ROBERT PLANT “TALL COOL ONE”:

ROBERT PLANT “TALL COOL ONE”:

 

Robert Anthony Plant quien fuera la voz de Led Zeppelin y el típico arquetipo de un cantante de rock  nació un 20 de agosto de 1948 en  la región de West Bromwich, Staffordshire en UK,  hijo de un ingeniero y una ama de casa y desde temprana edad tuvo inclinaciones por la música sobre todo por el blues y la música folk, deja la escuela para participar  en varios grupos como The Band of Joy  donde conoce a John Bonham (baterista) con quien tuvo empatía desde un principio.

 

Se hizo famoso apenas cumpliendo  los 20 años cuando el guitarrista Jimmy Page quería encontrar nueva gente para los Yardbirds y su primera elección fue el cantante Terry Reid que al declinar lo recomienda y al escucharlo queda sorprendido por su voz y decide crear un nuevo grupo  que se llamó Led Zeppelin y luego reclutan a Bonham a sugerencia de Plant y el cuarteto hace historia en la música.

 

Si la canción del disco "Now and Zen"  publicado un 29 de febrero de 1988 "Tall Col One" suena a Led Zeppelin, es que Jimmy Page toca las guitarras en él Y al final los samplers de estos temas escuchamos: Black Dog", "Dazed and Confused", "Whole Lotta Love", The Ocean" y "Custard Pie" y algo de "Black Dog" "When the Levee Breaks" en las letras.

U2 - Sunday, Bloody Sunday (Live TV 83) HQ

U2 WAR Y “SUNDAY BLOODY SUNDAY”:

 

Un 28 de febrero de 1983 el sello discográfico “Island Records” publicó el tercer Long Play en estudio de la banda irlandesa U2  llamado  “War”  que como se sobrentiende del título del disco, tiene varias canciones de protesta y de contenido político  y que contrariamente fue un paso importante para su internacionalización.

 

Y el tercer single que fue lanzando el 11 de marzo llamado “Sunday Bloody Sunday” llegó a los primeros lugares de algunos países europeos y de USA y a pesar de ser un tema de protesta que trataba sobre la masacre del Domingo Sangriento de 1972, en el que murieron 14 personas en Irlanda del Norte , se hizo un himno por el riff creado por The Edge, el violín eléctrico tocado por Wickham  y sobre todo el sonido de batería y el “click track” de la batería de Mullen Jr. hicieron de esta canción un tema que siempre ha sido tocado en vivo debido a su contundencia.

The Monkees - Star Collector

THE MONKEES “STAR COLLECTOR”:

 

La canción "Star Collector" que fuera escrita por los aún esposos Gerry Goffin y Carole King fue grabada en  por The Monkees, para el disco Pisces, Aquarius, Capricorn & Jones Ltd que apareció en noviembre de 1967.

 

El tema que tiene como vocalista a Davy Jones y como puede imaginarse de su  título trata sobre las groupies en una forma irónica  humorística e inteligente (aquellas chicas que tenían el afán de acostarse con los ídolos de rock y les hacían seguimiento) pero lo mejor del tema son los arreglos vanguardistas.

 

Porque  que los integrantes de los Monkees en un inicio fueron reclutados como actores para un show televisivo sobre un grupo musical y pudieron seguir así solo para ganar dinero  pero los muchachos que sí eran músicos en su mayoría demostraron dignidad y a partir del tercer disco tuvieron autonomía creativa para experimentaren los estudios de grabación, como en esta canción donde se usa un sintetizador Moog “Paul Beaver” lo toca  (y una de las primeras veces que se usa en el rock pues hablamos de 1967) y también que Mike Nesmith cantara los coros a través del mismo haciendo los efectos de sonido de coz como  un talkbox que  muchos músicos usarían con sus guitarras a inicios de los setentas.

Davy Jones: In Memory "I Wanna Be Free"

RECORDANDO A DAVY JONES:

 

El actor y cantante David Thomas Jones  nació en el barrio de  Openshaw en  Manchester UK el 30 de diciembre de 1945 y desde pequeño tuvo condiciones para la actuación y canto e inició su carrera como actor de televisión a los 15 años en  la serie Coronation Street en un episodio de 1961, luego de la muerte de su madre deja el arte para volverse jockey pero luego su manager Basil Foster le consigue el  papel de Artful Dodger en el musical Oliver que se llevó a cabo en Londres en 1963.

 

Y al año siguiente repite su papel en Broadway y hace una aparición en “The Ed Sullivan Show” y se gana el cariño de la gente de USA  y en agosto de 1965 graba el single What Are We Going To Do? Que entra a los charts de los Billboard 100 y por ello cuando  Bob Rafelson y  Bert Schneider crean el proyecto de los Monkees (una parodia de una serie sobre un  grupo musical), Jones era el único fijo y se hizo casting para los demás  personajes que fueron  Micky Dolenz, Michael Nesmith & Peter Tork  y en su primer año de creados vendieron más que lo Beatles debido a todo el aparato logístico, musical y creativo tras ellos.

 

Los muchachos al cabo de un par de años quisieron ser creativos ya que se les consideraba una banda de segunda, un producto prefabricado para pre adolescentes  e imitadores de los Beatles, pero el paso del tiempo ha demostrado que los arreglos de sus canciones siguen  de gran calidad y su música pasa de generación a generación y entre las canciones en que Jones fue voz solista  destacan "I Wanna Be Free", "When Love Comes Knockin' (at Your Door), ”Look Out (Here Comes Tomorrow)", "Daydream Believer, "Forget That Girl", She Hangs Out", "Cuddly Toy", "Star Collector",  "Valleri, "Daddy's Song", "The Girl I Left Behind Me” entre otras.

 

 Pero  la salida de Tork y Nesmith, entre los años 1969 y 1970 llevó  a la disolución de la banda y luego de los Monkees, Jones siguió en la música y trabajó como actor en películas y series de televisión, además de estar en todos los reencuentros de los Monkees hasta que un  29 de febrero de 2012, luego de un paseo con uno de sus caballos fallece en su residencia de Florida a  los 66 años a causa de  un ataque al corazón.

Joe South Hush

“JOE SOUTH”:

 

Un 28 de febrero de 1949 nació en Atlanta, Georgia (USA) Joseph Alfred Souter, quien sería conocido en el mundo de la música como “Joe South” y que destacara como cantante, compositor y luego productor y su época más productiva fue entre las décadas de los sesentas y los setentas.

 

Empezó su carrera en 1958 formando parte del staff de with the National Recording Corporation como músico de sesión y luego su reputación creció haciendo canciones para artistas tan diversos como   como Marty Robbins, Eddy Arnold, Aretha Franklin, Wilson Pickett, Bob Dylan (“Blonde on Blonde”) y Simon & Garfunkel entre otros

 

Y quizás su canción más conocida para la gente del rock sea “Hush” que escribiera para Billy Joe Royal y lo lanzara en single en setiembre de 1967 y que los  Deep Purple hicieran un exitoso cover en junio de 1968, otro éxito fue “‘(I never promised you a) Rose Garden’ que cantara Lynn Anderson , pero la que compusiera en diciembre de 1968 y que además interpretara South será su tema más representativo la canción  “Games People Play" que lo hace ganar un Grammy en 1970 como tema del año y que años después sería un éxito en su versión reggae por Inner Circle.

 

El suicidio de su hermano en 1971 afectó mucho a Joe South y se retiró por un tiempo de la música volviendo brevemente cuatro años después del hecho pero sin mucho éxito  y se retira falleciendo años después  a los 72 años un 5 de setiembre del 2012.

JOE SOUTH

“JOE SOUTH”:

 

Un 28 de febrero de 1949 nació en Atlanta, Georgia (USA) Joseph Alfred Souter, quien sería conocido en el mundo de la música como “Joe South” y que destacara como cantante, compositor y luego productor y su época más productiva fue entre las décadas de los sesentas y los setentas.

 

Empezó su carrera en 1958 formando parte del staff de with the National Recording Corporation como músico de sesión y luego su reputación creció haciendo canciones para artistas tan diversos como   como Marty Robbins, Eddy Arnold, Aretha Franklin, Wilson Pickett, Bob Dylan (“Blonde on Blonde”) y Simon & Garfunkel entre otros

 

Y quizás su canción más conocida para la gente del rock sea “Hush” que escribiera para Billy Joe Royal y lo lanzara en single en setiembre de 1967 y que los  Deep Purple hicieran un exitoso cover en junio de 1968, otro éxito fue “‘(I never promised you a) Rose Garden’ que cantara Lynn Anderson , pero la que compusiera en diciembre de 1968 y que además interpretara South será su tema más representativo la canción  “Games People Play" que lo hace ganar un Grammy en 1970 como tema del año y que años después sería un éxito en su versión reggae por Inner Circle.

 

El suicidio de su hermano en 1971 afectó mucho a Joe South y se retiró por un tiempo de la música volviendo brevemente cuatro años después del hecho pero sin mucho éxito  y se retira falleciendo años después  a los 72 años un 5 de setiembre del 2012.

EN RECUERDO DE BRIAN JONES:

EN RECUERDO DE BRIAN JONES:

 

Me gustó y atrapó el sonido de los Rolling Stones sobre todo en el período en que “Brian Jones” formó parte de la banda pero una vez expectorado no fue lo mismo ya que con Taylor o Wood es más de lo mismo a lo largo de sus posteriores 40 años de existencia, sin la magia de la experimentación del pequeño genio los Rolling Stones perdieron su esencia, es mi opinión.

 

“Lewis Brian Hopkin Jones” nació en el  Park Nursing Home de  Cheltenham, Gloucestershire al suroeste de UK un 28 de febrero de 1942 y desde niño padeció de asma y desarrolló su pasión por la música y además por las mujeres, hecho que le ocasionó en el futuro problemas legales y aún no había cumplido los 21 años y ya había engendrado casi media docena de hijos.

 

Ya instalado en Londres en 1962 formó parte de varios combos de blues como el grupo The Rooster con Paul Jones como cantante y al abandonar el  grupo (lo reemplazó un joven Eric Clapton) decide crear uno propio, el cual pueda dirigir y ser manager y parte del mismo.

 

 El 2 de mayo de 1962 este multi instrumentista pone un anuncio en el Jazz News para que los músicos adicionen para su nueva Banda de R & B  y así nace la leyenda, siendo los primeros en llegar Jagger y Richard, luego los demás y cuando por teléfono estaba cerrando su primer contrato y le preguntan cómo se llama su grupo,  al ver en el suelo un disco de “The Best of Muddy Waters”y uno de los temas era Rollin' Stone Blues les dice que se llaman los  Rolling Stones.

 

Él fue durante los primeros años la imagen de la banda, el que introdujo la guitarra bottleneck (Little Red Rooster) , la citara y demás instrumentos  y su punto débil es que los tiempos cambiaron y los grupos no solo interpretaban los clásicos blues tradicionales sino empezaban a componer sus propios temas que lo hicieron Jagger Richards y el no pudo aportar, así empezó su declive, el excesivo consumo de drogas, las rencillas con Richards por su ex mujer y su depresión hace que lo expulsen de la banda y lo reemplacen por Mick Taylor .

 

Lo demás es historia, en la autopsia se señala que Brian Jones  falleció ahogado en su piscina en  la medianoche de un 3 de julio de 1969 a los 27 años, su pareja una sueca llamada Anna Wohlin  halló su cadáver en la esquina de su piscina y empezará la es prensa especulativa, pero sin Brian Jones los Stones perdieron su magia y para mi humilde opinión se volvió otro grupo.

 

RECORDANDO A “DAVID BYRON”:

RECORDANDO A “DAVID BYRON”:

 

“David Byron” quien fuera la voz de “Uriah Heep” nació bajo el nombre de “David Garrick” en Epping, UK un 29 de enero de 1947 y falleció en la localidad de Reading UK  el 28 de febrero de 1985 a los 38 años por complicaciones hepáticas debido al alcoholismo que arrastró por años.

 

Este cantante inglés será recordado en la historia de la música por ser la indiscutible “voz” de la original banda “Uriah Heep, que fundara con su ex compañero del grupo Spice, el guitarrista  Mick Box y el ex tecladista y cantante de The Gods, Ken Hensley en 1969.

 

Él se inició en la música a mediados de los sesentas haciendo coros en un estudio musical, donde conoce al bajista Paul Newton, luego pasó a integrar el grupo The Stalkers por 1966 donde conoce al guitarrista Mick Box y al año siguiente Byron, Box y Newton forman el grupo Spice que en 1969 al contratar a un tecladista llamado Ken Hensley que había coincidido con Newton en la banda The Gods, se cambian de nombre como un personaje de Dickens, “Uriah Heep”.

 

Diría que con él se puede ubicar la etapa gloriosa de la banda (1969 -1976) donde en los diez discos en que participó (sin contar las recopilaciones) se encuentra  lo mejor de la agrupación y aunque Uriah Heep aún siguen en actividad bajo el liderazgo de Box  en sus conciertos tocan en su mayoría el  material de la era Byron, quizás seas porque el maestro tuvo un peculiar registro vocal llegando a altas notas de tenor añadiendo unos coros agudos que recuerdan a sonidos del averno que le daban un marco especial a los temas y una marca registrada del grupo.

 

Su carrera solista se inicia cuando aún era parte de Uriah Heep con el disco  Take No Prisoners  (1975) que contó con los miembros de la banda pero al año siguiente por problemas con el alcohol que repercutieron en las relaciones con los demás integrantes hicieron que la dejara en 1976 (otros dicen que fue expectorado) y  al año siguiente crea el  grupo Rough Diamond con los que graba un único disco que no trascendió, , como solista graba el incomprendido álbum   Baby Faced Killer (1978) y hasta el último año de sus días había grabó  dos discos con su banda de acompañamiento “The Byron band”.

 

La historia (y quien lo escuche) lo considera (rá)  como una de las mejores cantantes de su tiempo y esto puede apreciarse en su magnitud en el disco  grabado en vivo del año 1973 y en el video recopilatorio oficial de la banda “The Byron Years”.

PLACER CULPOSO: “ LA CANCIÓN DE NKOB“TONIGHT”:

PLACER CULPOSO: “ LA CANCIÓN DE NKOB“TONIGHT”:

 

Muchas veces nos damos con la sorpresa que bandas creadas para un público determinado, como las famosas boys band de los 90s “música para adolescentes con incontinencia”, o simplemente música llamada comercial,  puedan al paso de los años dejar una buena canción por más que un rockero de corazón quiera negarlo.

 

 Y este es el caso de este tema compuesto en 1990 por la dupla de Al Lancellotti y Maurice Starr, el segundo era el creador y  productor de los NKOB (pero antes incursionó en el piano, canto y guitarra proveniente de sus raíces negras proveniente del sonido motown y que para este single tomaron a mi parecer extractos de melodías Beatles y hasta de Barrett para hacer esta bella canción (la letra es malísima, pero la música y producción impecable).

 

EJERCICIO DE MEMORIA:         

Según mis oídos encuentro las siguientes prestaciones: El preludio de la guitarra de inicio me remite al tema Beatle del White Album "The Continuing Story of Bungalow Bill", las líneas de bajo parece que se las hubiese tomado del  "Obladi Oblada, sigamos, El piano suena al de “The Fool on the hill”, con violines y cellos en la misma frecuencia que en “I am the Walrus”,  y ese coro final muy parecido al de  Pink Floyd en el tema de despedida de Barrett “Jugband blues” lalalalala… y ese sonido de trompeta que nos remite al de Penny Lane, etc.

 

Lo importante es que diversas bandas o compositores que copian la formula Beatle por más mediocre que sean dejarán para la posteridad una buena canción, dejo a su criterio, escucharla y opinar al respecto.

 

ADRIAN SMITH Y FLIGHT OF ICARUS:

ADRIAN SMITH Y FLIGHT OF ICARUS:

 

Esta canción la  co escribieron entre el guitarrista Adrian Smith  nacido el 27 de febrero de 1957 con el vocalista Bruce Dickinson para Iron Maiden y fue el primer single que lanzaron en USA en abril de 1983.

 

El tema conocido como “El vuelo de Ícaro”, o en su idioma original  "Flight of Icarus", es un tema que se basa  en el mito griego del ingenioso inventor Dédalo y su huida del laberinto de Creta con su hijo Ícaro con un par de alas mecánicas y que muriese por acercarse mucho al sol pese a las advertencias de padre y se derritieran sus alas cayendo al mar y nunca salir de él.

 

NEAL SCHON:

NEAL SCHON:

 

El guitarrista Neal Joseph Schon de ancestros alemanes, nace en una base aérea de Tinker en Oklahoma  USA un 27 de febrero de 1954 y desde muy joven se destacó y se dedicó a tocar la guitarra y era tan bueno tocando los blues que se lo querían llevar a UK pero sus padres se opusieron.

 

 Y por ello no es de extrañar  que ya  a los 16 años  formaba parte de la banda de Carlos Santana  y su estilo destaca en el disco que comúnmente se conoce como Taboo y  luego de la grabación del disco casi conceptual Caravanserai  (1973) se aleja de la agrupación para formar la propia llamada Journey que tuvo éxito masivo en los ochentas sobre todo cuando Steve Perry reemplazara a Greg Rollie  en las voces  para luego hacerla de solista pero Schon sigue con su banda hasta la fecha.

SCARL ANDERSON EL ETERNO JUDAS DE JESUCRISTO SUPERSTAR:

CARL ANDERSON EL ETERNO JUDAS DE JESUCRISTO SUPERSTAR:

 

El gran Carlton Earl  o más conocido como Carl Anderson  nació en una numerosa familia en Lynchburg, Virginia un 27 de febrero de 1945  y que fuera cantante y actor estadounidense, y que se hizo inmortal por su interpretación de Judas Iscariote en el musical de Broadway y la correspondiente versión en el cine de la ópera rock de Andrew Lloyd-Webber, 'Jesucristo Superstar.

 

 Y para los que vimos la película del director Norman Jewison y que produjo Robert Stigwood, prácticamente le robó el protagonismo a Ted Neely (quien hacía de Jesucristo) con su atormentado e histriónico Judas, Anderson en otras ocasiones volvió a su personaje y fallece de leucemia cuatro días antes de cumplir  los 59 años un 23 de febrero del 2004.

 

RECORDANDO A STEVE HARLEY:

RECORDANDO A STEVE HARLEY:

 

El  gran Steve Harley nacido como Stephen Malcolm Ronald en Deptford, Londres un 27 de febrero de 1951 empezó como periodística empírico en el Daily Express, pero desde su adolescencia escribía poesía (sufrió de polio y hasta recuperarse escribía y tomó clases de violín) hasta que decide probar suerte como músico a partir de 1971 tocando en bares y pubs.

 

Este cantante y compositor londinense pasará  a la historia de la música por crear y liderar a los Cockney Rebel en 1972, grupo que aún sigue vigente y que con los que ocasionalmente salen de gira.

 

 Aquí el tema por el cual será recordado siempre “Make Me Smile” (Come Up and See Me).

RECORDANDO A “SANDY SHAW”:

RECORDANDO A “SANDY SHAW”:

 

El 26 de febrero de 1947 nació en Dagenham, Essex Sandra Ann Goodrich cantante británica que fuera conocida como “Sandy Shaw” que  inició  su carrera a los 17 años con su versión de la canción (There's) Always Something There to Remind Me" de la dupla  Bacharach y  David que llegó a ser número uno en UK (1964) y quizás fue su mejor década ya que tuvo una serie de éxitos como “Puppet on a String” (1967).

 

 La particularidad de esta esbelta cantante ya retirada del show business, además de su melodiosa voz era que en la mayoría de presentaciones en sus primeros años aparecía en el escenario descalza.

EN MEMORIA DE “BUDDY MILES”:

EN MEMORIA DE “BUDDY MILES”:

 

El desaparecido baterista  conocido como “Buddy Miles” nació el 5 de setiembre de 1947 con el nombre de “George Allen  Miles Jr.” en Omaha, estado de Nebraska y su padre fue el reconocido músico George Miles quien fuera  bajista de Duke Ellington, Count Basie, Charlie Park entre otros y por ello a partir de los 12 años empezó a acompañar a su padre en sus giras y por tocar la batería su tía lo empieza a  llamar “Buddy” en honor al legendario baterista “Buddy Rich”.

 

Ya de adolescente toca en diversos grupos de Rhythm & blues  como Ruby & the Romantics, the Delfonics, Wilson Pickett entre otros conociendo en 1964 a Jimi Hendrix con quien entabla amistad y en  1967 junto a Mike Bloomfield y Nick Gravenites forma la banda  Electric Flag que debutan en el Monterey Pop Festival a su  disolución forma  “The Buddy Miles Express” y a lo largo de su carrera ha colaborado con numerosos músicos, como Santana, John mc Laughlin, entre otros y es recordado por haber formado junto a   Jimi Hendrix y Billy Cox  Power  el Black Power trío   “Band of Gypsys “, con un célebre disco grabado en vivo.

 

El baterista Buddy Miles falleció en su residencia situada en Austin Texas por los problemas cardíacos que padecía  un 26 de febrero del 2008.

BOB EL “OSO” HITE:

BOB  EL “OSO” HITE:

 

Bob Hite, el que fuera el  voluminoso cantante de la banda de boogie rock “Canned Heat” nació con el nombre de  “Robert Ernest Hite” en Torrance, California un 26 de febrero de 1945  y fue su potente voz que contrastaba con la voz aguda del guitarrista “Alan el búho Wilson” la característica principal del grupo que lideró hasta el día de su fallecimiento.

 

Este  grupo californiano fue una banda de blues y boogie por excelencia, creada por Hite y Wilson en 1965 y que tenían la particularidad de rehacer temas de los antiguos cantantes originarios de blues y recrearlos a su estilo con sus letras (una buena manera de maquillar un plagio), Hite era  llamado “The Bear” (el oso) por su corpulencia y compartía las voces y armónica con Wilson que tenía una n voz más aguda que él pero murió en 1970).

 

Luego asumió el liderazgo total del grupo y bajó de peso considerablemente a mediados de los setentas y la muerte de Bob Hite  puede ser considerada como accidental y absurda ocurriendo en un descanso de una tocada en el Club Palomino de North Hollywood cuando un fan le da heroína para que esnifara y el pensando que era cocaína lo hace y  colapsa  falleciendo horas después en su domicilio  un 5 de abril de 1981.

 

Sobre el tema de Canned Heat “Lets work Together” de 1970 si escuchan bien el solo de slide guitar  de Wilson, ¿No le ven un gran parecido al riff inicial de “In my Time of Dying” de Led Zeppelin? (1975).

RECORDANDO A “JOHNNY CASH”

RECORDANDO A “JOHNNY CASH”:

 

El 26 de febrero de 1932 nace en Kingsland, Arkansas,  el cantante y compositor, “Johnny Cash” (John R. Cash), quizás uno de los íconos musicales no solo de la  música country estadounidense sino de la historia de la música, que dentro de su prolífica carrera  también transitó por el Rock & roll, Rockabilly, blues, folk, y el  góspel, entre otros géneros musicales.

 

Cash tenía ascendencia escocesa, irlandesa y algo de cherokee por línea paterna  y desde los doce años se inicia en la música tocando la guitarra y componiendo sus propias canciones, tocando en su escuela  y en algunos cafés, pero en 1950 se alista en la Fuerza Aérea y ya cuando le dieron de baja en 1954 decide dedicarse a la música.

 

se muda con su primera mujer a Memphis, Tennessee y se presenta a Sun Records  y en 1955 realiza sus primera grabaciones y es célebre que en 1956 hizo  una improvisada sesión con Elvis Presley, Carl Perkins y Jerry Lee Lewis  que fue grabado por Sam Phillips y que hoy se conoce bajo el título Million Dollar Quartet .

  

Su potente voz barítono influenció a muchos músicos posteriores, además de ganarse al público en general, con esos conciertos gratuitos que daba en las cárceles presentándose él mismo como  "Hello, I'm Johnny Cash, “seguido de su tema emblemático  "Folsom Prison Blues".

 

Cuando se casa con la compositora y cantante June Carter se vuelve más prolífico y el maestro de la música Johnny Cash falleció  el 12 de setiembre del  2003 debido a unas complicaciones con su diabetes y quizás también a que no se sobrepuso a la muerte de su esposa fallecida 4 meses antes.

 

Pero la leyenda del “hombre de Negro”. (Así se vestía en la mayoría de sus presentaciones) cobraría más vigencia, luego de su desaparición.

HEY JUDE O “BEATLES AGAIN”

HEY JUDE O “BEATLES AGAIN”

 

El álbum hoy conocido como “Hey Jude”  fue publicado el 26 de febrero de 1970 en USA y fue una idea del que fuera nuevo apoderado de los Beatles “Allen Klein” y del directivo de Apple Records  y ABKCO (la subsidiaria creada por Klein) Allan Steckler para empezar a tener ganancias del reciente lucrativo contrato que habían firmado  los Beatles sobre publicación de sus discos y optativamente se iba a llamar  “The Beatles Again”.

 

 La idea surgió ante el éxito que había obtenido el single “Hey Jude” como el  más vendido por los Beatles  (a la fecha de la publicación del álbum se había vendido más de tres millones de este 45 Rpm) y por su inclusión en esta recopilación los fans y el público en general  empezaron  a llamar al álbum de esa manera y si bien es casi un disco de reciclaje,  por su carátula  es un clásico para los coleccionistas y recuerdo que salió en edición nacional en mi país, pero respetando el sello original "Apple" como en las de USA y UK (posteriormente) y no el clásico blanco y azul de “Iempsa” distribuidora en Perú.

 

Y en esta maravilla de temas  grabados en diversas épocas del grupo, tiene  como portada y contraportada un par de fotos de la última vez que los Beatles posaron juntos como grupo tomadas en la sesión de fecha  el 22 de agosto de  1969 en la mansión de John Lennon, ubicada en  Tittenhurst Park debido a que los miembros del grupo prácticamente estaban dedicados a su proyectos particulares y era un secreto a voces que la banda se había separado.

 

Lo valioso de este disco recopilatorio, labor a cargo de Allan Steckler es que  podemos encontrar  temas que no habían salido antes en los otros lps, solo en sencillos tanto como laso A o B Y que editaron antes y aunque era un desorden cronológico (desde 1964 a 1969)  en conjunto es la primera recopilación de las dos épocas de los Beatles.

PACO DE LUCÍA “RÉQUIEM”:

PACO DE LUCÍA “RÉQUIEM”:

 

El maestro de las seis cuerdas Francisco Gustavo Sánchez Gómez, más conocido como “Paco de Lucía”  nació en Algeciras, provincia de Cádiz, España, un 21 de diciembre de 1947 hijo de un afamado guitarrista de flamenco que además fue su maestro, grabando precozmente su primer disco junto a su hermano en 1963 y luego su leyenda y legado le harían convertirse en un gigante de la música.

 

 Y pensar que poco antes de su fallecimiento tocara en mi  país (Perú) y otro mérito, además de su destreza y digitación, fue como buscador de nuevos sonidos haciendo  que incorporase en sus conciertos el “Cajón peruano” (Ahora usado no solo en el flamenco, sino en otras latitudes, hasta Ringo Starr lo toca en sus presentaciones) y que le vendiera el desaparecido maestro  “Caitro Soto” hace ya varios lustros, este genio no solo destacó en su género sino también innovó en el blues y jazz (ese concierto de dio con Al di Meola y John McLaughlin se registró en un disco, hoy un manual del virtuosismo en seis cuerdas).

 

Y el maestro de maestros, Paco de Lucía, innovador y revolucionario guitarrista del género flamenco (español), falleció un 25 de febrero del 2016 los 68 años a mientras veraneaba con su familia en las playas de México de un infarto.

EN RECUERDO DE PAPPO NAPOLITANO:

EN RECUERDO DE PAPPO NAPOLITANO:

 

Un 10 de marzo de 1950 nace Norberto "Pappo" Napolitano que empezara desde muy joven a tocar la guitarra y dominar las notas del blues y como asiduo concurrente al bar “La Balsa” (lugar donde se reunía la bohemia bonaerense) es convocado para unirse al naciente grupo del también fallecido cantante y poeta  “Miguel Abuelo” “Los Abuelos de la Nada” participando como guitarrista solista en el ya clásico  primer disco de la banda, luego forma parte de los ya legendarios  Gatos del rosarino “Lito Niebla”  en una de sus últimas  encarnaciones.

 

Pero  Pappo fue esencial para  el impulso del blues en Argentina en los años 70s con sus famosos trío y voz gruesa y aguardientosa con los ya clásicos discos de “Pappo’s Blues” hasta la enésima entrega y  a principios de los ochentas sin sus anteojos y clásica barba con un nuevo look  empezó a impulsar el heavy metal en los ochentas con su banda “Riff”.

 

  Pappo quizás fue uno de los mejores guitarristas de blues de todos los tiempos, se puede comprobar en sus directos, pero se fue un  fatídico 25 de febrero de 2005 en un accidente de moto.

 

 ¡Quizás muriendo en su ley!

EN RECUERDO DEL TECLADISTA “NICKY HOPKINS”:

EN RECUERDO DEL TECLADISTA “NICKY HOPKINS”:

 

El que fuera el pianista Nicholas Christian  o más conocido como "Nicky" Hopkins, nació un 24 de febrero de 1944 en Harlesden al norte de  Londres  y fue quizás uno de los pocos  músicos de sesión que tocó en  algunas de las mejores canciones de la música popular de UK y USA en las décadas de los sesentas y setentas destacando sobre todo en  el piano (un sonido bien particular) y el órgano.

 

Hopkins inició  su carrera musical a principios de los años 60 como pianista del excéntrico cantante “Screaming Lord Sutch”, que también incluía entre sus músicos al guitarrista  Ritchie Blackmore, luego se unió a “The Cyril Davies All Stars” tocando  el piano en su álbum “ Country Line Special”.

 

Como músico de sesión, Hopkins fue conocido por su capacidad para realizar buenos arreglos de teclados sin un ensayo previo y se dice que leía cómics durante las sesiones de grabación y el tema  “Session Man” de los Kinks está dedicado a él (el miembro de los Kinks Ray Davies escribió una pieza "In memoriam" tras su muerte que apareció en el New York Times).

 

Hopkins tocó con grandes como los Rolling Stones (inolvidable su solo en Angie o You can´t Always give what you want), los Beatles (Revolution), Kinks  entre otros en los sesentas y cuando se fue a vivir a USA en las bandas californianas como Jefferson Airplane (los acompaño en Woodstock y en el clásico Volunteers), New Riders of the Purple Sage, Steve Miller Band y como integrante fijo de los “Quicksilver Messenger Service”, además de continuar como músico de sesión como colabrdor de John Lennon, Harrison, Starr entre otros.

 

 El gran Nicky Hopkins solo tenía 50 años cuando fallece un  6 de septiembre de 1994 en el hospital de St. Thomas, en Nashville, Tennessee, debido a complicaciones de una operación intestinal anterior y justo cuando estaba colaborando con  su autobiografía con Ray Coleman, dejando viuda a su esposa, Moira.

GEORGE THOROGOOD:

GEORGE THOROGOOD:

 

El gran guitarrista de voz aguardientosa “George Thorogood” nacido en Wilmington, Delaware como George Lawrence Thorogood  un 24 de febrero de 1950 e inició su carrera haciendo covers acústicos de clásicos de los maestros Robert Johnson y Elmore James y luego forma con su amigo de secundaria el baterista  Jeff Simon los “Delaware Destroyers” nombre que se acortará a Destroyers y luego de un extenso camino graban su primer álbum en el año de 1977.

 

Y George Thorogood pasará a la historia de la música por haber recreado en un principio clásicos del blues tradicional con su sonido “boogie rock particular” junto a su grupo y compinches “The Destroyers” por más de 40 años, para muestra basta un botón:

 

LED ZEPPELIN “PHYSICAL GRAFFITI”:

LED ZEPPELIN “PHYSICAL GRAFFITI”:

 

Un 24 de febrero de 1975 fue editado el Long play de Led Zeppelin “Physical Graffiti” en su recién inaugurado sello discográfico propio llamado  “Swan Song Records”  (algo así como “Discos canto del cisne”) el sexto álbum de estudio  y para muchos el mejor álbum de los maestros de la música  hard rock, siendo su primer disco doble, (el otro sería The Song Remains The Same)  presentando canciones más extensas en duración (In the Light, In my Time of dying) , sonidos más elaborados en la producción, nuevos ritmos musicales (Kashmir) y además fue número uno tanto en la listas de UK y USA y en otros países también llegó hasta los primeros lugares de los charts.

 

Sobre la grabación se puede decir que más de la mitad de las canciones fueron escritas en Headley Grange, esa casona antigua que muchos músicos decían que estaba embrujada y  las sesiones fueron entre los  meses de enero y febrero de 1974 (aunque el proyecto se empezó en diciembre de 1973) además le agregaron material de anteriores grabaciones que fueron hechas en los meses de  julio y diciembre de 1970 (época del Led Zeppelin III), enero y marzo de 1971 y mayo de 1972 (época del disco Houses of the Holly) en diversos estudios de grabación, para una mejor comprensión de las fechas de grabación los temas no grabados en 1974 se señalan con asterisco.

 

LA CURIOSA PORTADA:

La carátula del disco fue encargada al diseñador gráfico, Peter Corriston, que buscó un  edificio que tenga formas simétricas a la idea que se había planteado y lo encontró  en la dirección  de 96 and 98 East 8th Street en  St. Mark's Place en Manhattan, New York en medio de Greenwich Village y fueron tomadas tomas en la mañana para la portada delantera y por la noche para la contra carátula  y estas fotos fueron modificadas para que puedan ser adecuadas al concepto de lo que quería el grupo  y que pasó a la historia.

.CACTUS “ONE WAY …OR ANOTHER”:

CACTUS “ONE WAY …OR ANOTHER”:

 

Un 24 de febrero de 1971 el sello “ATCO  Records”  de la división vanguardista de ATlantic COrporation  publica el álbum “One Way…or Another”  (Un camino u otro) que el segundo disco de la banda de hard rock de Long Island “Cactus” y quizás pueda ser considerado como el mejor disco de su carrera.

 

Cactus fue una agrupación  de hard rock  yanqui que podría considerarse de “culto” porque no gozaron  de la popularidad de otros grupos de su tiempo que si fueron masivos y más populares  pero sin la calidad de esta banda que fue admirada por los integrantes de Led Zeppelin y otros, tanto por su propuesta como música.

 

Y quizás su potencia se debió  a la  sección rítmica conformada por los geniales Tim Boggert y Carmine Appice (quizás entre los mejores bajistas y bateristas de la historia de la música), ambos músicos provenían de la ecléctica banda  Vanilla Fudge “Cuyo estilo de recrear canciones pop en largas epopeyas musicales fue copiado por muchos grupos ingleses como Spooky Tooth y Deep Purple entre otros.

 

Así que disuelto Vanilla Fudge deciden hacer un trió con Jeff Beck, pero este se accidente y rápidamente lo reemplazan por dos compatriotas y debutan con el disco homónimo en junio de 1970, ya con una fama consolidada editan este clásico que fue grabado en los  Electric Lady Studios de Nueva  York y producido por los muchachos en los últimos meses de 1970 y recurren a temas clásicos del blues y propios donde las canciones pesadas predominaban y donde el finado cantante Rusty Day mostraba su destreza con la armónica como ejemplo la  canción llamada Big Mama Boogie I y II  un ejemplo de su potencia y creatividad, sobre todo la segunda parte del desenfreno musical donde el desparecido maestro Tim Boggert se roba la canción con ese bajo que le gana el duelo al guitarrista Jim McCarthy y con el fondo de armónica tocado genialmente por el también fallecido Rusty Day .

FLEETWOOD MAC “FLEETWOOD MAC”:

FLEETWOOD MAC “FLEETWOOD MAC”:

 

Un 24 de febrero de 1968 el sello Blue Horizon Records de Mike Vernon publica en UK el primer disco de la banda de blues inglesa  Fleetwood Mac o también conocido como “Peter Green's Fleetwood Mac” (casi el 75% de los integrantes provenían del grupo de John Mayall, los Bluesbreakers, salvo Jeremy Spencer reclutado por el mismo Green) y el álbum fue un éxito de ventas en su país de origen llegando hasta el cuarto puesto de los charts permaneciendo en circulación por 37 semanas pero en USA solo llegó hasta el puesto 198 de la  Billboard 200.

El álbum fue grabado bajo la producción de mismo Vernon en las instalaciones de los  estudios CBS por el  19 de abril y en los estudios de la Decca, ambos en Londres durante los meses de noviembre y diciembre  de  1967 donde la mayoría de los temas registrados eran composiciones de Green y Spencer además de algunos clásicos de blues del sur de USA.

 

Este  cuarteto original estaba conformado por el maestro Peter Green en la voz y su inconfundible guitarra Gibson Les Paul, el joven  y pequeño Showmen “Jeremy Spencer” en las guitarra slide y voz, John Mac Vie en el bajo y Mick Fleetwood en la batería y  no se debe confundir esta joya de la música  blues con el disco pop de 1975 del mismo nombre pero con diferente alineación.

 

En esta obra maestra, los muchachos interpretaron con todo su sentimiento  las canciones originales de los  viejos maestros del blues sureño y de Chicago de USA, además  de componer temas propios como  los de Spencer que copiaba el sonido repetitivo de Elmore James en sus temas  y además en este disco Green demuestra que era uno de los mejores guitarristas de su generación, uno de sus mejores seguidores  fue Carlos Santana que le debe mucho de su estilo al sonido de Green, un  par de meses más tarde se  une a la banda otro joven guitarrista llamado Danny Kirwan, pero esa es otra historia.

EN RECUERDO DEL MAESTRO “GEORGE HARRISON”:

EN RECUERDO DEL MAESTRO “GEORGE HARRISON”:

 

Un 24 de febrero de 1943 (y no el “25 de febrero” como erróneamente señala su partida de nacimiento) a las 11:42 horas de la noche (además lo confirmó  George Harrison en una entrevista a la revista Billboard en 1993 donde señala que al conseguir una copia de su  registro médico de nacimiento aparece la real hora y fecha de su nacimiento y además lo señala el libro de Barry Miles y otros recientes biógrafos) en el barrio de Arnold Grove, en el puerto de Liverpool, Inglaterra, nace el menor de los Beatles, el maestro “GEORGE HARRISON”  que también fue el menor y cuarto hijo del matrimonio de clase trabajadora formado por Harold Harrison y Louise French, pero como fue registrado al día siguiente y su padre no se acordaba bien las horas y nunca se objetó ante los registros, quedó como fecha oficial de su nacimiento por la partida el día 25 de febrero de 1943.

 

A George Harrison un “cáncer maldito”  se lo llevó tempranamente a la edad de  58 años un nefasto 29 de noviembre del 2001 a la una y treinta horas de la madrugada en la residencia de USA en los Angeles California del ex beatle Paul y a su lado se encontraban su  esposa Olivia y su hijo Dhani que cumplieron horas después su último deseo  “Que luego que lo cremen  sus cenizas sean esparcidas  en el río Yamuna en la India y así se hizo”.

 

El mérito de George es que de un ser humano que estuvo siempre en constante crecimiento, tanto como músico, como autor y como ser humano sobre todo en el plano espiritual y práctico, así  si uno repasa su interesante biografía y discografía  desde sus tímidos inicios con los "BEATLES" hasta el final de su carrera comprobará que se convirtió en un maestro de la guitarra slide y  que ningún tema que compuso pueda calificarse intrascendente, pues todas sus canciones son de una calidad extraordinaria que el tiempo ha hecho justicia al darle el lugar que les corresponde.

 

Harrison sin poses ni egoísmos de por medio demostró su calidad como músico con el paso de los años y a base de esfuerzo logró crear grandes canciones con los Fab four, sobresaliendo del monopolio creativo que ejercían Lennon y McCartney en la repartición de canciones por disco.

Comenzando los 70s realizó el triple Long play solista ALL THINGS MUST PASS" que sobresalió en calidad sobre los que editaron en esa época sus ex compañeros.

 

En la década de los 80s formó parte de  una Superbanda de íconos de la música los  "TRAVELLING WILBURYS", quedando registrados dos discos históricos que han sabido resistir el paso del tiempo. Además sobresalió en el mundo del automovilismo y cinematografía financiando algunas películas y sobre todo la aclamada comedia “Life of Brian” de los Monty Phyton" y  otros proyectos independientes que colaboró.

 

De acuerdo al documental “Living in the material World” de Martin Scorsese, Harrison  se estuvo preparando largo tiempo  espiritualmente para abandonar esta dimensión por sus enorme fe en la religión hinduista, donde practicó la meditación que le dio esa paz que irradiaba pero que no le eximía de esa humanidad donde manejaba a perfección el sarcasmo y siendo “tan pasional y carnal como cualquier ser humano” pero con dosis de la espiritualidad que  profesara y que lo condujo para abandonar esta dimensión y por ello donde esté  una oración para el " maestro".

“JANE” POR JEFFERSON STARSHIP:

“JANE” POR JEFFERSON STARSHIP:

 

La canción Jane del grupo Jefferson Starship (la segunda encarnación de Jefferson Airplane) fue coescrita por el bajista David Freiberg más los guitarrista Craig Chaquico y Paul Kantner en la música y el compositor Jim McPherson en las letras y fue  publicada  como single en el mes octubre de 1979 y que además formó parte del álbum “Freedom at Point Zero” de noviembre del mismo año, llegando hasta el puesto 14 de las listas de los Billboard Hot 100 de USA.

 

Esta canción es la tarjeta de presentación del cantante “Mickey Thomas” que fue reclutado  ante la partida de los históricos Marty Balin y Grace Slick donde hace alarde de su aguda voz que se haría su marca de fábrica.

 

Pero en este tema  Thomas hace una buena performance y que en concierto era uno de los puntos fuertes de la banda, sobre todo cuando el maestro Kantner aún lideraba la banda que creara.

CARL ANDERSON EL ETERNO JUDAS DE JESUCRISTO SUPERSTAR:

CARL ANDERSON EL ETERNO JUDAS DE JESUCRISTO SUPERSTAR:

 

El gran Carlton Earl  o más conocido como Carl Anderson  nació en una numerosa familia en Lynchburg, Virginia un 27 de febrero de 1945  y que fuera cantante y actor estadounidense, y que se hizo inmortal por su interpretación de Judas Iscariote en el musical de Broadway y la correspondiente versión en el cine  de la ópera rock de Andrew Lloyd-Webber, 'Jesucristo Superstar.

 

 Y para los que vimos la película del director Norman Jewison y que produjo Robert Stigwood, prácticamente le robó el protagonismo a Ted Neely (quien hacía de Jesucristo) con su atormentado e histriónico Judas, Anderson en otras ocasiones volvió a su personaje y fallece de leucemia cuatro días antes de cumplir  los 59 años un 23 de febrero del 2004.

 

CARL ANDERSON EL ETERNO JUDAS DE JESUCRISTO SUPERSTAR:..

CARL ANDERSON EL ETERNO JUDAS DE JESUCRISTO SUPERSTAR:

 

El gran Carlton Earl  o más conocido como Carl Anderson  nació en una numerosa familia en Lynchburg, Virginia un 27 de febrero de 1945  y que fuera cantante y actor estadounidense, y que se hizo inmortal por su interpretación de Judas Iscariote en el musical de Broadway y la correspondiente versión en el cine  de la ópera rock de Andrew Lloyd-Webber, 'Jesucristo Superstar.

 

 Y para los que vimos la película del director Norman Jewison y que produjo Robert Stigwood, prácticamente le robó el protagonismo a Ted Neely (quien hacía de Jesucristo) con su atormentado e histriónico Judas, Anderson en otras ocasiones volvió a su personaje y fallece de leucemia cuatro días antes de cumplir  los 59 años un 23 de febrero del 2004.

 

EL GRAN RUSTY YOUNG:

EL GRAN RUSTY YOUNG:

 

Norman Russell "Rusty" Young nació en Long Beach, California un 23 de febrero de 1946 y es considerado uno de los mejores guitarrista Steel de la historia y su fama se remonta cuando  toca leste instrumento en el tema “Kind Woman” de la banda Buffalo Springfield y hace amistad con los integrantes Richie Furay(compositor de ese tema) y Jim Messina  y cuando se desbandan los  “Buffalo  Springfield” con Young crean el grupo “Poco” a mediados de 1968 que aún está en actividad y Young es el único miembro original que sigue en la banda.

 

ROSE OF CIMARRON:

La fuente de inspiración para crear la canción Young la tomó de un afiche que encontró  mientras la banda estaba de gira por Oklahoma en 1973  y era  sobre la leyenda de  una bandida  del “Far West”  que se llamaba Rose Dunn y que la apodaban “Rose of the Cimarron” que tuvo un romance a los 15 años con otro forajido del siglo XIX George "Bittercreek" Newcomb.

 

Rose of Cimarron  se volvió en un himno al poco tiempo de ser editada  debido a su intensa melodía, los arreglos orquestales  y las intensas interpretaciones intercaladas por parte del guitarrista  Paul Cotton y el bajista Timothy B. Schmidt (futuro Eagle) y sobre todo la guitarra stell de Young es cierto luego de escucharse por primera vez dan ganas de hacerlo nuevamente, sobre todo ese final orquestado por violines que se puede escuchar al final de la canción.