Vanilla Fudge - Need Love

VANILLA FUDGE Y ROCK & ROLL:

 

Un 25 de setiembre de 1969 el sello ATCO records, subsidiaria de Atlantic Records, publicó “Rock & roll” el quinto álbum del grupo neoyorquino Vanilla Fudge, que puso punto final a su gloriosa primera etapa que dejó huella y seguidores debido a la destreza instrumental y vocal de cada uno de los integrantes del grupo y su recreación de temas pop en elaboradas epopeyas musicales, el álbum llegó hasta el puesto 34 de la Billboard 200 y en abril de 1970 la banda ya se había desintegrado.

 

El álbum Rock & Roll se empezó a grabar a mediados de 1969 en el estudio de grabación del sello Atlantic Records en Nueva York bajo la producción del ingeniero de sonido y productor inglés Adrian Barber  y se puede ver que  de las siete canciones vemos algo del sonido clásico del grupo (cuando los producía Shadow Morton y una evolución hacia el naciente hard rock de la época y quizás si la agrupación hubiese continuado hubieran dejado una huella más profunda en la historia de la música.

 

Lo interesante es que encontramos ya tres vocalistas principales y es el guitarrista Vinnie Martell quien canta dos temas que podrían considerarse  como proto heavy, el  de apertura “Need Love” donde su voz suena a cantante heavy ochentero y el “Street walking woman” un hard rock  con tintes funk donde destaca su guitarra distorsionada que muestra un nuevo camino que podría haber tomado el  grupo si no se desintegraba.

 

El baterista Carmine Appice es la voz solista en  el cover “ If You Gotta Make a Fool of Somebody” de Rudy Clark y muestra la entonación que tendría en Beck, Boggert y Appice y en lo referente al vocalista principal y tecladista Mark Stein interpreta  dos temas de su autoría "Lord in the Country"  que está dentro del estilo clásico de Vanilla Fudge entre el soul y gospel con su inconfundible Hammond y "Church Bells of St. Martins"   que es quizás el tema más interesante del álbum pues presenta unos arreglos vocales intrincados (donde se comprueba que los cuatro eran excelentes vocalistas) más un arreglo instrumental que suena a orquestación y uno puede comprobar  claramente que pudo haber influenciado a Uriah Heep, Yes  y sobre todo a los primeros álbumes de Queen entre otros.

 

Y las restante canciones del álbum los covers  "I Can't Make It Alone" y “The Windmills of Your Mind" nos remiten por sus arreglos de inmediato al Vanilla Fudge de los primeros álbumes, pues son dos temas que popularizara Dusty Springfield en 1969 y que ellos recrean en su sello de fábrica con la clásica vocalización de Stein con los coros  de los demás en un muro de sus instrumentos, por ello considero a éste álbum como mi preferido de Vanilla Fudge por el sonido que logró y  si permanecían unidos la  consagración masiva que merecían.

Roger Whittaker - The best I can (1992)

ROGER WHITTAKER:

 

El cantautor Roger Whittaker de padres ingleses nació en la ciudad de Nairobi, capital de Kenia un 22 de marzo de 1936, la familia luego se estableció en una granja en la localidad de Thika donde pasó su infancia donde aprendió a tocar la guitarra realizando presentaciones en pubs con su familia, en su juventud realizó el servicio militar por dos años y al ser licenciado decidió estudiar la carrera de educación y ya por el año 1959 se trasladó al Reino Unido donde paralelamente se dedica a la carrera musical.

 

En 1962 publica su primer single llamado "The Charge of the Light Brigade"  en el sello Fontana Records  y ese mismo año graba el siguiente cuyo título era    "Steel Men"  el estilo de  su música es una mezcla de música folk  con reminiscencias regionales del país donde naciera y además de rehacer canciones a su estilo con su voz de barítono y su habilidad para silbar (muchas de sus canciones son enteramente silbadas por él) así como por sus habilidades con la guitarra, en 1965  se casó con Natalie O'Brien con quien tuvo cinco hijos y dos de ellos se dedican a la música.

 

Dentro se su vasto  repertorio se encuentran las canciones  " Wind Beneath My Wings ", "Durham Town” (The Leavin ')" (1969) y "I Don't Believe in' If 'Anymore" ( 1970)," New World in the Morning " The Last Farewell " (1975),  “Ding! Dong! Merrily on High" y “The Twelve Days of Christmas”, “Albany” entre otros, La  canción “The Best  I Can”  del año 1992 es quizás mi tema preferido de este gran y original cantautor por su gran factura, emoción e impacto que le imprime.

 

Buena parte de su carrera la realizó en Alemania donde radicó durante varios años pero en el año 2012 se mudó a Francia, donde al año siguiente se retiró del mundo de la música y el 13 de setiembre del 2023 Roger Whittaker falleció a los 87 años  en un hospital cerca de la ciudad de Toulouse en Francia.

 

"Bye Bye Life" 4K - All That Jazz (1979)

BOB FOSSE:

 

Robert Louis o más conocido como "Bob" Fosse nació en Chicago, Illinois USA, un 23 de junio de 1927 y  fue un creativo coreógrafo que luego se convirtió  en un competente director de cine que se hizo famoso a nivel mundial por haber dirigido y preparado la coreografía del film Cabaret (1972) que al año siguiente gana ocho premios Oscar entre estos como “mejor Director”.

  

Pero en el año de 1979 dirigió el ya clásico del cine “ALL THAT JAZZ” una película casi autobiográfica, donde su alter ego John Gideon (interpretado por Roy Scheider actor fallecido un 10 de febrero del 2008) que era  un coreógrafo mujeriego y con una vida llena de excesos que le pasa factura y sabiendo que está cercano a su muerte inminente la plasma en una escena que consta de  coreografía que muestra su vida “desde su juventud, con sus romances y sus logros para una apoteósica  despedida  de sus seres queridos.

 

La coreografía del film de  casi diez minutos de duración fue todo un espectáculo visual que quedó en la retina de los espectadores y en la mía por supuesto y ocho años después murió el gran Fosse en Washington  D.C un 23 de septiembre de 1987.

 

¡Y qué mejor manera para irse de este mundo como más te gustaría hacerlo, como esa maravilla visual que es la parte final del peliculón “ALL THAT JAZZ”!

 

Syd Barrett Video Tribute - Wish You Were Here

PINK FLOYD & WISH YOU WERE HERE:

 

El 12 de setiembre de 1975 según la página oficial de Pink Floyd (algunos libros consignan erróneamente el 15 de setiembre) el sello EMI (la filial progresiva Harvest Records lo distribuyo) publicó en UK su noveno disco llamado “Wish you were here” (Desearía que estuvieras aquí) y un día después “Columbia Records” hizo lo mismo en USA y sería el último trabajo de creación colectiva de la banda en lo instrumental (pese a que las totalidad de las letras son de Waters) y llegó al primer lugar de los charts tanto en UK  como USA y otros países.

 

Luego de haberse publicado “The Dark Side of the Moon” en marzo de 1973 los Pink Floyd experimentaron por primera vez el éxito masivo y la popularidad a nivel mundial y por ello el nuevo material debía ser más o igual de popular que esa obra maestra, así que luego de más de un año en su gira invernal europea de 1974 tocaron tres nuevas canciones "Raving and Drooling", "You Gotta Be Crazy" y "Shine On You Crazy Diamond" que rápidamente fueron pirateadas y vendidas como bootlegs, por lo que era tiempo de ir a los estudios de grabación.

 

Por ello que deciden producir y grabar un nuevo material en los estudios de Abbey Road a inicios  de enero que se extendieron hasta mediados de julio de 1975 debido a que las sesiones fueron extensas y tediosas (debido a la situación personal que vivían los miembros de la banda) y que se interrumpieron en los meses de abril y junio por la de gira que emprendieron por USA y realmente quien impulsó las grabaciones y desde ese momento no dejó el liderazgo del grupo fue  Waters que vino con  la idea que sea un disco conceptual y sugirió que el extenso tema "Shine On You Crazy Diamond” que tocaban en las giras se divida en dos partes, al inicio y al final del disco que al final fue una buena sugerencia por lo que se deduce que él fue quien produjo el disco, pero en los créditos figura como productor a la banda.

 

La temática como dije es en el fondo conceptual, quizás trate sobre   la lucha del hombre contra el sistema, sobre todo la industria musical (dos temas lo hacen notar “Welcome to the machine” y “Have a Cigar” (cantada por el trovador folk Roy Harper debido a que Waters no quedó convencido de su versión)  y la segunda temática trata como una mente brillante termina en la más pura oscuridad, locura y soledad quedando la nostalgia por ese amigo perdido y ya no recuperable jamás (Un homenaje tácito a Syd Barrett, el ex líder de Pink Floyd).

 

Como ya señalé, hay dos  tema principales el que da título al álbum "Wish you were Here" (cantado por Gilmour)  y de la suite “Shine On you Crazy Diamond” (dividida en dos partes bien diferenciadas con una participación colectiva instrumental con la voz solista de Waters) son los  que están  dedicado en el fondo Barrett (aunque Waters luego señalase  que el tema Shine no solo se refería a Syd sino a la ausencia en general, pero la letra nos remite inmediatamente a él) y como anécdota  dicen los textos que el 5 de junio , día del matrimonio de Gilmour, uno de los técnicos le abrió las puertas de Abbey Road  A Syd y  se detuvo en el  estudio 3 donde Waters estaba tocando e interrumpe la  grabaciones preguntando quien es esa persona que ha ingresado al estudio y uno de los ingenieros le dice quién es, por lo que Waters al reconocerle  lo lleva al bar del estudio donde se llevaba la fiesta de los recién casados, pero ya era otra persona, irreconocible, de aspecto descuidado, una creciente obesidad y  una calvicie notoria, producto quizás de la diabetes y las cejas afeitadas y con un lenguaje incoherente que hacía imposible poder comunicarse con él para  desaparecer y ya nunca más lo volverían a ver.

 

 

SOBRE LA PORTADA:

La carátula fue creación  del grupo  creativo de Storm Thorgerson (amigo personal desde los inicios de la banda)  “Hipgnosis” y en un principio el diseño  iba a ser un cruce de manos de dos robots bajo el fondo de un circulo en donde  se grafican los cuatro elementos universales,  cielo, mar, tierra y fuego pero luego se opta por una fotografía de Aubrey Powell del famoso saludo del “hombre en llamas” y en el reverso de la portada la silueta de un caballero sosteniendo el disco acompañado de un maletín  en el medio del desierto

 

A mi entender este es mi disco de cabecera de Pink Floyd, donde hace una perfecta combinación de letras, siendo una joya que ha pasado la prueba del tiempo, que su poesía es aplicable a las costumbres generales de cualquier país y es el motivo para el cual uno descubra que la buena música te acompaña fielmente en los momentos de reflexión y nostalgia que nos embarga en los días grises.

Johnny Cash - Folsom Prison Blues (Live in Denmark)

“JOHNNY CASH O EL MAN IN BLACK”:

 

El 26 de febrero de 1932 nació en Kingsland, Arkansas quien fuera el cantante y compositor   “Johnny Cash” (John R. Cash), más conocido como el “hombre de negro” quizás uno de los íconos no sólo de la canción country estadounidense sino de la historia de la música, ya que dentro de su prolífica carrera también transitó por el Rock & roll, Rockabilly, blues, folk, y el  góspel, entre otros géneros musicales.

 

Cash tenía ascendencia escocesa, irlandesa y algo de cherokee por línea paterna  y desde los doce años se inicia en la música tocando la guitarra y componiendo sus propias canciones, tocando en su escuela  y en algunos cafés, pero en 1950 se alista en la Fuerza Aérea y ya cuando le dieron de baja en 1954 decide dedicarse a la música.

 

se muda con su primera mujer a Memphis, Tennessee y se presenta a Sun Records  y en 1955 realiza sus primera grabaciones y es célebre que en 1956 hizo  una improvisada sesión con Elvis Presley, Carl Perkins y Jerry Lee Lewis  que fue grabado por Sam Phillips y que hoy se conoce bajo el título Million Dollar Quartet .

  

Su potente voz barítono influenció a muchos músicos posteriores, además de ganarse al público en general, con esos conciertos gratuitos que daba en las cárceles presentándose él mismo como  "Hello, I'm Johnny Cash, “seguido de su tema emblemático  "Folsom Prison Blues".

 

Cuando se casó con la compositora y cantautora  country June Carter, Johnny Cash se volvió más prolífico como músico haciendo presentaciones, colaboraciones y álbumes hasta la fecha de su fallecimiento un 12 de setiembre del  2003 debido a unas complicaciones con su diabetes y quizás también a que no se sobrepuso a la muerte de su esposa fallecida 4 meses antes.

 

Pero la leyenda del “hombre de Negro”. (Así se vestía en la mayoría de sus presentaciones) cobraría más vigencia, luego de su desaparición.

Red Hot Chili Peppers - Warped [Official Music Video]

ONE HOT MINUTE: “WARPED”.

 

El sexto disco de la banda de USA, “Red Hot Chili Peppers”( liderado por el vocalista Anthony Kiedis y el bajista Flea)  llamado “One Hot Minute” (Un minuto caliente) fue publicado por el sello “Warner Brothers” un 12 de setiembre de 1995 y es todo  un cambio a su antiguo estilo entre lo funk y  alternativo que primó en su anterior disco “Blood Sugar Sex Magik” (1991) y pese a los cambios llegó al puesto cuarto de la Billboard 200 de USA  y fue número uno en UK  en la lista de alternativos.

 

Y esto es quizás debido que vuelven a trabajar con el  productor Rick Rubin y a la incorporación de un nuevo guitarrista ya que John Frusciante abandona la banda en 1992 y el reemplazante Dave Navarro (ex Janes Adiction) le dió un estilo más heavy y bluesero al disco y a la banda por lo que no duró mucho en el cuarteto de orientación más funk alternativo.

 

 Y aunque el disco no es uno de los preferidos por los recalcitrantes fans del grupo, si es mi favorito del grupo, quizás por los riffs y solos de técnico Navarro.

DOUG INGLE

DOUG INGLE:

 

El que fuera tecladista y cantante de Iron Butterfly “Douglas Lloyd Ingle” nació en Omaha, Nebraska un 9 de setiembre de 1945 y su padre que era el organista de una iglesia le enseña a tocar el instrumento desde temprana edad  y ya en su juventud destaca por su destreza  en los teclados donde integra diversas agrupaciones en San Diego donde su familia se muda.

 

En 1966 junto a Jack Pinney en batería, Greg Willis en el bajo y Danny Weis (guitar, en la guitarra forman el grupo “Iron Butterfly” y que graban en 1968 su primer disco con un nuevo batería Ron Bushy (que le daría potencia a la agrupación) el disco “Heavy” que tuvo un tibia repercusión.

 

Pero es con el segundo álbum llamado "In-A-Gadda-Da-Vida" publicado el  14 de junio de 1968 con una nueva conformación incluyendo un nuevo guitarrista de 17 años llamado Eric Brandt  que los catapulta a los primeros lugares de las listas hasta el cuarto lugar de los charts y fue el más vendido de 1969  quizás por la canción mencionada recortada en un  single de tres minutos

 

El disco pasará a la historia por presentar el tema “In-A-Gadda-Da-Vida" que ocupa todo el lado "B" del álbum y cuyo nombre es una tergiversación alcohólica del compositor, tecladista y cantante Doug Ingle de lo que se iba a  llamar “In the Garden of Eden” y el tema se convirtió  en un clásico de la música sobre todo por los grandes  solos especialmente el del baterista y también del tecladista que era el plato fuerte de sus conciertos.

 

Luego grabaron el disco  “Ball” (1969) que llegó al puesto 3 de las listas y cuyo single Soul Experience fue usado en un  film y luego del siguiente album, el  pesado  “Metamorphosis”  (1970) que aunque contó con dos buenos guitarristas ya no tuvo pegada por lo que Ingle decide abandonar al grupo a inicios de 1971 y que siguió en actividad  bajo el liderazgo del baterista Rin Bushy hasta su fallecimiento.

 

Doug Ingle en los últimos años ha seguido tocando y grabando de forma irregular tanto como solista o haciendo colaboraciones con otros músicos hasta la fecha.