desde la grabación de su  primer álbum  llamado “When Dream and Day Unite” (marzo 1989)  y se ha mantenido  en ella hasta en las crisis   cuando luego de la grabación del álbum “Black Clouds & Silver Linings” (2009) el extrovertido baterista Mike Portnoy decide abandona el grupo y Petrucci decide seguir con el grupo y han seguido haciendo giras y grabciones como el  Distance over Time (2019) además que a lo largo de los años con otros proyectos como G3 con Steve Vai (2005) y ha hecho dos discos solista como  Suspended Animation (2005) y Terminal Velocity (2020).

 

 La calidad de “Dream Theather” no tiene discusión y me consta  el virtuosismo de sus integrantes sobre todo en vivo ya que dieron un conciertazo en el año 2009 en Lima al cual asistí, cuando aún formaba parte el ex colidir Mike Portnoy en la batería, el tema más coreado fue “ Pull Me Under".

Black Diamond-Eric Carr

ERIC CARR:

 

El que fuera el baterista de Kiss, Paul Charles Caravello más conocido en el mundo de la música como “Eric Carr”, hijo de humildes padres con ancestros italianos, nacido en el barrio de Brooklyn en la ciudad de New York un 12 de julio de 1950, tuvo talento para el dibujo en un principio se iba a dedicar a la caricatura, luego a la fotografía para terminar como baterista y a veces de cantante en un grupo de música disco a inicios de los setentas siguiendo una carrera irregular que no le daba satisfacciones.

 

Pensaba dejar la música y un amigo le dice que audicione para el grupo  Kiss ya que su baterista original “Peter Criss” acababa de dejó la banda, así  lo hizo y pasó la audición, a instancias de Gene Simmons para que tenga un nombre más comercial y anglo “Caravello” paso a llamarse “Eric Carr” y graba con ellos el incomprendido disco “Music From the Elder” (1981).

 

Entonces Eric Carr como el nuevo baterista de un estilo distinto de Criss con un fuerte bombo  y a veces cantante (tenía una potente voz) elige el personaje y disfraz del zorro “The Foxx” y permanece en la banda hasta 1989 y el  último Long play que graba con ellos es el disco “Hot in the Shade” donde canta un tema “Little Caesar”, luego enferma de cáncer al corazón y ya muy enfermo sus compañeros de Kiss le piden que grabe un cover de Argent con ellos “God Gave Rock and Roll to You “ y apareció en el video y fue su participación póstuma ya que Eric Carr falleció por su enfermedad un 24 de noviembre de 1991.

 

Luego de su muerte su personaje no volvió a ser utilizado en el grupo Kiss.

CHRISS WOOD

EN MEMORIA DE “CHRIS WOOD”:

 

El que fuera el multinstrumentista Christopher Gordon Blandford más conocido como “Chris Wood”, nació un 24 de junio de 1944 en Quinton un suburbio del barrio obrero de  Birmingham y será recordado por quienes amamos la buena música por ser uno de los fundadores del Supergrupo “Traffic” con Steve Winwood, Jim Capaldi y Dave Mason.

 

Fue un talento tanto de la pintura (se le atribuye la creación del símbolo redondo que aparece en todos los discos de la banda) y además un músico precoz que a los quince años  aprendió en forma  autodidacta  a tocar la flauta y el saxofón  que fueron la base por el cual transitó la magia de Traffic, como un ejemplo los solos de flauta John Barleycorn, Dealer, Forty Thousand headmen, los saxos de Paper Sun, Medicated Goo y ese maravilloso riff de flauta en Rainmaker entre otros.

 

Destacó además  como músico de sesión de varias glorias de la música contemporáneas, como por ejemplo toca los vientos en los clásicos de Hendrix Voodoo Chile y 1984, Free, Chicken Shack, etc. luego de la separación de Traffic no la pasó tan bien sufriendo adicciones de drogas, problemas con el alcohol (que afectaría su hígado) y la infidelidad de su esposa (que la había conocido cuando acompañaba en una gira al músico Dr. John) hicieron mella en su salud.

 

 Y en 1983 cuando se esperaba su retorno musical a lo grande ya que estaba trabajando  en un álbum en solitario que iba a ser titulado “Vulcan” pero por desgracia Chris Wood falleció  de  neumonía a los 39 años en el Hospital Queen Elizabeth en su ciudad natal de Birmingham, Inglaterra un 12 de julio de 1983.

 

El disco inconcluso se publicó póstumamente en el 2008, pero la mejor forma de recordarlo es escuchándolo cuando formaba parte de Traffic.

 

Fleetwood Mac - You Make Loving Fun (Live) [Remastered in HD]

CHRISTINE MCVIE:

 

La que fuera la cantautora y tecladista Christine Anne Perfect o más conocida en el mundo de la música como Christine McVie nació un 12 de julio de 1943 en el pueblo de  Bouth en  Lancashire, UK  pero creció cerca de  Birmingham y su padre Ciryl Perfect que era concertista de violín y profesor de música en el la St Philip's Grammar School y su madre era una psíquica y médium.

 

A la pequeña Christine desde los cuatro años se le enseña a tocar piano y ya en forma académica a los 11 pero a los 15 se deja seducir por el rock debido a un libro con partituras de Fats Domino.

 

Ya adulta empieza a estudiar escultura en la universidad  donde conoció  al guitarrsita   Stan Webb y a Andy Silvester quienes la invitan a formar parte de su grupo Sounds of Blues que dura cerca de cinco años y luego se desbandan, Christine se gradúa de escultora no le va bien y se dedica a trabajar en una tienda.

 

En 1967 su ex compañeros Webb y Silvester crean  “Chicken Shack” y la buscan para que toque el piano y haga los coros, acepta y ya para  1968 lanzan el single debut «It's Okay with my Baby» que fue escrita y cantada por ella, en 1969 interpreta el single I'd Rather Go Blind» que llega al puesto 14 de las listas pero se retira del grupo al casarse con el bajista John McVie de Fleetwood Mac.

 

Su primera participación oficial en Fleetwood Mac fue en el álbum Kiln House de 1970 como corista, teclista y diseñadora de la portada (antes había tocado el piano en el disco Mr. Wonderful) donde conoció a McVie) y a partir del disco Future Games se volvió miembro oficial de la banda donde a lo  largo de los años se ha mantenido como vocalista y compositora en la diversas encarnaciones y sus entradas y salidas de la banda,

 

Como anécdota su tema más conocido You make Loving fun (1977) se lo dedicó a su amante y al año siguiente durante la gira del disco Rumours se divorcia de McVie que se da a la borrachera nuevamente  tras la separación  y Christine conservará su apellido como nombre artístico.

 

En 1984 grabó un exitoso disco solista del que tiene un hit comercial "Love Will Show Us How" con un video naif y  1998 dejó Fleetwood Mac para regresar en el 2014 y siguió con los miembros desde 1975 salvo la ausencia de Lindsay Buckingham e incorporan a Mike Campbell y  en el 2019, apareció en el documental de 90 minutos de la BBC Fleetwood Mac's Songbird - Christine McVie.

 

Lamentablemente Christine McVie murió de un derrame cerebral en un hospital de Londres, un 30 de noviembre de 2022, a la edad de 79 años.

Canecandombe

 ÓSCAR MORO:

 

El desaparecido baterista argentino Oscar Moro nació en Rosario un 24 de enero de 1948 y es considerado en su país como el más importante de la historia del rock argentino, tanto así que justo el día de su fallecimiento un 11 de julio delo 2006 como homenaje a su persona se  ha señalado  como el “día del baterista argentino” y con razón porque Moro tocó con casi todos los grupos más importantes de su generación.

 

La carrera de Moro se inicia en la escuela donde estudió con otro grande de la música Lito Nebbia y a los 13 años conoció al guitarrista Kay Galifi con quien forma parte de los Halcones que al disolverse fueron parte del grupo del cantante Johnny Tedesco y el ínterin se  reencuentra con su ex compañero de colegio Litto Nebbia que había formado un grupo con el tecladista Ciro Fogliatta The Wild Cat que al disolverse, deciden castellanizar su nombre y ya todos en Buenos Aires ya con el ingreso del bajista Alfredo Toth (futuro Git) nació en el bar “La Cueva” el legendario grupo “Los Gatos” y son pioneros de cantar el rock en Español.

 

Luego de la separación de los Gatos Moro toca con Huinca (1971),  Color Humano (1972-74) con el ex Almendra Edelmiro Molinari y el desaparecido Rinaldo Rafanelli, Leon Gieco en su tercer disco, La Máquina de Hacer Pájaros (1976 - 77) con Charly García y Gustavo Bazterrica y sobre todo el Supergrupo argentino “Seru Giran” (1978 -1982).

 

Con “Seru Giran” se vuelve una leyenda, pues es quizás aún el grupo más importante del rock argentino (y los considero por encima de Soda Stereo que me parece más para los millenial), pues los cinco álbumes que grabaron (más el de reencuentro en los noventas)  son clásicos tanto en música como en letras y Lebón en voz y guitarra, Charly en teclados y voz, Aznar en bajo fretless y voz con Moro en batería son letras mayores en el rock sudamericano.

 

Óscar Moro formó uh dúo con Beto Stragni y aunque grabaron un buen album en 1983 el poco éxito hizo que se separaran, luego tocó con Alejandro Lerner, Riff y Nito Mestre en los ochentas para en los noventas ya tocar esporádicamente en reuniones de sus ex bandas y con una salud precaria falleció en su domicilio a los 58 años producto de una úlcera que lo aquejaba.

 

Robert Plant - In the Mood (Official Video) [HD REMASTERED]

ROBERT PLANT & “THE PRINCIPLE OF MOMENTS”:

 

El 11 de julio de 1983 el sello “Es Paranza” de propiedad y recientemente creado por el ex cantante de Led Zeppelin, Robert Plant  publicó en UK (para el resto del mundo lo distribuiría Atlantic Records) su segundo disco como solista llamado “The Principle of Moments” (o el inicio de los momentos) que fue al igual que el primero, exitoso en ventas y que uno de los tres singles del álbum llegó a número uno en USA, el tema “Other Arms”.

 

Tengo que confesar que la primera canción que escuche de Robert Plant fue “In the Mood” y vi el video en un canal musical de mi país tipo MTV de la señal VHF 33 y me gustó y mi ignorancia superlativa de esa época no me hizo asociarlo a Led Zeppelin y luego de comentarlo con unos amigos me di cuenta que era el mismo Plant de las canciones heavy y me hizo comprar luego los discos de Led Zeppelin y admirarlo como músico y compositor.

 

Este disco fue producido por el mismo Robert Plant, Benji Lefevbre, y Pat Moran y grabado a inicios de 1983 en los estudios Rockfield Stud en Monmouth, Gales donde participan nuevamente los mismos músicos de su disco debut más la participación del ex batero de Jethro Tull Barriemore Barlow: batería en las canciones «Wreckless Love» y «Stranger Here... Than Over There».

 

A el álbum como referí le fue bien en UK llegando hasta el puesto 7, en Nueva Zelanda mucho mejor trepando hasta el número uno,  en USA hasta el octavo lugar de la Billboard 200 y con la gira de promoción a ese país a los singles Big Log e In the Mood les fue mejor que en otro lugar, el disco fue relanzado en el 2007 con cuatro canciones de esa gira con Phil Collins en la batería.

 

“I’m in the mood for a Melody (Bis), I’m in the mooood….”