jueves, 24 de febrero de 2022

EN RECUERDO DEL TECLADISTA “NICKY HOPKINS”:

EN RECUERDO DEL TECLADISTA “NICKY HOPKINS”:

 

El que fuera el pianista Nicholas Christian  o más conocido como "Nicky" Hopkins, nació un 24 de febrero de 1944 en Harlesden al norte de  Londres  y fue quizás uno de los pocos  músicos de sesión que tocó en  algunas de las mejores canciones de la música popular de UK y USA en las décadas de los sesentas y setentas destacando sobre todo en  el piano (un sonido bien particular) y el órgano.

 

Hopkins inició  su carrera musical a principios de los años 60 como pianista del excéntrico cantante “Screaming Lord Sutch”, que también incluía entre sus músicos al guitarrista  Ritchie Blackmore, luego se unió a “The Cyril Davies All Stars” tocando  el piano en su álbum “ Country Line Special”.

 

Como músico de sesión, Hopkins fue conocido por su capacidad para realizar buenos arreglos de teclados sin un ensayo previo y se dice que leía cómics durante las sesiones de grabación y el tema  “Session Man” de los Kinks está dedicado a él (el miembro de los Kinks Ray Davies escribió una pieza "In memoriam" tras su muerte que apareció en el New York Times).

 

Hopkins tocó con grandes como los Rolling Stones (inolvidable su solo en Angie o You can´t Always give what you want), los Beatles (Revolution), Kinks  entre otros en los sesentas y cuando se fue a vivir a USA en las bandas californianas como Jefferson Airplane (los acompaño en Woodstock y en el clásico Volunteers), New Riders of the Purple Sage, Steve Miller Band y como integrante fijo de los “Quicksilver Messenger Service”, además de continuar como músico de sesión como colaborador de John Lennon, Harrison, Starr entre otros.

 

 El gran Nicky Hopkins solo tenía 50 años cuando fallece un  6 de septiembre de 1994 en el hospital de St. Thomas, en Nashville, Tennessee, debido a complicaciones de una operación intestinal anterior y justo cuando estaba colaborando con  su autobiografía con Ray Coleman, dejando viuda a su esposa, Moira.

Led Zeppelin - Physical Graffiti

LED ZEPPELIN “PHYSICAL GRAFFITI”:

 

Un 24 de febrero de 1975 fue editado el Long play de Led ZeppelinPhysical Graffiti” en su recién inaugurado sello discográfico propio llamado  “Swan Song Records” (algo así como “Discos canto del cisne”) el sexto álbum de estudio  y para muchos el mejor álbum de los maestros de la música  hard rock, siendo su primer disco doble, (el otro sería The Song Remains The Same)  presentando canciones más extensas en duración (In the Light, In my Time of dying) , sonidos más elaborados en la producción, nuevos ritmos musicales (Kashmir) y además fue número uno tanto en la listas de UK y USA y en otros países también llegó hasta los primeros lugares de los charts.

 

Sobre la grabación se puede decir que más de la mitad de las canciones fueron escritas en Headley Grange, esa casona antigua que muchos músicos decían que estaba embrujada y  las sesiones fueron entre los  meses de enero y febrero de 1974 (aunque el proyecto se empezó en diciembre de 1973) además le agregaron material de anteriores grabaciones que fueron hechas en los meses de  julio y diciembre de 1970 (época del Led Zeppelin III), enero y marzo de 1971 y mayo de 1972 (época del disco Houses of the Holly) en diversos estudios de grabación, para una mejor comprensión de las fechas de grabación los temas no grabados en 1974 se señalan con asterisco.

 

LA CURIOSA PORTADA:

 

La carátula del disco fue encargada al diseñador gráfico, Peter Corriston, que buscó un  edificio que tenga formas simétricas a la idea que se había planteado y lo encontró  en la dirección  de 96 and 98 East 8th Street en  St. Mark's Place en Manhattan, New York en medio de Greenwich Village y fueron tomadas tomas en la mañana para la portada delantera y por la noche para la contra carátula  y estas fotos fueron modificadas para que puedan ser adecuadas al concepto de lo que quería el grupo  y que pasó a la historia.

 

CACTUS “ONE WAY …OR ANOTHER”

CACTUS “ONE WAY …OR ANOTHER”:

 

Un 24 de febrero de 1971 el sello “ATCO  Records  de la división vanguardista de ATlantic COrporation  publica el álbum “One Way…or Another”  (Un camino u otro) que el segundo disco de la banda de hard rock de Long Island “Cactus” y quizás pueda ser considerado como el mejor disco de su carrera.

 

Cactus fue una agrupación  de hard rock  yanqui que podría considerarse de “culto” porque no gozaron  de la popularidad de otros grupos de su tiempo que si fueron masivos y más populares  pero sin la calidad de esta banda que fue admirada por los integrantes de Led Zeppelin y otros, tanto por su propuesta como música.

 

Y quizás su potencia se debió  a la  sección rítmica conformada por los geniales Tim Boggert y Carmine Appice (quizás entre los mejores bajistas y bateristas de la historia de la música), ambos músicos provenían de la ecléctica banda  Vanilla Fudge “Cuyo estilo de recrear canciones pop en largas epopeyas musicales fue copiado por muchos grupos ingleses como Spooky Tooth y Deep Purple entre otros.

 

Así que disuelto Vanilla Fudge deciden hacer un trió con Jeff Beck, pero este se accidente y rápidamente lo reemplazan por dos compatriotas y debutan con el disco homónimo en junio de 1970, ya con una fama consolidada editan este clásico que fue grabado en los  Electric Lady Studios de Nueva  York y producido por los muchachos en los últimos meses de 1970 y recurren a temas clásicos del blues y propios donde las canciones pesadas predominaban y donde el finado cantante Rusty Day mostraba su destreza con la armónica como ejemplo la  canción llamada Big Mama Boogie I y II  un ejemplo de su potencia y creatividad, sobre todo la segunda parte del desenfreno musical donde el desparecido maestro Tim Boggert se roba la canción con ese bajo que le gana el duelo al guitarrista Jim McCarthy y con el fondo de armónica tocado genialmente por el también fallecido Rusty Day .

 

FLEETWOOD MAC “FLEETWOOD MAC”:

FLEETWOOD MAC “FLEETWOOD MAC”:

 

Un 24 de febrero de 1968 el sello Blue Horizon Records de Mike Vernon publica en UK el primer disco de la banda de blues inglesa  Fleetwood Mac o también conocido como “Peter Green's Fleetwood Mac” (casi el 75% de los integrantes provenían del grupo de John Mayall, los Bluesbreakers, salvo Jeremy Spencer reclutado por el mismo Green) y el álbum fue un éxito de ventas en su país de origen llegando hasta el cuarto puesto de los charts permaneciendo en circulación por 37 semanas pero en USA solo llegó hasta el puesto 198 de la  Billboard 200.

 

El álbum fue grabado bajo la producción de mismo Vernon en las instalaciones de los  estudios CBS por el  19 de abril y en los estudios de la Decca, ambos en Londres durante los meses de noviembre y diciembre  de  1967 donde la mayoría de los temas registrados eran composiciones de Green y Spencer además de algunos clásicos de blues del sur de USA.

 

Este  cuarteto original estaba conformado por el maestro Peter Green en la voz y su inconfundible guitarra Gibson Les Paul, el joven  y pequeño Showmen “Jeremy Spencer” en las guitarra slide y voz, John Mac Vie en el bajo y Mick Fleetwood en la batería y  no se debe confundir esta joya de la música  blues con el disco pop de 1975 del mismo nombre pero con diferente alineación.

 

En esta obra maestra, los muchachos interpretaron con todo su sentimiento  las canciones originales de los  viejos maestros del blues sureño y de Chicago de USA, además  de componer temas propios como  los de Spencer que copiaba el sonido repetitivo de Elmore James en sus temas  y además en este disco Green demuestra que era uno de los mejores guitarristas de su generación, uno de sus mejores seguidores  fue Carlos Santana que le debe mucho de su estilo al sonido de Green, un  par de meses más tarde se  une a la banda otro joven guitarrista llamado Danny Kirwan, pero esa es otra historia.

miércoles, 23 de febrero de 2022

Jefferson Starship- Jane

“JANE” POR JEFFERSON STARSHIP:

 

La canción Jane del grupo Jefferson Starship (la segunda encarnación de Jefferson Airplane) fue coescrita por el bajista David Freiberg más los guitarrista Craig Chaquico y Paul Kantner en la música y el compositor Jim McPherson en las letras y fue  publicada como single en el mes octubre de 1979 y que además formó parte del álbum “Freedom at Point Zero” de noviembre del mismo año, llegando hasta el puesto 14 de las listas de los Billboard Hot 100 de USA.

 

Esta canción es la tarjeta de presentación del cantante “Mickey Thomas” que fue reclutado  ante la partida de los históricos Marty Balin y Grace Slick donde hace alarde de su aguda voz que se haría su marca de fábrica.

 

Pero en este tema  Thomas hace una buena performance y que en concierto era uno de los puntos fuertes de la banda, sobre todo cuando el maestro Kantner aún lideraba la banda que creara.

EL GRAN RUSTY YOUNG:

EL GRAN RUSTY YOUNG:

 

Norman Russell "Rusty" Young nació en Long Beach, California un 23 de febrero de 1946 y empezó a  tocar la guitarra steel desde su adolescencia  actuando  en diversas  bandas de country y psico-rock durante su juventud.

 

 Fue considerado uno de los mejores guitarrista Steel de la historia y su fama se remonta cuando  toca ese instrumento en el tema “Kind Woman” de la mítica banda “Buffalo Springfield  e  hizo amistad con los integrantes, sobre todo con  Richie Furay(compositor de ese tema) y Jim Messina  y cuando se desbandan los  “Buffalo  Springfield” crean al poco tiempo el grupo “Poco” a mediados de 1968 grabando más de veinte álbumes  y Young era  el único miembro original que seguía  en la banda hasta su retiro en el 2017.

 

Un comunicado oficial publicado por su compañía discográfica señaló que Rusty Young falleció el 14 de abril del 2021 de un ataque al corazón en su casa en Davisville, Missouri.

 

ROSE OF CIMARRON:

La fuente de inspiración para crear la canción Young la tomó de un afiche que encontró  mientras la banda estaba de gira por Oklahoma en 1973  y era  sobre la leyenda de  una bandida  del “Far West”  que se llamaba Rose Dunn y que la apodaban “Rose of the Cimarron” que tuvo un romance a los 15 años con otro forajido del siglo XIX George "Bittercreek" Newcomb.

 

Rose of Cimarron  se volvió en un himno al poco tiempo de ser editada  debido a su intensa melodía, los arreglos orquestales  y las intensas interpretaciones intercaladas por parte del guitarrista  Paul Cotton y el bajista Timothy B. Schmidt (futuro Eagle) y sobre todo la guitarra steel de Young es cierto luego de escucharse por primera vez dan ganas de hacerlo nuevamente, sobre todo ese final orquestado por violines que se puede escuchar al final de la canción.

RECORDANDO AL GRAN “JOHNNY WINTER”:

RECORDANDO AL GRAN “JOHNNY WINTER”:

 

 John Dawson Winter III, más conocido en el mundo de la música como “Johnny Winter” nació en la localidad de Beaumont, Texas un 23 de febrero  de 1944 y al igual  que su hermano menor Edgard nació albino y  desde muy pequeños  fueron inducidos en la música por su padre John Dawson Winter II, que era cantante y músico de festividades  que dominaba el saxo  y la guitarra y que le enseñó a sus hijos, destacando Johnny en la guitarra y su hermano Edgard en los teclados complementándose uno al otro.

 

Y ya a los 15 años Johnny se hizo cantante y guitarrista profesional y además un dotado para el dominio de la técnica del “slide guitar” donde fue un maestro, al igual que en  la mandolina y armónica y en 1959 graba con su grupo  Johnny and the Jammers  el tema "School Day Blues" en un sello discográfico de Houston y a los pocos años se hace solista.

 

En 1967 graba su primer single como solista llamado  Tramp” y al año siguiente su álbum debut llamado “The Progressive Blues Experiment” en un sello pequeño, al año siguiente firma por Columbia Records y con el álbum Johnny Winter  (1969) despega su carrera musical que constó de más de 15 discos en estudio y media docena en directo además de haber sido un competente productor de blues y un buen trabajo hizo con álbumes de Muddy Waters.

 

En directo mostró ser un gran intérprete de la música blues y de las improvisaciones con una técnica incomparable del uso de la slide guitar y las actuaciones que dejó registradas son el  testimonio de su arte y destreza musical, pero el maestro Johnny Winter murió en la habitación de un hotel en Suiza un 16 de julio del 2014  justo dos días después de haber dado un concierto.